Hors dossier. Limitations in Experimental Method in Balzac’s La Peau de chagrin

When considering questions of epistemology or the theory of science in Balzac’s La Peau de chagrin, it is tempting to focus on the text’s many descriptions of science as an institutional artifact of Balzac’s time period. A few examples will serve to briefly highlight this aspect of the text. As the main character Raphaël’s despair increases in inverse proportion to his fateful skin’s size, he resorts to a cross-section of practicing scientists in his quest to reverse the skin’s progressive disappearance. His first step is a visit to a zoologist (La Peau, 230-235) whose “rhetorical overkill” complete with “empty explanations” (Thiher, 50) seems to track a number of the naturalist Buffon’s ideas and verbose style. This initial meeting culminates in a referral to a professor of mechanics who, in conjunction with a colleague, vainly submits the skin to a compression device (La Peau, 245). In a final effort to alter the skin, Raphaël seeks out the help of a chemist, whose attempts to alter the skin either by razor or acid bath (La Peau, 247-248) prove just as fruitless as his predecessors’ in the task. In a final parodic turn, the chemist is left only to ask Raphaël, “Gardons-nous bien de raconter cette aventure à l’Académie, nos collègues s’y moqueraient de nous” (La Peau, 248). The traditional sciences, then, seem both incapable of making the transition from the theoretical to the applied, and of escaping the rigors of an established institution that incentivizes the non-disclosure of anomalous results. This is science as historically-based, culturally-bound, and curiously, anti-scientific. It is also science in a struggle with the apparently supernatural as it would seem to fall beyond the materialist, empirical scope of the field (Goulet).

Raphaël’s later consultations with four of the finest medical minds in Paris only serve to expand Balzac’s parody of science. Three of the four physicians, the text clarifies, adhere to a medical système. Maugredie – whose name is a clear reference to the early experimental physician and mentor of Claude Bernard, Magendie – tracks his real-life model inasmuch as he “ne croyait qu’au scalpel” (La Peau, 256). Brisset and Caméristus each subscribe to different vitalist systems – the former, Bichat’s[1], and the latter, Van Helmont’s archea. Joining the three système physicians is Bianchon, a young colleague whose future career promises to build “le monument pour lequel les siècles précédents ont apporté tant de matériaux divers (La Peau, 255). Yet despite the diversity of opinions and quantity of expertise, the doctors are no more effective than the theoretical scientists. After taking only “une apparence d’intérêt” (La Peau, 254) in their patient, they reach the fairly routine consensus that Raphaël requires treatment by leaches, a change in diet, and a stay at the baths in Auvergne or Savoie (La Peau, 261-62). Here, again, the practice of an ostensibly scientific field is shown to be quarrelsome as an institutional matter and feckless in its palliative charge. Even at this high level, Balzac’s parody of the science of his times is clear[2].

Yet to focus solely on the parodic presentation of scientific practitioners in La Peau de chagrin is to ignore a deeper and more fruitful epistemological instability in the text. This textual instability depends on a question that is never answered in the text – specifically, does the skin actually have an effect on its ill-fated owner? The most obvious response to this question is an affirmative one. Raphaël acquires a skin that clearly states the conditions of its ownership – the skin will realize any desire of its owners, but in so doing, will shrink in lockstep with the remaining days of the owner’s life. This serves as a statement-function, to use Popper’s language (52), which need only have a specific term – or here, person – inserted into its terms to become a statement that is at least theoretically falsifiable. One may argue over whether this categorization is the best fit under Popper’s theory, but the latter characteristic – falsifiability – is the more relevant criterion in an investigation of the efficacy of the titular peau de chagrin. And indeed, the remainder of La Peau de chagrin does not ostensibly seem to bring about such a falsification of the skin’s statement-function. Whenever and whatever Raphaël wishes seems to be granted to him – he initially desires a bacchanalian feast which happens almost exactly as he imagines it. He seeks monetary fortune and finds himself declared the sole legal heir to a deceased maternal uncle’s estate (La Peau, 194). He desires to win a duel when challenged at the baths where he is recovering, and wins the duel despite possessing supposedly poor aim and firing randomly (La Peau, 277). And with each of these desires granted, the skin seems to shrink. The terms of the contract at least appear fulfilled, or at the least, not falsified.

As Popper would be the first to note, however, not falsified is not the logical equivalent of verified, leaving another potential response to the question of the skin’s efficacy. It is equally possible – as Allen Thiher points out – that the skin has no effect whatsoever on Raphaël’s existence (48). Under this line of reasoning, each of the purportedly granted wishes above was merely the result of circumstances unrelated to the enchanted skin[3]. Raphaël was alternately lucky to attend a wild party and inherit millions, and unlucky to die at a young age of an apparent case of tuberculosis. The skin may have shrunk during this time period, but it did so independently of anything that was happening to Raphael. This proposal would run counter to much of the science of Balzac’s time, which, according to Bachelard (La formation, generally), relied heavily on variety, conjecture, and coincidence rather than experimental method. Lending credibility, or at least, feasibility, to this reading skeptical of late XVIIIth and early XIXth century science are certain minor details. Even before Raphaël acquires the skin, his trip to the gambling house finds him in a sorry state of health that doctors “auraient sans doute attribué à des lésions au cœur ou à la poitrine le cercle jaune qui encadrait les paupières, et la rougeur qui marquait les joues.” (La Peau, 14). Perhaps medical opinions are not worthy of full faith and credit in the text, as discussed above; but there is already evidence in this passage – before Raphaël’s first wish – of the very symptomology that the four physicians would later observe, if not cure. Hypothetically, the disease might have developed in exactly the same way in the absence of the skin. Still other timing curiosities call the efficacy of the skin into question. Immediately after Raphaël’s acquisition of the skin, he happens upon his friends who will take him to his desired party. Their almost immediate comment to Raphaël: “nous te cherchions” (La Peau, 47), allows us to think that the search for Raphaël could well have begun prior to Raphaël’s possession of the skin, meaning that the party that he was to attend would have occurred independently of his wish to celebrate excessively. A similarly non-synchronized detail marks the announcement of Raphaël’s inheritance, where the functionary delivering the news declares that he has sought Raphaël for fifteen days – undoubtedly far longer than the party that Raphaël has just attended immediately after acquiring the skin. So unless one is willing to grant the skin powers over Raphaël even before he knew that it existed, there is at least a feasible reading that the events of the story would have occurred in exactly the same way had Raphaël not acquired it. Raphaël simply would have pursued the final months of his life while the skin separately shrunk amid the bric-à-brac of a Parisian boutique.

Much like its primary character, the question of whether the skin has an effect seems to subsist in a liminal state of purgatory. But where Raphaël’s existential limbo pits his apparent power over his surroundings against his will not to use such power, the skin’s effect is relegated to a zone of falsifiability without actually being falsified. Either of the two interpretations of the skin, as causal factor or merely coincident phenomenon, remains a valid possibility. What is interesting about the skin’s equivocal nature is why the question of causation or mere coincidence is never resolved. After all, Raphaël shows interest in observing the process of the skin’s gradual disappearance. Perhaps his observations could have (or should have) led to a more scientific understanding of the skin’s behavior. Yet such observations remain fruitless, a result due in part to Raphaël’s insufficient approach to his role as a scientific experimenter or observer. To demonstrate such insufficiency, Raphaël’s experimental technique may be compared, by way of anticipation, to Claude Bernard’s later model of experimental medicine outlined in Introduction à l’étude de la médecine expérimentale (which first appeared in 1865). By this measuring stick – and others – like Bachelard’s theory of obstacles épistémologiques, Raphaël’s shortcomings as experimenter become clearer. Raphaël is hopelessly relegated to a space of experimental indeterminacy, where conflation between object and subject cannot help but lead to a Heisenbergian reading of Balzac’s text.

Even upon his first attempt at experimentation in La Peau de chagrin – the initial encounter with the allegedly enchanted skin, Raphaël’s surroundings already evoke Bachelardian epistemological obstacles consistent with the esprit préscienfitique. Amid the bric-à-brac of the Parisian boutique, he is first shown the skin, but only after a lengthy tour of the store’s curiosities, which draw their origins from seemingly all points of the globe and all time periods in human history. The items on display span pipes and weaponry; sculptures and paintings; random machines, slippers, and idols (La Peau, 23). The view of these spectacles cannot help but affect their spectator:

La vue de tant d’existences nationales ou individuelles, attestées par ces gages humains qui leur survivaient, acheva d’engourdir les sens du jeune homme, le désir qui l’avait poussé dans le magasin fut exaucé : il sortit de la vie réelle, monta par degrés vers un monde idéal, arriva dans les palais enchantés de l’extase où l’univers lui apparut par bribes et en traits de feu, comme l’avenir passa jadis flamboyant aux yeux de saint Jean dans Pathmos. (La Peau, 24-25)

Here is a moment that simultaneously encapsulates numerous hindrances to the development of scientifically based knowledge[4]. The first is the distinction between variety and variation (Bachelard, La formation, 36). Where the latter is the proper object of scientific inquiry within the bounds of a single set of related phenomena, the tant d’existences evidenced by the artifacts surrounding Raphaël suggest the former only – an overflowing, turbulent pre-scientific variety that prizes excess over precision. Such variety is not the target of objective study, but the site of concentrated interest. That the existences nationales ou individuelles are attested by so many gages humains only supplements the play of variety here. Access to the historical moment and place of the creators of these artifacts is strictly forbidden; a speculative leap of the imagination alone can bridge the gap between object and prior existence. The initial variety in the artifacts themselves thus feeds an additional cycle of generative variety, at a level even farther removed from the concrete and observable. The text terms the décor of the boutique a chaos d’antiquités (La Peau, 24), but such chaos is far from consonant with a post-thermodynamic sort of chaos. Chaos in the latter sense means a noisy channel propagating error and an associated passage to a state of disordered equilibrium – similar to a sort of chaos underpinning David Bell’s description of le hasard as the unstructured sort of chance limiting knowability in Balzac’s texts (156-57). While Bell’s point is fundamentally applicable here in that the specter of pure, irreducible randomness could present an alternative explanation for Raphaël’s ultimate failure as experimenter, chaos in this specific case means something very different. Here is the continual generation of information without payment in energy – Carnot’s or Clausius’s burning of an imperfectly efficient energy source (Duhem, L’évolution, 411) recast (or pre-cast) as an entire universe seen in strokes of fire. The probability-based, tripartite structure of cloud/dike/downpour that characterizes a cataract’s fall (Mehlman, 22) is supplanted by a progressive flaming climb par degrés to a higher state of energy and consciousness.

There is, however, a temptation to view this progressive internal climb as a sort of metaphor for the advancement of knowledge. In this respect, one might evoke François Jacob’s image of science as “partiel[le]” and “provisoire” (11) or Bernard’s view that even if phenomena are subject to rigorous determinism, the theories describing them are not so assured (371). These images directly index the limits of human knowledge in developing theoretical constructs, but they implicitly speak to the continual possibility of advancement and improvement in a particular construct. As Bernard states, theories are “toujours mobiles” and “toujours perfectibles” (371). Bernard emphasizes this point when proposing an ostensibly Comtean or positivist set of three ages that characterize the evolution of medicine. Where Comte proposes the theological, metaphysical, and positivist ages (59), Bernard offers the Hippocratic, the passive empirical, and the active experimental (355, for example). In each system, it is the third age that represents the most perfected stage in an evolutionary process. This perfected period marks a passage from the speculation of metaphysics or the système of the empiricist to the monde idéal of order and progress for Comte and perfected experimental method for Bernard. At its asymptotic limit, the latter development moves from mere medical practice to the absolute and certain description of a real phenomenon. This final stage surpasses an artificial boundary where theoretical science is no more than a rationalist construct that reflects its human creators more than its natural objects (Bachelard, Le nouvel esprit, 5-7). With Bernard, experimental medicine’s accurate knowledge of determined phenomena reflects something like Duhem’s “classification naturelle” (La théorie physique, 53-54) or Lamarck’s “ordre naturel” (241, for example)[5]. When revelations of this order are reached – in a curious combination of logic, observation, and faith – a metaphorical curtain is pulled back, and the universe begins to appear, just as in Raphaël’s case, where “l’univers lui apparut par bribes.” Supplementing this similarity is a passage from the present to the future for both Raphaël and the experimental scientist. For one and the other, the future shifts from the indeterminate to the knowable and predictable, be it in Raphaël’s flames or Bernard’s absolute certainty in a cure. Through these parallels between Raphaël’s internal reaction to the boutique and certain models of scientific progress, what might be cast as pure reverie in the former case would actually seem to offer a potential reflection of the latter.

A more compelling argument rejects such similarities between Raphaël’s boutique experience and perfected, realist scientific modeling, however. It may be noted in this respect that Lamarck’s ordre naturel and Duhem’s classification naturelle each function in a marginal space informed as much by theology as scientific inquiry. For Lamarck’s construct, there is never a question that it owes its origin to a “Sublime Auteur” (650); Newton generally retained a deity in his scientific edifice both because a deity was needed to regulate the energy of the universe and lest he be seen as seeking final causes rather than scientific relations (Koyré, 273-276, 285). Duhem, for his part, is compelled to go to great lengths to prove that his theory of physics is entirely unrelated to his personal Catholic faith (La théorie physique, 373-423). Still Duhem acknowledges that the existence of a classification naturelle is a matter of faith for the practicing physicist. Raphaël’s vision and ecstasy in the boutique falls in this same liminal space, where an evocation of Saint John of Patmos, the author of the Biblical book of Revelation, informs, and perhaps overwhelms, the development of empirical knowledge. This is, indeed, a revelation, and not a mere observation. Yet the relationship between legitimate scientific inquiry and Raphaël’s ecstasy in the boutique is more than a simple matter of theologically-tinged worldview. Again, traces of Bachelard’s epistemological obstacles may be observed here in a direct similarity between Raphaël’s ecstasy and the traditional practice of alchemy. For the alchemist – and Balzac separately describes the life of one in La recherche de l’absolu – the synthesis of precious metals was only one part of experimental practice. Bachelard observes that alchemy is as much an initiation to an order with its own ritualistic structure (La formation, 56-59). This structure is based on a profound equivalence between the internal meditations of the alchemist and the set of symbols that can be applied to the external world. A realization of the alchemist’s goal is not only possible; it is ever realized by virtue of the alchemist’s participation in the symbolism and process of alchemy. In this way, the alchemist is at all times both unsuccessful due to an expectation that may never be achieved[6], and successful precisely because that hopeful expectation is a necessary aspect of alchemy. Assisting the alchemist in navigating these poles is a scale of symbols advancing in perfection that serve as a double for a series of intimate meditations. In view of this background, Raphaël’s moment of ecstasy in the boutique is less a tribute to the perfectibility of scientific knowledge and more the result of a collapsed process of alchemy. The set of external symbols surrounding Raphaël in the boutique numb (engourdir) his empirical senses and trigger a turn inward, where the increasing complexity and variety of the artifacts parallels the increasing perfection of the degrés vers un monde idéal. Here is the internal scale that each alchemist must climb, the necessary state that is at once process and realization, or for Raphaël, ascent and pinnacle. Truth, for the alchemist as for Raphaël in this passage, is a reconciliation of his own nature and the nature of the universe (Bachelard, La formation, 60). The evocation of that universe seen in fire only heightens the parallel in view of the importance of the fiery “element” to the alchemist’s process.

As a catalyst for a figurative move upward in his scientific revelation, the turn inward for Raphaël, away from the empirical, recalls an important potential dichotomy in Balzac’s texts, between realism and romanticism, explored by a number of commentators. Andrea Goulet, for example, has argued that Balzac’s texts straddle these opposing tendencies, with the scientific side of Balzac captured in a progressive move to the empirical, materialist, and realist, away from the visionary, supernatural, and intangibly abstract that remains beyond the scope of scientific inquiry. If Balzac’s texts exceed the space of realism, those points of excess are necessarily outside the space of scientific inquiry, and can even be likened to “mumbo-jumbo” (Goulet, 48). Other commentators have persuasively questioned this strict dichotomy. Thomas Klinkert, for example, views Balzac’s work in Louis Lambert and La Peau de chagrin as organizing a triangular relation between science, poetry, and mysticism, with the former two combining synthetically to produce the third. Mysticism associated with visionary romanticism is not a non-scientific space, it is an outgrowth of science itself. In fact, Klinkert probably does not go far enough in his characterization, as Balzacian science is not merely a generative counterpoint to poetry feeding towards mysticism. Balzacian science often seems to surpass the limits of traditional scientific or experimental method to espouse a mystical or animist view of the epistemological quest, within the bounds of science. This is precisely Göran Blix’s view, which explicitly rejects Goulet’s dichotomy in favor of just such an inclusion of the apparently supernatural as a proper element of scientific inquiry. To this point, Blix cites Ursule Mirouët as an example of the normalization of the supernatural, where a Mesmerist séance leads to a description by a seer, at a distance, of empirically verifiable facts, not Swedenborgian visions of angels and demons (268). The very concept of a séance yielding tangible results supports Blix’s arguments in a manner which he does not directly highlight – if Bergson argued in L’énergie spirituelle that scientific skepticism regarding paranormal activity was misplaced due to such activity’s falling outside the bounds of scientific testability, Balzac in Ursule Mirouët would propose that Mesmerism actually renders the supernatural testable. Balzac’s texts do not reflect a dichotomy between the realist-scientific and the romantic-unscientific; science is capable of an all-encompassing view, even if scientifically observable and verifiable phenomena remain difficult to explain, couched in the language of imponderable magnetic fluids.

Raphaël’s decision to apply scientific techniques to a purportedly enchanted skin, then, is not misplaced. The achievement of that epistemological goal is complicated, however, both by the object of experimentation and by Raphaël’s mental state, which, as he first approaches the skin, is entirely consonant with the esprit préscientifique. That state only persists as he conducts his first experimental activities on the skin. When first confronting the skin, Raphaël is immediately struck by its seemingly supernatural luminosity in the midst of a boutique then darkened in dying twilight. This provokes an initial examination of the skin:

Cependant, animé d’une curiosité bien légitime, il se pencha pour la regarder alternativement sous toutes les faces, et découvrit bientôt une cause naturelle à cette singulière lucidité : les grains noirs du chagrin étaient si soigneusement polis et si bien brunis, les rayures capricieuses en étaient si propres et si nettes que, pareilles à des facettes de grenat, les aspérités de ce cuir oriental formaient autant de petits foyers qui réfléchissaient vivement la lumière. Il démontra mathématiquement la raison de ce phénomène au vieillard, qui, pour toute réponse, sourit avec malice. Ce sourire de supériorité fit croire au jeune savant qu’il était dupe en ce moment de quelque charlatanisme. (Balzac, La Peau 39)

This indeed seems légitime, both as a matter of the curiosity provoked by the skin and the method by which Raphaël analyzes it. If Bernard’s challenge, as a successor of Newton’s, was to reduce all phenomena to the predictable due to their inherent determinism, Raphaël would seem his forerunner in this scene. The skin’s unusual luminosity is an unknown at first; but upon closer inspection of the tissue, Raphaël is able to reduce if to a sort of if x, then y functional or deductive relationship, a scientific normalization of the purportedly supernatural. If, among other things, a skin has a particular texture and has been polished in a particular way, then the skin’s ability to capture and reflect light is a certainty that can be demonstrated mathématiquement. This much can be shown without violating one of the central tenets of scientific inquiry – the prohibition on seeking the final causes of a given phenomenon (see generally Duhem, Sauver les apparences). Raphaël thereby avoids treating the curiosity of the skin either as an aspect of the tissue somehow exceeding experimentation or as motivation to discern some divine or diabolical intervention.

Yet the last two sentences of this passage fundamentally invert this initial appeal to experimental normality. This observation first turns on the text’s use of the word mathématiquement. Raphaël’s demonstration does not result in a chemical, physical, biological, or mechanical certainty; it is a mathematical certainty. The reduction of a phenomenon to mathematical proof underscores the connection between Raphaël’s methodology and the philosophy of Descartes. It may be recalled in this respect that Descartes’ foundation in proposing the cogito is a profound doubt as to the nature of his existence and surroundings. The text alludes precisely to this doubt when Raphaël first encounters the elderly shopkeeper who will show him the skin, “pendant le rapide intervalle qui sépara sa vie somnambulique de sa vie réelle, il demeura dans le doute philosophique recommandé par Descartes” (La Peau 33). Even without going too deeply into Descartes’ interpretation of sleep versus waking states (let alone an interval between the two states), it may be argued that Cartesian doubt is as much a touchstone for Balzac in La Peau de chagrin as it was for Descartes himself. Precisely because Descartes possessed this doubt, he could readily prove to himself that he at the very least existed (La recherche, 90-91). Having established his existence through doubt, Descartes was able to move beyond this point, thanks to divine intervention, to prove to his own satisfaction that the material world surrounding him was not presented in error. That Raphaël remains [demeura] in a state of doubt begins to highlight the impossibility of such a transition to certainty. Even here, the chain of Cartesian logic is broken, some tie to the empirical is needed, as Goulet would highlight, and may be missing. Returning to the use of the word mathématiquement to describe Raphaël’s initial proof of the skin’s luminosity, the initial break in the chain later proves a more fundamental inversion of the Cartesian progression. As the Fifth Meditation highlights, Descartes’s doubt had its limits, most notably as regards what Descartes deemed immutable truths. Figuring prominently among such truths are mathematical formulae and geometric relations (Méditations 159-161). So when Raphaël is able to make a mathematical showing as to the character of the skin, he is proposing an immutable, abstract truth not limited by the instabilities of the chemical or the mechanical. He is initially able to pass from doubt to certainty in the same manner as Descartes. Yet the next sentence flips the polarity of this relation, as Raphaël worries “qu’il était dupe en ce moment de quelque charlatanisme.” This sentence sounds a retreat to original doubt. Perhaps a simultaneous shift from an abstract truth to a concrete illusion, and from the mathematical to the chemical or mechanical, explains this retreat. Yet mathematical proofs in Descartes’ view should not be susceptible to such shifts, least of all due to some charlatanism, and all, in Descartes’ view was susceptible to quantification and reduction to very few essential characteristics like figure, division, and movement (Œuvres, 179). The better reading of this passage, instead, is a chiasmatic inversion of Cartesian thought. Where Descartes moves from profound doubt to abstract mathematical certainty and truth, Raphaël moves from abstract mathematical certainty and truth to profound doubt. Coincident with the initial appearance of the skin, the text undermines the very foundations of experimental and scientific logic and method.

If the initial encounter with the skin effects a fundamental inversion in Cartesian methodological practice, Raphaël’s experimental attempts, once he has the skin in his possession, tend to illustrate further limitations in his method. This much may be shown as early as his first attempt to observe empirically the purported effect that his desires have on the skin’s surface area. At that moment, Raphaël has enjoyed a long night of celebration – possibly the very party that he had wished for – and expansively recounted his earlier life to his friend Émile. As he and Émile express an interest in observing the possible shrinking of the skin as a reply to Raphaël’s desire for monetary fortune, Raphaël:

animé d’une adresse de singe, grâce à cette singulière lucidité dont les phénomènes contrastent parfois chez les ivrognes avec les obtuses visions de l’ivresse, sut trouver une écritoire et une serviette, en répétant toujours : — Prenons la mesure ! Prenons la mesure !
— Eh ! bien, oui, reprit Émile, prenons la mesure !
Les deux amis étendirent la serviette et y superposèrent la Peau de chagrin. Émile, dont la main semblait être plus assurée que celle de Raphaël, décrivit à la plume, par une ligne d’encre, les contours du talisman, pendant que son ami lui disait : — J’ai souhaité deux cent mille livres de rente, n’est-il pas vrai ? Eh bien, quand je les aurai, tu verras la diminution de tout mon chagrin. (La Peau, 189-90)

As with Raphaël’s initial inquiry into the unusual luminosity of the skin, Raphaël’s technique when attempting to discern the behavior of the skin here seems to withstand at least cursory scrutiny. To draw these two experimental scenes together does not seem misplaced, due to a critical equivalence between the scenes – each repeats the particular phrase “singulière lucidité.” While we shall return to this unusual equivalence below, we may begin by observing again how Raphaël’s method superficially compares favorably to Bernardian experimental technique. For Bernard, experiments structure around a passage from sentiment to reason to experiment (74). The first of these three steps precedes any testing itself, and reflects the mere development of a more emotional or intuitive idée préconçue (Bernard, 57, for example). It is this idea or hypothesis that serves not as a rigid frame into which experimental results are to be forced, but as a baseline to be measured in view of observed experimental results. So far, so good for Raphaël at the outset of this passage, as he comes in with just such an idée préconçue – the idea that the skin will shrink while granting his wishes. The next step for Bernard is the application of reason in the development of the hypothesis and its related experiment. Depending on the scope of the latter, very little “reason” may be needed. Bernard favorably notes an experiment conducted by Pascal involving no more than two barometric measurements taken at the top and bottom of the Tour Saint-Jacques (57). Such limited observation may suffice to begin to demonstrate the set of relations between the objects and phenomena that form the basis of the experiment. Once again, Raphaël’s technique here is in line with this experimental design as a matter of reason. If it is believed that the realization of a desire will somehow cause a skin to shrink, it is reasonable to follow Pascal’s lead and take two measures – for Raphaël, one before realization of the wish and another following.

Yet with the shift to the third stage of Bernardian experimental technique, the experiment itself, the fissures in Raphaël’s approach begin to show. For it is not Raphaël, but his friend Émile who traces the initial plot of the skin. He might be a less partial observer with a steadier hand; but the image of this latter hand, disembodied as it were in its own clause above, suggests yet another of Bachelard’s obstacles, the unconscious. An undue focus on symbols associated with the unconscious – precious metals or disembodied hands – may speak to an inability on Raphaël’s part to conduct an empirical observation. Only amplifying the force of Émile’s hand tracing the skin is its likeness to the Biblical image of the hand applying the fatal inscription to Belshazzar’s wall[7]. The idée préconçue for Raphaël is not a baseline to be accepted or rejected according to empirical results or application of the experimental method; it is the fatal commitment of a hypothesis to ink-bound, immutable truth. The third experimental stage is not an experiment at all, but a resignation to predetermined future events. Raphaël’s comment at the end of the passage reinforces this – a summary of the wish and a sentence using two future tense verbs – aurai and verras – to cast the mechanism of the skin as a necessarily closing loop.

To whatever extent a judgment might even be possible when assessing the outcome of Raphaël’s experiment, such a judgment necessarily will suffer from another critical limitation – the lack of experimentum crucis. The latter is an experiment that will serve as an additional and final proof of a hypothesis. Such experiments will often take the form of a process of elimination that sieves the universe of hypotheses until only one remains (Duhem, La théorie physique, 263-266). Bernard proposes such an elimination by resort to a contre-épreuve, a scenario where the change in a critical experimental condition brings a corresponding change in experimental outcome (114-15). The findings of the original experiment are, in Bernard’s estimation, thereby proven as the changed phenomenon is responsible for the changed outcome. This is a particularly potent technique in cases where the number of hypotheses is limited. If we imagine that a given experiment admits only two hypotheses, for example, two experiments would suffice to establish a contre-épreuve and resolve all unknowns. Interestingly, perhaps, this theory reduces actual experiment in a science like physics or chemistry to the mere mathematical question of solving a system of equations – as long as there are more experiments (or in the algebraic case, equations) than unknowns, all unknowns can be discovered (or the system can be shown to have either no or infinite solutions). If Duhem and Bernard notably disagree on the very possibility that an experimentum crucis might occur, Duhem seems to have theory in his favor in holding that such an experiment is impossible outside of pure mathematics. Where a certain number of mathematical equations will always suffice to solve (or demonstrate that there is either no or an infinite solution) for the same number of variables, physical, chemical and biological conditions are not so easily reduced to a limited number of rigid interactions due to the fundamentally stochastic nature of what is measured. In Duhem’s view, hypotheses related to real-world phenomena can be multiplied ad infinitum, so the elimination of one or many will never lead to a single remaining truth to the exclusion of all others (Duhem, La théorie physique, 265-66). Under either Duhem’s or Bernard’s view of the experimentum crucis, Raphaël’s technique promises no absolute results. Taking Bernard’s view, it would be necessary for Raphaël to change an experimental condition that would change the experimental outcome. This would require the impossible – the complete removal of the skin from his life. To be probative, this would require a parallel, non-existent Raphaël to refuse the skin initially and continue to live his life (that is, not commit suicide after leaving the boutique) in the skin’s absence. It would then be possible, under this Bernardian experimentum crucis, to determine if Raphaël’s premature aging and demise are the result of the skin. Even in this view though, Raphaël’s experimentation will not lead to certain results. Yet we might also reject the possibility of an experimentum crucis more generally in light of Duhem’s view. The necessary complexity of the two systems involved – Raphaël’s physiology and the bizarrely luminescent, ever-shrinking skin – make for highly indeterminate and changing conditions that would seem to surpass any distillation to two simple hypotheses. And as in the introduction above, if those hypotheses posit either a causal or a coincidental relation between the skin’s behavior and Raphaël’s existence, there remain a near infinite number of possible combinations and permutations of relations to supplement these two over-general possibilities. By accepting the possibility of an ever-growing series of hypotheses, no experimentum crucis would ever be possible for Raphaël, even in the Bernardian sense of the term.

Still other complications prevent Raphaël from conducting effective experimentation on the skin and his relation to it. One is Raphaël’s continual passage from the exercise of a particular type of human reason to behavior consistent with other categories in zoological taxonomy[8]. In the scene above, he behaves with an adresse de singe, thereby shifting from the group bimane to the group quadrumane, according to Lamarck’s taxonomy (297-98). Even for the latter zoologist, who as a precursor to Darwin was favorable to the possibility that humans could have descended from other primates (298-300), there appears to remain a substantial gulf between these two categories. So in transitioning from man to monkey, Raphaël has plainly surrendered his ability to reason experimentally. An application of Buffon’s concept of the homo duplex – of which Balzac was particularly fond – only reinforces this point of surrender within the single taxonomical group of humans. The homo duplex, Buffon posits, is a construct by which all humans contain two interior principles (133). One principle, associated with the soul, is the source of all science, reason, and wisdom (“la science, la raison, la sagesse,” 134). A contrasting principle, associated with the animal, is tempestuous, and brings about only passion and error (134). This oppositional dichotomy is an entirely appropriate tool to apply to the works of Balzac generally, not just because of Balzac’s personal interest in it. The entire arc of Lucien de Rubempré in Illusions perdues is a long meditation on the young arriviste’s tendency to obey his material and error-prone animal instincts in abdication of the pure spirituality offered by a life of work and symbolized by the Cénacle. Much the same structure overlays neatly on the rise of the soulless and ambitious poet Canalis in Modeste Mignon, Benassis’ confession and redemption in Le Médecin de campagne, or Rastignac more generally in Le Père Goriot (and elsewhere throughout La Comédie humaine). In these latter two texts, however, the prevailing side of the homo duplex differs, with Benassis obeying the spiritual role of physician and community developer while Rastignac squanders his inheritance and amasses debts by spending on fleeting whims. Balzacian texts were frequent in their reliance on the homo duplex, and Raphaël is no exception to this. In the passage above, the word souhaité serves as a reminder that Raphaël’s life, upon acquisition of the skin, reduces to a series of wishes and desires – first, the grandiose desires souhaités, and then the desire not to desire that dominates his existence once he believes that the skin is effective. This is doubly problematic for an experimenter. First, to behave in a manner consistent with the animal half of Buffonian dichotomy translates to an existence of not only passion, but error. The Raphaël who abandons his treatise on human will and the “soul” associated with that activity cannot possibly analyze his own existence without error, even if potentially supernatural aspects of that existence might hypothetically remain within the purview of scientific inquiry. Further, the complex struggle pitting desire and the desire not to desire for Raphaël only re-stages the issue of fatality already discussed. If Raphaël desires not to desire, it is because he has already concluded that the skin performs as advertised on its face. He is not capable of testing an idée préconçue as an objective observer would.

Raphaël’s limits as an experimenter – summarized well by an abortive desire to know ceding in the face of fatalistic resignation – has one final critical dimension. This dimension flows from the repetition of the phrase singulière lucidité in both the scene when Raphaël first encounters the skin and in the scene where he first attempts to observe the skin’s shrinking. Not only does the re-use of this phrase underscore a point of resonance between the scenes, it underscores an equivalence between elements in the scenes. In the first scene, the singulière lucidité is characteristic of the skin itself. In the second scene, it is associated with Raphaël. Once Raphaël possesses the skin, then, he and the skin become, to a certain extent, one and the same. In view of this equivalence, any attempt by Raphaël to experiment on the skin runs into the limits of the Heisenberg uncertainty principle, which Balzac could be said to foreshadow here. This principle dictates the impossibility of simultaneously knowing an electron’s precise position and exact velocity. This limit follows from the idea that in attempting to detect these characteristics of an electron (or electron beam), the experimenter necessarily exercises an influence on the very electron or electrons being tested, thereby disturbing the examined system (Popper, 233). Popper argues against the rigidity of Heisenberg’s principle as a general matter (234), as he viewed its limit as a reflection on the limits of then-current human technique, and not experimental technique as an absolute matter. The specific case of Raphaël and the skin has no such escape from the rigors of Heisenberg. In part, this is because Raphaël himself serves as both experimenter and experimentee, object and subject. When acting in one capacity, he fundamentally alters the observations or realities of the other. This view only complicates when expanded to include the skin. For if one of the two sites of singulière lucidité is affected at a given time, it would follow that the other site would undergo a corresponding effect. When Raphaël desires to know about the skin, his desire should work a change in the skin itself if the skin in fact functions as advertised. Here is the would-be scientist facing a phenomenon ever recoiling from the span of his calipers. This is experimental method as a downward spiral, a cycle of recursion where the base case is not knowledge, but death.

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Duhem, P., L’évolution de la mécanique, Paris, Librairie Philosophique J. Vrin, 1992.

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ISSN 1913-536X ÉPISTÉMOCRITIQUE (SubStance Inc.) VOL. XVIII


[1] The connections between Balzac and Bichat have been highlighted well by Anne Vila. Without unduly anticipating the argument here, her reading of Louis Lambert posits that the titular character in that text reflected a pathological inversion of Bichat’s organic/animal hierarchy to be destroyed at the conclusion of the text in a return to the normative. As Louis Lambert is closely linked to La peau de chagrin by story arc, including the philosophical works on human will undertaken by the main character in each text, Vila’s reading resonates here insofar as the unknowability contained within Bichat’s vitalist system reflects the argument proposed here that science in Balzac includes unknowability within its boundaries.

 

 

[2] This raises a secondary question – “what to make of this parody?” One possible response is that Balzac is admitting to his own shortcomings as a scientific author. While this seems reasonable, I believe that the better argument is that adopted by Thiher – that is, that Balzac viewed his attempts at scientific advancement through textuality better than anything that science could do in the early XIXth century. (“Only through successful competition with science, or so believed Balzac and a good many of his successors, could the novel justify its claims to offer access to reality in ways that might even be superior to scientific discourses with their claim to represent the totality of knowledge.” Thiher, 39, emphasis added.)

 

 

[3] In this respect, the skin’s efficacy sits in a space of limbo, like the famous thought experiment of Schrödinger’s cat.

 

 

[4] And perhaps, to the development of La Comédie humaine project in its scientific aims. Yet as already noted, it may equally be contended that Balzac viewed his own work as exempt from such hindrances.

 

 

[5] Foucault would deny the completeness of concepts like these, at least as a matter of a totalizing discursive strategy – “Il n’y a pas une taxinomie naturelle qui aurait été exacte, au fixisme près” (97).

 

 

[6] It should be recalled in this respect that in Balzac’s La recherche de l’absolu, Balthasar Claës dies immediately after reaching his εύρηκα moment.

 

 

[7] This image, it should be noted, is referenced elsewhere in La Peau de chagrin, when Raphaël finally decides to seek the counsel of the scientific community: “ Quoi ! s’écria Raphaël quand il fut seul, dans un siècle de lumières où nous avons appris que les diamants sont les cristaux du carbone, à une époque où tout s’explique, où la police traduirait un nouveau Messie devant les tribunaux et soumettrait ses miracles à l’Académie des Sciences, dans un temps où nous ne croyons plus qu’aux paraphes des notaires, je croirais, moi ! à une espèce de Mané, Thekel, Pharès ?” (La Peau, 230-31).

 

 

[8] It should be recalled, in this respect, that Balzac’s Avant-Propos de la Comédie Humaine promised a zoological classification of the members of contemporary human society.

 

 

 




Autores // Auteurs

Francisco González Fernández (Paris, 1964) est professeur titulaire de l’Université d’Oviedo, spécialiste de la littérature française moderne et contemporaine, en particulier les œuvres de Flaubert, Lautréamont, Artaud, Bonnefoy, Proust et Beckett. En 1999 il a publié l’essai intitulé La scène originaire de Madame Bovary et, en 2006, l’étude Literatura francesa del siglo XX. Collaborateur régulier d’Universomedia du Festival de cinéma de Gijón, il a écrit plusieurs travaux sur la philosophie et le cinéma. Egalement traducteur, il vient de publier en castillan Histoire du roi de Bohème de Charles Nodier (2016), un libre-objet d’avant-garde jusqu’ici inédit en Espagne. Membre de l’équipe de recherche ILICIA, c’est à l’étude de la convergence entre l’art et la science qu’il consacre la majeure partie de ses recherches, lesquelles se sont matérialisées par l’ouvrage Esperando a Gödel. Literatura y matemáticas (1912), où il brosse une histoire de la littérature universelle à la lumière des mathématiques, et un prochain essai sur l’impact de l’œuvre scientifique d’Henri Poincaré sur la littérature et les arts plastiques du xxe siècle. 

 

Francisco González Fernández (París, 1964) es Profesor Titular de la Universidad de Oviedo, especialista en literatura francesa moderna y contemporánea, en particular en la obra de Flaubert, Lautréamont, Artaud, Bonnefoy, Proust y Beckett. En 1999 publicó el ensayo La escena originaria de Madame Bovary y en 2006 el estudio Literatura francesa del siglo XX. Ha sido colaborador habitual de Universomedia del Festival de Cine de Gijón, y ha escrito varios trabajos sobre filosofía y cine. Es también traductor y acaba de publicar la edición de la Historia del rey de Bohemia de Charles Nodier (2016), un libro-objeto vanguardista hasta entonces inédito en España. Miembro del equipo investigador ILICIA, es al estudio de la convergencia del arte y de la ciencia a lo que dedica la mayor parte de su investigación; fruto de esta labor es el libro Esperando a Gödel. Literatura y matemáticas (1912), en el que realizó una historia de la literatura universal a la luz de las matemáticas, y un próximo ensayo sobre el impacto de la obra científica de Henri Poincaré sobre la literatura y las artes plásticas del siglo XX. 

 

Amelia Gamoneda Lanza (León, 1961) est professeure de littérature française contemporaine et actuelle à l’Université de Salamanque. Elle a publié plusieurs essais autour de la littérature narrative française : Marguerite Duras. La textura del deseo (1995) et Merodeos. Narrativa francesa actual (2007), ainsi que des études plus brèves. Dans le domaine des relations entre littérature et science à partir de perspectives épistémologiques et épistémocritiques, elle a signé le livre Del animal poema. Olvido García-Valdés y la poética de lo vivo (2016), publié les ouvrages collectifs Espectro de la analogía. Literatura y ciencia (2015) et Inscriptions littéraires de la science (2017), ainsi que les monographies Revista de Occidente. Metáfora y ciencia (2016) et El Cuaderno. Literatura inervada por la ciencia (2017). Elle a exercé comme critique littéraire pour Revista de Libros pendant plus de dix ans. Traductrice de poésie, romans et essais français, elle dirige le Groupe de recherche reconnu ILICIA. Inscripciones literarias de la ciencia (USAL) et les projets de recherche qui en dérivent.

 

Amelia Gamoneda Lanza (León, 1961) es profesora de Literatura Francesa contemporánea y actual en la Universidad de Salamanca. En el ámbito del estudio de la narrativa francesa ha publicado los volúmenes Marguerite Duras. La textura del deseo (1995) y Merodeos. Narrativa francesa actual (2007) y estudios más breves sobre . En el campo de la relaciones entre literatura y ciencia desde perspectivas epistemológicas y epistemocríticas, es autora del libro Del animal poema. Olvido García-Valdés y la poética de lo vivo (2016), ha editado los volúmenes colectivos Espectro de la analogía. Literatura y ciencia (2015) e Inscriptions littéraires de la science (2017), así como los monográficos Revista de Occidente. Metáfora y ciencia (2016) y El Cuaderno. Literatura inervada por la ciencia (2017). Ha ejercido como crítica literaria para Revista de Libros durante más de una década. Es traductora de poesía, novela y ensayo francés. Dirige el Grupo de Investigación Reconocido ILICIA. Inscripciones literarias de la ciencia (USAL) y los proyectos de investigación derivados del mismo.

 

 

Benito García-Valero est docteur en études littéraires de l’Université d’Alicante, avec une thèse sur le réalisme magique au Japon. Il a effectué plusieurs séjours de recherche à l’Université de Sheffield et à l’Université d’Osaka. Il étudie actuellement les relations entre la littérature et la science, et les différents genres de fantastique. Ses dernières publications à souligner ont été La magia cuántica de Haruki Murakami. Las novelas del autor y la ciencia: ficción, era digital y física cuántica (Editorial Verbum, 2015) et « La realidad y los realismos desde la física cuántica: la posibilidad de un realismo cuántico », pour la revue Signa (2016). Il fait partie du G.I.R. ILICIA.

 

Benito García-Valero es doctor en Estudios Literarios por la Universidad de Alicante con una tesis sobre realismo mágico en Japón. Ha realizado estancias de investigación en la Universidad de Sheffield y en la Universidad de Osaka. Actualmente investiga sobre las relaciones entre literatura y ciencia y los géneros de lo fantástico. Sus últimas publicaciones de interés han sido La magia cuántica de Haruki Murakami. Las novelas del autor y la ciencia: ficción, era digital y física cuántica (Editorial Verbum, 2015) y «La realidad y los realismos desde la física cuántica: la posibilidad de un realismo cuántico», en la revista Signa (2016). Pertenece al G.I.R. ILICIA.

 

Candela Salgado Ivanich est diplômée en études françaises et elle a suivi un master de Littérature Espagnole et Hispano-américaine, Théorie de la Littérature et Littérature Comparée à l’Université de Salamanque. Elle occupe actuellement le poste de lectrice d’espagnol à l’Université Paris 13 et prépare une thèse de doctorat à cheval entre poésie et sciences cognitives. Elle fait partie du G.I.R. ILICIA.

 

Candela Salgado Ivanich es Graduada en Estudios Franceses y ha cursado un Máster de Literatura Española e Hispanoamericana, Teoría de la Literatura y Literatura Comparada en la Universidad de Salamanca. Actualmente ocupa el puesto de lectora de español en la Universidad de París 13 mientras realiza una Tesis de Doctorado a caballo entre poesía y ciencias cognitivas. Pertenece al G.I.R. ILICIA.

 

 

Javier Moreno (Murcie, 1972) a étudié les mathématiques, la théorie de la littérature et la littérature comparée. Il est l’auteur des romans Click (Candaya, 2008), Alma (Lengua de Trapo, 2011), 2020 (Lengua de Trapo, 2013), Acontecimiento (Salto de página, 2015) et des recueils de nouvelles Atractores extraños (InÉditor, 2009) et Un paseo por la desgracia ajena (Salto de Página, 2017). Il a publié des recueils de poésie : Cortes publicitarios (lauréat du Prix national de poésie Fondation culturelle Miguel Hernández, éd. Devenir, 2006), Acabado en diamante (La Garúa, 2009), Renacimiento (Icaria, 2009), Cadenas de búsqueda (El Desvelo, 2012) et La imagen y su semejanza (La Garúa, 2015). Il est également l’auteur des pièces de théâtre La balsa de Medusa et Sala de juegos.

 

Javier Moreno (Murcia, 1972) ha cursado estudios de Matemáticas y de Teoría de la literatura y literatura comparada. Es autor de las novelas Click (Candaya, 2008), Alma (Lengua de Trapo, 2011), 2020 (Lengua de Trapo, 2013), Acontecimiento (Salto de página, 2015) y de los libros de relatos Atractores extraños (InÉditor, 2009) y Un paseo por la desgracia ajena (Salto de Página, 2017). Ha publicado los libros de poesía Cortes publicitarios (galardonado con el Premio Nacional de Poesía Fundación Cultural Miguel Hernández, ed. Devenir, 2006), Acabado en diamante (La Garúa, 2009), Renacimiento (Icaria, 2009), Cadenas de búsqueda (El Desvelo, 2012) y La imagen y su semejanza (La Garúa, 2015). Es autor asimismo de las obras de teatro La balsa de Medusa y Sala de juegos.

 

 

Víctor Bermúdez (Mexicali, 1986) est titulaire d’un doctorat en théorie littéraire (Université de Salamanque, Prix extraordinaire, 2016). Chercheur post-doctorat au sein du programme Mestizajes (Donostia International Physics Center). Il s’intéresse aux processus de la pensée poétique et aux relations entre science et littérature, en particulier dans le domaine francophone et hispanophone. Il étudie la valeur cognitive et épistémologique du discours poétique. Il a publié la thèse Ciencia y modulación del pensamiento poético: percepción, emoción y metáfora en la escritura de Lorand Gaspar (2017). Il a coédité les œuvres collectives Inscriptions littéraires de la science (2017) avec Amelia Gamoneda et #Nodos (2017) avec Gustavo Schwartz. Il a fait plusieurs séjours de recherche à l’Université Sorbonne Nouvelle et à l’Université du Québec à Montréal. Dans le domaine de la traduction littéraire, il a fait des incursions dans l’œuvre de Lorand Gaspar, Bernard Noël, Heather Dohollau et Amina Saïd. Il fait partie du G.I.R. ILICIA.

 

Víctor Bermúdez (Mexicali, 1986) es Doctor en Teoría literaria (Universidad de Salamanca, Premio Extraordinario, 2016). Investigador postdoctoral en el programa Mestizajes (Donostia International Physics Center). Se interesa por los procesos del pensamiento poético y por las relaciones entre ciencia y literatura, particularmente en ámbito francófono e hispano. Estudia el valor cognitivo y epistemológico del discurso poético. Ha publicado la tesis Ciencia y modulación del pensamiento poético: percepción, emoción y metáfora en la escritura de Lorand Gaspar (2017). Ha coeditado las obras colectivas Inscriptions littéraires de la science (2017) con Amelia Gamoneda y #Nodos (2017) con Gustavo Schwartz. Ha realizado estancias de investigación en la Université Sorbonne Nouvelle y en la Université du Québec à Montréal. En el campo de la traducción literaria ha incursionado en la obra Lorand Gaspar, Bernard Noël, Heather Dohollau y Amina Saïd. Pertenece al G.I.R. ILICIA.

 

 

Germán Sierra Paredes (La Corogne, 1960) est docteur en médecine, Professeur de Biochimie et de Biologie Moléculaire à l’Université de Saint-Jacques de Compostelle et chercheur en neurosciences. Auteur des romans El espacio aparentemente perdido (Debate, 1996), La felicidad no da el dinero (Debate, 1999), Efectos secundarios (Debate, 2000 ; Prix Jaén de roman), Intente usar otras palabras (Mondadori, 2009) et Standards (Pálido Fuego, 2013), ainsi que du recueil de nouvelles Alto voltaje (Mondadori, 2004). Son prochain roman, intitulé The Artifact et écrit en anglais, sera publié en 2018 aux USA par Inside the Castle.

 

Germán Sierra Paredes (La Coruña, 1960) es Doctor en Medicina, Profesor de Bioquímica y Biología Molecular en la Universidad de Santiago de Compostela e investigador en Neurociencia.  Autor de las novelas El espacio aparentemente perdido (Debate, 1996), La felicidad no da el dinero (Debate, 1999), Efectos secundarios (Debate, 2000; Premio Jaén de novela), Intente usar otras palabras (Mondadori, 2009) y Standards (Pálido Fuego, 2013), así como de la colección de relatos Alto voltaje (Mondadori, 2004). Su próxima novela The Artifact, escrita en inglés, será publicada en 2018 en los EEUU por Inside the Castle.

 

 

Antonio Ortega (Madrid, 1962). Licencié en philosophie et lettres (Spécialité Philologie Hispanique) de l’Université autonome de Madrid. Il travaille comme bibliothécaire à la Bibliothèque centrale de l’UNED (Université Nationale d’Enseignement à Distance). Il a été sous-directeur de l’École de lettres de Madrid, et exerce actuellement comme professeur de Fonction du langage au Centre de littérature appliquée de Madrid. Critique littéraire du supplément « Babelia » du quotidien El País, il a également fondé la revue El Crítico, a été membre du conseil de rédaction de la revue El Urogallo et critique littéraire pour diverses publications et journaux, dont Ínsula et ABC Cultural. Il est l’auteur de l’anthologie poétique La prueba del nueve (Cátedra, 1995) et du recueil de poèmes Arenario (KRK, 1998). Il a participé à plusieurs séminaires, congrès et présentations, et collaboré à différents volumes collectifs sur les œuvres, entre autres, d’Antonio Gamoneda, José Hierro, Luis Feria, José-Miguel Ullán ou Ildefonso Rodríguez.

 

Antonio Ortega (Madrid, 1962). Licenciado en Filosofía y Letras (Especialidad Filología Hispánica) por la Universidad Autónoma de Madrid. Trabaja como bibliotecario en la Biblioteca Central de la UNED (Universidad Nacional de Educación a Distancia). Fue subdirector de la Escuela De Letras de Madrid, y en la actualidad profesor de Función Lenguaje: Centro de Literatura Aplicada de Madrid. Es crítico literario del suplemento «Babelia», del diario El País. Fue cofundador de la revista El Crítico, ha sido miembro del consejo de redacción de la revista El Urogallo y crítico literario en diversas publicaciones y diarios, entre ellos de Ínsula y ABC Cultural. Es autor de la antología poética La prueba del nueve (Cátedra, 1995) y del libro de poemas Arenario (KRK, 1998). Ha participado en diversos seminarios, congresos y presentaciones, y colaborado en diferentes volúmenes colectivos sobre las obras, entre otros, de Antonio Gamoneda, José Hierro, Luis Feria, José-Miguel Ullán o Ildefonso Rodríguez.

 

 

Mauricio Cheguhem Riani est titulaire d’un master en Littérature Espagnole et Hispano-américaine de l’Université de Salamanque et d’une licence de Sciences Humaines de l’Université de Montevideo. Il a fait des recherches sur la littérature hispano-américaine et l’esthétique, sous les titres suivants : « Raros y errabundos en la generación de la vanguardia » ; «Julio Inverso : poética del acontecimiento » et « Convergencias entre mística y ciencia en Cántico cósmico de Ernesto Cardenal ». Ses thèmes de recherche favoris concilient l’esthétique ainsi que les relations entre littérature, science et géopoétique. Il enseigne actuellement la littérature à la Faculté de communication de l’Université de Montevideo. Il fait partie du G.I.R. ILICIA.

 

Mauricio Cheguhem Riani es Magíster en Literatura Española e Hispanoamericana por la Universidad de Salamanca y Licenciado en Humanidades por la Universidad de Montevideo. Ha realizado investigaciones sobre literatura hispanoamericana y estética con los siguientes títulos: «Raros y errabundos en la generación de la vanguardia»; «Julio Inverso: poética del acontecimiento» y «Convergencias entre mística y ciencia en Cántico cósmico de Ernesto Cardenal». Sus intereses investigadores concilian estética, relaciones entre literatura y ciencia y geopoética. Actualmente es docente de Literatura en la Facultad de Comunicación de la Universidad de Montevideo. Pertenece al G.I.R. ILICIA.

 

 

Borja Mozo Martín est doctorant en Littérature Comparée (Université de Poitiers/Université Complutense de Madrid). Ses recherches portent sur les modalités d’inscription de l’économie monétaire dans la littérature narrative espagnole et française de l’extrême contemporain. Il occupe actuellement le poste de lecteur d’espagnol (programme MAEC-AECID) à l’Université de Bucarest.

 

Borja Mozo Martín es estudiante de doctorado en Literatura Comparada (Université de Poitiers/Universidad Complutense de Madrid). Su labor investigadora se centra en las modalidades de inscripción de la economía monetaria en la narrativa española y francesa actual. Compagina sus estudios con la docencia como lector MAEC-AECID en la Universidad de Bucarest.

 

 

Raúl Ibáñez Torres. Professeur titulaire de Géométrie de l’Université du Pays Basque. Sa recherche est axée sur la géométrie symplectique et la culture mathématique. Il a participé à 29 projets de recherche, dont 9 en qualité de chercheur principal. Il totalise 23 articles de recherche dans des revues internationales. Directeur du portail DivulgaMAT, Centre virtuel de vulgarisation des mathématiques, il est aussi scénariste et présentateur de l’espace « Una de Mates » de l’émission télévisée (diffusée sur La 2), « Órbita Laika » (2014, 2015). Collaborateur habituel de l’émission « Graffiti » de Radio Euskadi (2005-2013) et de « La mecánica del caracol » (2013-). Commissaire de plusieurs expositions. Auteur des ouvrages La cuarta dimensión, El sueño del mapa perfecto et Las matemáticas de los juegos (2010 et 2015) de la collection « El mundo es matemático », éditée par RBA. Auteur du livre Arthur Cayley (2017), de la collection Genios de las Matemáticas, RBA. V Prix José María Savirón de vulgarisation scientifique (modalité nationale) en 2010. Prix COSCE à la diffusion scientifique 2011. Il fait partie du G.I.R. ILICIA.

 

Raúl Ibáñez Torres. Profesor Titular de Geometría de la Universidad del País Vasco. Su investigación se centra en la Geometría Simpléctica y en la Cultura Matemática. Ha participado en 29 proyectos de investigación, en 9 de ellos como investigador principal. Cuenta con 23 artículos de investigación en revistas internacionales. Director del portal DivulgaMAT, Centro Virtual de Divulgación de las Matemáticas. Guionista y presentador del espacio «Una de Mates» del programa de TV (emitido en La 2), Órbita Laika (2014, 2015). Colaborador habitual del Programa «Graffiti» en Radio Euskadi (2005-2013) y «La mecánica del caracol» (2013-). Comisario de varias exposiciones. Autor de los libros La cuarta dimensión, El sueño del mapa perfecto y Las matemáticas de los juegos (2010 y 2015) de la colección «El mundo es matemático», editorial RBA. Autor del libro Arthur Cayley (2017), de la colección Genios de las Matemáticas, RBA. V Premio José María Savirón de Divulgación Científica (modalidad nacional) en 2010. Premio COSCE a la Difusión de la Ciencia 2011. Pertenece al G.I

 

ISSN 1913-536X ÉPISTÉMOCRITIQUE (SubStance Inc.) VOL. XVI

 

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Cadavres postiches et mécanique des savoirs dans Bouvard et Pécuchet

 
Bouvard […] crut se rappeler que l’on fabriquait à l’usage des pays chauds des cadavres postiches.
Barberou, auquel il écrivit, lui donna là-dessus des renseignements. – Pour dix francs par mois, on pouvait avoir un des bonshommes de M. Auzoux – et la semaine suivante, le messager de Falaise déposa devant leur grille une caisse oblongue.
Ils la transportèrent dans le fournil, pleins d’émotion. Quand les planches furent déclouées, la paille tomba, les papiers de soie glissèrent, le mannequin apparut.
Il était de couleur de brique, sans chevelure, sans peau, avec d’innombrables filets bleus, rouges et blancs le bariolant. Cela ne ressemblait point à un cadavre, mais à une espèce de joujou, fort vilain, très propre et qui sentait le vernis.
Puis ils enlevèrent le thorax ; et ils aperçurent les deux poumons pareils à deux éponges, le cœur tel qu’un gros œuf, un peu de côté, par derrière, le diaphragme, les reins, tout le paquet des entrailles.
— « A la besogne ! » dit Pécuchet.
La journée et le soir y passèrent.
Ils avaient mis des blouses, comme font les carabins dans les amphithéâtres, et à la lueur de trois chandelles, ils travaillaient leurs morceaux de carton […]
[T]out le village croyait maintenant qu’ils recélaient dans leur maison un véritable mort. Foureau, cédant à la rumeur publique, venait s’assurer du fait. Des curieux se tenaient dans la cour.
Le mannequin, quand il entra, reposait sur le flanc ; et les muscles de la face étant décrochés, l’œil faisait une saillie monstrueuse, avait quelque chose d’effrayant.[1]
 
 
Bouvard et Pécuchet nous conte l’histoire de deux compères qui, las de leur métier de copistes, décident de se cultiver. Leur soif de connaissance et l’accumulation de savoirs de tous ordres retracent l’histoire de la circulation des savoirs, leur voyage au pays de la connaissance témoignant de l’accessibilité du savoir dans le second XIXe siècle. En effet, c’est dans la deuxième moitié du siècle que la vulgarisation scientifique bat son plein, scientifiques et vulgarisateurs professionnels rivalisant d’ingéniosité pour s’attirer le public et faire fortune. Aux ouvrages diffusés en larges exemplaires s’ajoutent les conférences grand public, et les musées, qui ouvrent leurs portes depuis près d’un demi-siècle pour offrir au peuple les secrets de la nature que seuls les savants savent lire, font foisonner les modèles en tout genre[2]. Les sciences se mettent en scène comme elle se mettent en récit, une mise en culture que Bouvard et Pécuchet nous font partager à chaque nouvelle discipline qu’ils découvrent, à chaque livre qu’ils reçoivent, à chaque objet qu’ils empruntent ou achètent. Il n’est donc pas innocent que dans le monde décrit par Flaubert où les sciences s’exposent et se vendent, le parcours de Bouvard et Pécuchet soit également un voyage économique, où l’on suivra les deux comparses de la richesse à la ruine. Car en exposant le savoir, un savoir qui s’échange pour un sou, les collections de livres ou d’objets qui s’amassent chez Bouvard et Pécuchet le réifient du même coup, faisant entrer la connaissance dans le monde capitaliste où tout circule, s’échange et se monnaye. C’est bien le constat que feront les deux commis de Flaubert, ruinés, et finalement pas plus certains de savoir lire le monde à la fin qu’au début du roman.
 
 
Cet article se propose de retracer à son tour le portrait des savoirs et de leur diffusion, que Flaubert présente dans Bouvard et Pécuchet à partirdu « cadavre postiche » que les deux bonshommes manipulent au début du roman. Car si le père de Gustave Flaubert, Achille Cléophas Flaubert, était chirurgien chef de l’Hôtel Dieu de Rouen, une grande partie de l’histoire de la médecine du XIXe siècle s’impose tout au long de Bouvard et Pécuchet, tandis que les deux commis se lancent dans leur interminable quête, assoiffés d’un savoir qui les dépasse et qu’ils ne maîtriseront jamais. Le portrait du Professeur Larivière dans Madame Bovary, « sorti du tablier de Bichat », cède la place aux deux copistes qui s’improviseront tour à tour anatomistes, physiologistes, médecins, obstétriciens ou phrénologistes, proposant du même coup un parcours historique au cœur de l’histoire de la médecine, faisant osciller savoirs orthodoxes et hétérodoxes et mêlant représentations savantes et profanes du corps humain. En outre, le passage par l’anatomie permet à Flaubert d’ouvrir le roman sur la question de l’Homme et de ses origines, qui fait alors l’objet de nombreuses recherches et expérimentations, permettant l’émergence de nouvelles disciplines scientifiques. L’on se souvient de Diderot préconisant les vivisections humaines au nom de la recherche médicale[3], ou encore de William Hunter, le célèbre obstétricien du XVIIIe siècle, pour qui la pratique de l’anatomie demande une « inhumanité nécessaire »[4]. Mais cette « inhumanité » va susciter de plus en plus de débats sur la médecine et son usage du corps humain – ou plutôt du cadavre – au XIXe siècle, période, s’il en est, où l’on tente de resituer l’Homme dans l’ordre du vivant, des sciences médicales à la géologie et à la paléontologie.
 
Ainsi, autour du « cadavre » que les deux hommes détiennent, peut-être en toute illégalité, comme le suggère M. Foureau, vont se greffer nombre de discours sur les sciences qui émaillent le roman. Image d’une science médicale qui se professionnalise, alors que les champs disciplinaires se séparent, image aussi des tensions qui apparaissent entre un savoir médical que sa spécialisation rend abscond et une volonté de diffusion – voire de commercialisation – de ce savoir, le « cadavre postiche », dans un parallèle troublant, revisite sur le mode comique le corps humain qui échappe au savoir lorsqu’il fuit dans la mort et se putréfie. Reconstitué par la science médicale en carton-pâte, il propose une mise en image frappante de la fuite de savoirs qui semblaient, pourtant, à la portée des deux hommes : s’ils paraissent accessibles, vulgarisés ou commercialisés, leur présence obsessionnelle ne révèle finalement que leur inaccessibilité, comme en feront les frais Bouvard et Pécuchet après de multiples expériences. En analysant comment les savoirs s’agencent tout au long du roman à partir de l’exemple du mannequin anatomique que les deux bonhommes achètent, reçoivent et manipulent, nous montrerons donc comment Flaubert se sert de la science médicale et de sa construction du corps humain pour démonter les mécanismes de l’ensemble des savoirs, d’une part, et comment ce discours permet à l’auteur, d’autre part, de mettre à nu un discours littéraire fondé sur des stéréotypes, notamment physiologiques, et qui participent, à l’image du mannequin, de la constitution d’un réel artificiel. Par conséquent, à partir de l’exemple d’un modèle anatomique humain, nous soulignerons comment Flaubert soulève la question d’une représentation réaliste dans un monde où l’artifice et le faux viennent rythmer des mises en scène spectaculaires.
 
 
Montage, démontage, remontage : anatomie d’un modèle réduit
 
 
Tout au long du roman, le feu d’artifices de savoirs qui éblouissent ou déconcertent les deux comparses permet à Flaubert de faire le point sur les connaissances de son époque, évaluant ou confrontant les savoirs ou points de vue. Si les critiques de l’époque se demandent ce que Flaubert condamne – « La science ou les gens qui ne savent pas l’appliquer ? »[5] – en mettant en regard les savoirs et leurs contradictions, force est de constater qu’une des critiques de Flaubert porte surtout sur la vulgarisation, la diffusion des savoirs qui met à la portée de tout un chacun un savoir sans notice et qui mènera les deux compères à commettre nombre d’erreurs d’interprétation ou d’application des savoirs. Le roman s’ouvre sur Bouvard et Pécuchet allant voir les collections publiques et s’achève sur leur éducation des deux orphelins, les méthodes pédagogiques qu’ils expérimentent auprès de leur jeune public ressemblant de près à toutes celles qu’ils nous ont fait partager tout au long du roman. En effet, l’image des sciences que l’on découvre et assimile sans effort et d’une façon ludique – démarche pédagogique qui sous-tend, par exemple le Magasin d’Education et de Récréation crééen 1864 par Pierre-Jules Hetzel et Jean Macé – transparaît à chaque expérience, de la fabrication de jouets aux « jeux instructifs » (372) et conversations, à la mode au XVIIIe siècle, en passant par les promenades scientifiques, plus modernes, où l’on observe les deux bonshommes, herborisant, inventer des noms de fleurs au fil de leur voyage à travers la campagne. Fichée au milieu de leur muséum, la salle de classe où les enfants apprennent à lire et à compter est décorée par de nombreuses images qui doivent « frapper [l’]imagination » (389), signant l’ère d’une pédagogie fondée sur le visuel. D’ailleurs, si les conseils qu’ils lisent en matière d’éducation littéraire suggèrent d’abandonner romans et contes de fées, Pécuchet cite néanmoins le pédagogue suisse Johann Heinrich Pestalozzi (1746–1827) dont la méthode était fondée sur l’importance des sens dans la diffusion des savoirs, et tout particulièrement du visuel. Cependant, si l’éducation des enfants passe par un apprentissage de la réalité et un entraînement à ne pas confondre le réel et l’imaginaire, Bouvard et Pécuchet vont faire l’expérience de cette science amusante qui se démocratise dans le second XIXe siècle et qui s’achète un peu partout dans les villes.
 
En effet, dès les premières pages du roman, les deux compères sont confrontés à des lieux de culture scientifique qui rivalisent avec les boutiques de bric-à-brac :
 
 
Ils flânaient le long des boutiques de bric-à-brac. Ils visitèrent le Conservatoire des Arts et Métiers, Saint-Denis, les Gobelins, les Invalides, et toutes les collections publiques. […] Dans les galeries du Muséum, ils passèrent avec ébahissement devant les quadrupèdes empaillés, avec plaisir devant les papillons, avec indifférence devant les métaux ; les fossiles les firent rêver, la conchyliologie les ennuya. Ils examinèrent les serres chaudes par les vitres, et frémirent en songeant que tous ces feuillages distillaient des poisons. Ce qu’ils admirèrent du cèdre, c’est qu’on l’eut rapporté dans un chapeau. (61)
 
 
Le plaisir, la surprise, le fantasme ou la peur participent de l’aventure au pays des savoirs : il s’agit d’attirer l’attention ou le regard en faisant réagir physiquement le visiteur. L’allusion au chapeau nous permet de poursuivre notre entrée dans le monde de la vulgarisation scientifique. L’anecdote rattachée au végétal met en lumière l’importance de la mise en récit – et c’est bien ce que les deux comparses retiennent ici. L’univers de la vulgarisation scientifique est, en effet, au cœur du récit, Bouvard et Pécuchet s’appropriant les moyens mnémotechniques pour apprendre en s’amusant, transformant les mots en images et donnant au visuel une place de choix dans la construction du réel :
 
 
Allévy transforme les chiffres en figures, le nombre 1 s’exprimant par une tour, 2 par un oiseau, 3 par un chameau, ainsi du reste. Pâris frappe l’imagination au moyen de rébus ; un fauteuil garni de clous à vis donnera : Clou, vis = Clovis ; et comme le bruit de la friture fait ‘ric, ric’ des merlans dans une poêle rappelleront Chilpéric. Feinaigle divise l’univers en maisons, qui contiennent des chambres, ayant chacune quatre parois à neuf panneaux, chaque panneau portant un emblème. Donc, le premier roi de la première dynastie occupera dans la première chambre le premier panneau. Un phare sur un mont dira comment il s’appelait ‘Phar à mond’ système Pâris – et d’après le conseil d’Allévy, en plaçant au-dessus un miroir qui signifie 4, un oiseau 2, et un cerceau 0, on obtiendra 420, date de l’avènement de ce prince.
Pour plus de clarté, ils prirent comme base mnémotechnique leur propre maison, leur domicile, attachant à chacune de ses parties un fait distinct ; – et la cour, le jardin, les environs, tout le pays, n’avait plus d’autre sens que de faciliter la mémoire. Les bornages dans la campagne limitaient certaines époques, les pommiers étaient des arbres généalogiques, les buissons des batailles, le monde devenait symbole. Ils cherchaient sur les murs, des quantités de choses absentes, finissaient par les voir, mais ne savaient plus les dates qu’elles représentaient. (189–190)
 
 
Ainsi, leur univers se transforme en un gigantesque texte à lire : alors que les modèles en trois dimensions envahissent leur muséum, le monde des deux hommes se voit réduit à un univers en deux dimensions qu’ils doivent déchiffrer, un phénomène qui relie de plus en plus la vulgarisation scientifique au mode romanesque et qui va permettre à Flaubert de greffer un discours sur la mimésis, comme nous le verrons. Or l’initiation à l’anatomie de Bouvard et Pécuchet incarne à merveille cet aspect du roman, se présentant comme un emblème de l’anatomie des sciences que propose Flaubert, des sciences démontables et littéralement mises en pièces.
 
Sans doute parce que l’histoire du corps est autant scientifique qu’artistique, la mécanique flaubertienne s’amorce d’une façon caractéristique en partie avec la mécanique du corps – un corps démontable, pris dans la gangue d’une vision mécaniciste, qui utilise la métaphore de la machine et des pièces amovibles pour mieux diffuser le savoir. Avant de se tourner vers la métaphysique et rejeter toute forme matérielle, à commencer par leur propre muséum, les deux hommes découvrent avidement un savoir matérialiste à souhait : Bouvard revient plusieurs fois au cours de son éducation à La Mettrie, la célèbre métaphore du mécanisme d’horlogerie rappelant la scène de leur apprentissage en anatomie, centrée sur la figure de l’homme mécanique, un assemblage de pièces amovibles.Dès les premières pages, le roman s’inscrit sous le signe du médical. L’action se déroule au début au milieu des « miasmes d’égout » et des eaux et fumées toxiques (53), Bouvard et Pécuchet se préoccupant de leurs corps, des épices susceptibles d’« incendier le corps » (53) aux « labeurs de la digestion » (58) qui incitent Pécuchet à ôter sa flanelle. La communication et l’entente entre les deux hommes se décline également sur le mode médical lorsque la nouvelle de l’héritage de Bouvard provoque un malaise chez ce dernier ou une « maladie bilieuse » (65). On voit alors la centralité du corps dans le texte flaubertien, une centralité confirmée par l’éducation des deux hommes en anatomie, physiologie et médecine, trois champs qui contribuèrent à définir l’homme comme un assemblage de pièces amovibles. En effet, le corps qui apparaît dans la littérature et les arts dans les décennies qui suivent l’essor de la pratique des dissections humaines est un corps construit par le savoir anatomique, les « stratégies épistémologiques » liées à la dissection ayant « stabilisé un regard spécifique sur le corps »[6]. Il y a donc un véritable voyage, une exportation du discours anatomique qui va servir à définir le monde – et l’humain. L’anatomie fait partie d’un vaste projet culturel, devenant la métaphore d’un monde à la recherche de ses secrets, de cette « vérité » dissimulée « sous les dehors immédiatement visibles des choses »[7], et basculant aisément de son sens propre à un sens figuré dès le XVIIe siècle et jusqu’au XIXe siècle, comme le démontre Bouvard et Pécuchet. Car c’est justement ce regard sur le corps qui lie d’amitié les deux hommes dès leur rencontre et amorce leur glorification des sciences, leur regard sur la réalité s’inspirant fortement d’une lecture anatomo-clinique du corps humain, comme lorsqu’ils observent une fille de joie, « [b]lême […] et marquée par la petite vérole » (53), ou lorsqu’ils multiplient les discours stéréotypés sur le corps. Il n’est donc pas surprenant que plus tard, l’on retrouve pêle-mêle chez eux modèles anatomiques et machine à démontrer l’art des accouchements de Mme du Coudray, sage-femme.
 
Cependant, le mannequin anatomique du Dr Auzoux qu’ils louent un temps, icône de la constitution du savoir à partir de modèles – un mode de diffusion de la science particulièrement prégnant dans le second XIXe siècle, même si les modèles anatomiques sont des outils de recherche et d’apprentissage du corps médical depuis le XVIIe siècle – signe le passage de l’outil pédagogique dans le monde de la vulgarisation scientifique. C’est notamment en mettant en lumière la façon dont le savoir anatomique se construit et se diffuse à travers les sens que Flaubert s’amuse à mettre en pièces la dissémination d’un savoir que les deux hommes ne parviennent pas à s’approprier.
 
 
Apprentis Frankenstein : les Guignols du théâtre anatomique
 
 
La connaissance anatomique repose fortement sur les sens : il s’agit de toucher les tissus et textures, d’apprécier les couleurs ou les formes, et même de sentir les chairs qui se disloquent sous l’effet de la putréfaction[8]. Mais le modèle anatomique change les règles du jeu. Il illustre d’abord le passage du savoir anatomique dans le domaine éducatif. En effet, si l’art s’empare de l’anatomie à la Renaissance pour esthétiser son iconographie, l’apparition de modèles en trois dimensions métamorphose sa diffusion en dépassant le cadre d’une communication entre savants. Voué à remplacer l’utilisation de cadavres pour les dissections et l’entraînement des étudiants en médecine, le mannequin anatomique met en lumière une science qui tente de représenter le vivant en brouillant les frontières entre réel et artificiel. La mise en scène dans Bouvard et Pécuchet est à cet égard bien caractéristique. C’est tout d’abord un véritable décor médical qui donne aux deux hommes l’envie de découvrir l’anatomie. Chez le docteur Vaucorbeil, ancien amateur de dissection, diachylum, bandes, boîte chirurgicale, sondes et écorché accueillent les deux hommes lorsqu’ils entrent dans le cabinet. Cependant, le recueil de planches anatomiques que Vaucorbeil tire de sa bibliothèque et prête aux deux comparses, ajouté au manuel d’Ernest-Alexandre Lauth (Nouveau manuel de l’anatomiste, comprenant la description succincte de toutes les parties du corps humain et la manière de les préparer, suivie de préceptes sur la confection des pièces de cabinet et sur leur conservation [1835]), déconcertent Bouvard et Pécuchet. Parce qu’ils ne voient pas suffisamment (les ligaments cachent les articulations ; « les insertions [ne sont] pas commodes à découvrir » [118]), Bouvard et Pécuchet commandent alors un mannequin anatomique disponible pour dix francs par mois à la location. Image d’un savoir qui circule (à l’instar des cours itinérants de Mme du Coudray, qui apparaissent plus tard), d’une science commerciale et d’une science qui promet de révéler les secrets cachés dans les profondeurs du corps, le modèle anatomique propose une vérité nue – une vérité à voir, sans peau ni chevelure. Le cadavre est d’ailleurs littéralement dénudé lorsque les deux hommes ouvrent la caisse, le mannequin apparaissant sous des couches de matières qui tombent ou glissent, comme par magie, de même que les organes pourront être soulevés pour que le regard ait accès aux profondeurs insondables du corps.
 
En outre, la mise en scène joue sur les émotions, de celle qui saisit Bouvard et Pécuchet à la découverte du modèle au « vertige » (121) qui les prend lorsqu’ils démontent complètement le cadavre : la révélation se fait sensationnelle. Il s’agit bien ici de marier science et théâtralisation. Le mannequin n’est que trucage, imitation du corps humain « à l’usage des pays chauds » (119), permettant de disséquer à toute heure et période, sans être gêné par les chairs en décomposition et les odeurs nauséabondes. Autant le jeu d’acteurs que l’accessoire sont d’un réalisme troublant, à en croire la rumeur qui prend l’objet pour un cadavre ou M. Foureau qui se demande si la législation les autorise à détenir l’objet, à l’apparence si proche de celle du corps humain (même si le docteur le trouve « trop éloigné de la nature » [120]). Le brouillage du réel et de l’artificiel présente ainsi une science médicale fondée sur l’illusion. Vêtus de blouses, Bouvard et Pécuchet, travaillant « leurs morceaux de carton » (119), nous proposent une pâle imitation du Dr. Frankenstein « à la lueur de trois chandelles », une mise en scène qui attire, d’ailleurs, un public en soif de « divertissement » (120). On voit ici comment Flaubert met en pièces les modes de diffusion scientifique, proposant une science sensationnelle, illustrée par un mannequin à l’œil exorbité, qui renvoie dans un reflet effrayant la pulsion scopique des amateurs d’anatomie et de sensations fortes qui se pressent à la porte, la science médicale promettant un nouveau réalisme comme sur les champs de foire où les metteurs en scène font leurs choux gras de spectacles macabres du corps en décomposition, anormal ou pathologique. Seul l’effet compte, à l’image de Bouvard et Pécuchet qui abandonnent un organe pour un autre une fois l’attrait de la nouveauté passé, comme ils glisseront d’un champ du savoir à un autre tout au long de leur épopée.
Si le jeu sur la mise en scène et l’affect montre l’importance de la sensation dans l’éducation au savoir, il démonte du même coup toute l’artificialité cachée derrière la vulgarisation scientifique. Cette mise à nu s’accélère, en outre, chaque fois que le roman met en regard des scènes d’apprentissage avec une réalité dénuée d’artifice où la chair remplace le carton. Des charognes dont Bouvard fume ses terres et qui infectent la campagne aux animaux qui subissent des expériences en tout genre lors de leur initiation à la physiologie, des images de corps souffrants ou en putréfaction viennent émailler le parcours des deux hommes au pays du savoir, bien loin du modèle propre et sentant le vernis d’Auzoux. D’une façon remarquable, la charogne de chien, qui s’agite sous l’action de la vermine grouillante, expose des membres desséchés, le rictus des babines bleuâtres rappelant les filets bleus bariolant le mannequin vernis et le buccinateur que Foureau soulève sur la table. De même, lorsqu’ils rendent visite aux pauvres, la description des malades s’inscrit en faux par rapport au cadavre postiche :
 
 
Au fond des chambres sur de sales matelas, reposaient des gens dont la figure pendait d’un côté, d’autres l’avaient bouffie et d’un rouge écarlate, ou couleur de citron, ou bien violette, avec les narines pincées, la bouche tremblante ; et des râles, des hoquets, des sueurs, des exhalaisons de cuir et de vieux fromage. (130)
 
 
On retrouve ici la figure de l’anatomiste aux sens en éveil : couleurs, sons, odeurs rythment la lecture de la pathologie, tandis que les corps paraissent tomber en pièces. Plus tard, les yeux énormes qui sortent de la tête du chat que Victor a jeté au feu font écho à la saillie monstrueuse de l’œil du mannequin, mais il ne s’agit cette fois-ci plus ni d’un jouet, ni d’un jeu.
 
C’est sans doute à travers ce jeu sur le morbide et le sensationnel qui va attirer les deux comparses vers certains savoirs et les contrastes entre mise en scène et réalité qu’il faut lire la formidable leçon de sciences que Flaubert propose. D’ailleurs, si le mannequin tend à représenter un corps d’une normalité déconcertante et qui finit par les lasser, les deux hommes passent ensuite à l’anatomie pathologique, attirés par les cas exceptionnels décrits dans le Dictionnaire des Sciences médicales, avant de trouver un jour de foire un bossu, de choisir un domestique hideux avec un bec-de-lièvre, ou de laisser « leur imagination travaill[er] » (130) pour inventer de nouvelles thérapeutiques.
 
 
Science et production en série : du moule au stéréotype
 
 
L’univers de la vulgarisation scientifique mène peu à peu les deux bonshommes à s’éloigner dans un monde de plus en plus façonné par l’imaginaire, un monde « rhétorique » (352) qui incite à une lecture à fleur de peau, même si les symptômes décrits dans les livres ne correspondent pas aux signes qu’ils peuvent lire à même le corps des patients. Cette image d’un monde médical qui transforme la réalité en texte à lire apparaît dès la scène de l’initiation à l’anatomie, où les deux savants fous se mettant en scène penchés sur leur modèle, tissent avec le mode romanesque des liens étroits. En fait, qu’ils imitent le Dr. Frankenstein ou qu’ils tentent de lire le cadavre à partir d’analogies, les deux comparses font foisonner des stéréotypes qui démontent à la fois la méthode scientifique et sa vulgarisation. À la lecture du mannequin, le brouillage de formes et de couleurs témoignant de leur propre confusion lorsqu’ils comparent le cœur à un « gros œuf » (119) ou la glande pinéale à un « petit pois rouge » (121), éloigne le modèle dans l’ordre du banal, faisant passer l’écorché de la salle de dissection à la cuisine. Le voyage participe, bien sûr, de la vulgarisation du savoir. Mais le langage stéréotypé renvoie également, dans un reflet subversif, la normalité que représente le mannequin, une normalité artificielle qui ne correspond pas à la réalité et qui transforme l’humain en automate.
 
En outre, le choix de Flaubert pour le modèle d’Auzoux est loin d’être innocent. Les écorchés d’Auzoux sont un exemple prégnant de fabrication en série à partir de moulages (moules à base de plomb) que le médecin lance à partir de 1828. Produit industriel, comparé à un jouet par les deux compères, le mannequin bascule du modèle anatomique à la poupée, image d’une production mécanique qui ne reproduit que du faux – un simulacre de cadavre destiné aux plus jeunes et qui vient faire écho au simulacre de tombeau fiché au milieu des légumes. Par ailleurs, la description des deux amateurs en plein démontage et remontage, « le menton baissé, l’abdomen en avant […], la tête dans les mains, avec [les] deux coudes sur la table » (121), crée une mise en abyme ironique, les deux personnages apparaissant eux-mêmes comme des personnages en pièces détachées offerts à la vue du lecteur. C’est bien ici que l’on aperçoit la technique flaubertienne, qui se sert du mannequin anatomique comme exemple caractéristique de ce qui se passe dans l’ensemble des champs du savoir : l’image du corps en pièces, d’un modèle réduit à une normalité artificielle, comme le mannequin le suggère, est également celle qui vient frapper les personnages, sommes de stéréotypes, de codes qui définissent l’humain et que Flaubert met à nu. Il n’est donc pas innocent que l’on puisse suivre le motif du cadavre tout au long de leur aventure : le corps humain réapparaît sous de multiples formes dans la plupart des disciplines que les deux hommes abordent, qu’il s’agisse des tombeaux, ossements, squelettes ou de la cendre humaine qu’ils exposent dans leur muséum archéologique, des morts qui disparaissent et réapparaissent de façon stéréotypée en littérature, ou du défunt qu’ils souhaitent matérialiser grâce au spiritisme et qui « décompos[era] » leurs figures (295). Le corps humain s’inscrit en filigrane tout au long du roman, captant chacun des savoirs, qu’on le démembre ou dissèque pour une leçon d’anatomie ou bien qu’il faille « disloquer » la phrase qui le met en récit, chacune de ses syllabes soigneusement « pes[ées] » (207). Le corps des personnages eux-mêmes se retrouve pris dans la gangue des savoirs, de leur mise en scène et de leur artificialité. Leur accumulation de savoirs, par le truchement de livres de vulgarisation, d’objets et de modèles scientifiques, les mènera à constituer un muséum où l’on a finalement peine à circuler et où Bouvard, déguisé en moine, tel un personnage dans un décor moyenâgeux, développera ses talents d’acteur dans le théâtre du savoir.
 
En effet, leur aventure au pays du savoir est un périple dans un univers des textes et des mots, qui n’offre en fin de compte aux deux hommes que leur propre reflet : celui de deux copistes qui accumulent des stéréotypes de façon automatique, comme ils copient la réalité. D’ailleurs, la présentation des deux commis à l’ouverture du roman joue sur la répétition du même. Aussi différents que les deux commis puissent paraître, c’est la duplication qui l’emporte :
 
 
Deux hommes parurent.
L’un venait de la Bastille, l’autre du Jardin des Plantes. Le plus grand, vêtu de toile, marchait le chapeau en arrière et sa cravate à la main. Le plus petit, dont le corps disparaissait dans une redingote marron, baissait la tête sous une casquette à visière pointue. (51)
 
 
La reproduction du rythme à l’identique, les constructions en miroir gomment la différence de taille entre les deux hommes et l’impression de reflet inversé où le corps de l’un s’expose tandis que l’autre s’efface. En changeant de focale, Flaubert fait un gros plan sur le vêtement du plus grand, le chapeau et la cravate attirant l’attention vers le vestimentaire pour faire disparaître le corps, de la même façon que le vêtement camoufle le corps du plus petit. Le décor est donc campé : la reproduction annihile la différence, ouvrant le récit sur le monde de la copie. L’idée se confirme tout au long du roman, chaque description des contrastes entre les deux personnages étant gommée par les constructions à l’identique.
 
Ainsi, les différences s’effacent alors que le texte duplique les phrases de façon mécanique, le corps devenant d’une façon significative le support du discours de Flaubert sur un savoir industriel, reproduit en série, moulé en quelque sorte et diffusé en larges exemplaires. D’ailleurs, les caractères des deux hommes circulent comme des maladies pour assurer leur ressemblance : « Pécuchet contracta la brusquerie de Bouvard, Bouvard prit quelque chose de la morosité de Pécuchet » (62). L’imagerie médicale vient se fondre dans un récit qui reproduit du même, de la copie, de l’identique. Les conversations des deux hommes, comme celle qu’ils ont à la vue d’une mariée passant en calèche un bouquet à la main, tirent l’image du particulier au général : les femmes sont « frivoles, acariâtres, têtues » (53), de même que la capitale est polluée ou bruyante. Ainsi, aux clichés qui définissent le regard des deux hommes sur la réalité répondent les savoirs dont ils s’abreuvent et qui les ramènent sans cesse au même : la chimie leur montre que tous les êtres sont composés des mêmes éléments (« ils éprouvaient une sorte d’humiliation à l’idée que leur individu contenait du phosphore comme les allumettes, de l’albumine comme les blancs d’œufs, du gaz hydrogène comme les réverbères » [117]) ; l’anatomie comparée assimile le fœtus d’une femme à celle d’une chienne et d’un oiseau (157). En physiologie, ce sont les « lieux communs sur les âges, les sexes et les tempéraments » qui les attirent, tandis qu’ils reproduisent « artificiellement des digestions » (122) ou travaillent les accouchements avec des mannequins. L’imitation, la reproduction rythment les aventures des deux compères dans les champs du savoir, toute tentative de création originale échouant systématiquement : Pécuchet, vierge, est incapable de (pro)créer et les monstres de la nature qu’ils tentent de fabriquer en croisant les espèces ne donneront finalement rien.
 
Les images de circulation infinie se voient tournées en dérision à chaque nouveau chapitre, signant la fuite du savoir bien plus que sa dissémination. Dès que leur décision de se cultiver est prise, le savoir échappe à leur corps, les narines de Bouvard « siffl[ant] » tandis que Pécuchet « en gonflant les narines pinçait les lèvres, comme s’il avait peur de lâcher son secret » (67). Si le jardinage paraît une discipline placée sous le signe du renouvellement continu (« des composts qui feraient pousser des tas de choses dont les détritus mèneraient d’autres récoltes, procurant d’autres engrais, tout cela indéfiniment » [77]), il est néanmoins voué à l’échec, de même que l’agriculture, où les cadavres ne représentent jamais une étape dans le cycle de la vie, de même que les images de circulation de sang (la phlébotomie des bœufs), de nourriture (le gavage des cochons) ou de déplacement (les poules dans des cages à roulettes) ne promettent que destin funeste, stérilité ou pattes brisées. Ce qui circule ne se renouvelle pas ; le savoir que l’on croit posséder reste inaccessible ; il brille d’artificialité, c’est une mise en scène à l’image de la démonstration en agriculture, où une servante, « [p]our divertir les messieurs, donne le grain aux poules » (81), son activité rythmée par des éclairages adéquats (« deux ou trois lanternes s’allumèrent, puis disparurent » [82]). Ce savoir-spectacle qui « [é]merveill[e] » les deux hommes, rêvant de « brill[er] aux expositions » ou d’être « cités dans les journaux » (98), est donc la cible de la critique de Flaubert.
 
 
Ainsi, parce que les savoirs scientifiques, loin de contribuer à renforcer la mimésis, ne mettent en scène que des représentations fausses, ils viennent rapidement faire écho aux représentations romanesques. La physiologie semble, d’ailleurs, « le roman de la médecine » (127) parce que les deux hommes ne la comprennent pas et n’y croient pas. Les sciences déforment le réel, nous dit Flaubert à travers ses deux commis, de la même façon que l’écriture romanesque, en s’appuyant sur ces savoirs, ne reproduit, finalement, que du faux, de la doxa, une image truquée de la réalité. L’exemple de la géologie et de l’histoire de la terre et ses habitants est à ce titre remarquable. La lecture des ouvrages de Marcel Alexandre Bertrand et Georges Cuvier fait foisonner l’imagination des deux hommes, qui réécrivent une histoire en « tableaux », où cataclysmes et serpents ailés créent une « féerie en plusieurs actes » (143). Nous sommes bien, ici, au cœur des écrits de vulgarisation scientifique de l’époque, la reconstruction imaginaire de mondes anciens donnant lieu à des contes fantastiques peuplés de monstres, à l’instar des ouvrages de vulgarisation scientifique emboîtant le pas à Louis Figuier dans La Terre avant le déluge (1863). Or la confrontation des essais géologiques et paléontologiques de Cuvier à Lamarck et Geoffroy Saint-Hilaire en passant par les saintes Ecritures, lues comme un traité d’histoire naturelle, permet à nouveau à Flaubert de faire un pied de nez au signe qui, tel le symptôme, refuse de livrer la « vérité ». En outre, à l’image des pièces du mannequin anatomique que les deux hommes ne savent pas lire, à l’image également du corps humain, le crâne ne se moulant pas sur le cerveau (375), les théories ne s’emboîtent pas. S’il faut « distinguer entre le sens et la lettre » (155), comme le conseille l’abbé, une lecture par trop littérale brouille termes, « feuillets de couches » (149) et théories, réduisant le réel à du plat, du faux, du faux-semblant.
 
Par conséquent, le croisement entre sciences et sciences humaines permet à Flaubert d’aligner le modèle scientifique et le modèle littéraire pour faire, en fin de compte, le procès de la mimésis. Le modèle anatomique qui circule est un double du cadavre qui disparaît et réapparaît dans les textes de façon mécanique. Les méthodes de pensée et de diffusion des sciences de l’époque se déclinent à l’envi sur le mode littéraire, les multiplies analogies permettant à Flaubert de brouiller les frontières entre les sciences, comme lorsque les deux hommes sont émerveillés par Balzac « comme des grains de poussière sous le microscope » (205) ou qu’ils imitent l’aspic de Marmontel dans Cléopâtre à la manière de « l’automate inventé exprès par Vaucanson » (207). L’analogie scientifique envahit le récit, fusionnant d’une plume ironique l’image du scientifique reconstituant des mondes imaginaires ou du médecin décodant le symptôme et les deux compères lisant le réel comme un livre. Si la science transforme la réalité et la rend magique, cette magie n’est qu’artifice, un monde de carton pâte, à l’image du mannequin anatomique, un univers auquel on ne peut croire qu’un temps, à l’instar de Bouvard et Pécuchet.
 
La leçon que Bouvard et Pécuchet apprennent sera finalement le constat que la reproduction en masse du savoir ne mène pas à l’érudition. La collection de savoirs, si variée soit-elle, finit toujours par être une collection du même, une reproduction à l’identique qui, à défaut d’augmenter le savoir, l’appauvrit. Entre les mains des deux copistes, « qui copient une espèce d’encyclopédie en farce »[9], le savoir se duplique à l’infini, donnant une image du roman lui-même, originellement conçu en miroir, la copie des citations de Bouvard et Pécuchet occupant le deuxième volume et reflétant même le travail de l’auteur qui prend des notes sur les 1500 livres lus pour le roman. Bouvard et Pécuchet, roman marqué au sceau de la reproduction industrielle jusque dans sa structure, fait donc le procès d’une science commerciale, que la production en série met à la portée de tous. En démontant les mécanismes de la science de son temps, Flaubert, tel Vaucanson, nous invite alors non seulement à pénétrer ses rouages, mais à regarder également la mimésis avec circonspection – une mise en mots artificielle, rythmée par les poncifs, « lieux communs » (122) et « idées reçues » (154) que les deux commis font foisonner et qui, en ne s’emboîtant pas toujours, démontent tout l’éventail des savoirs dont le roman se nourrit. Finalement, la grande aventure au pays du savoir ne ramènera les deux compères qu’à leur travail de copiste, l’échec des deux hommes signant la critique flaubertienne de la démocratisation des savoirs. Les sciences demeurent jusqu’à la fin du roman « un monopole aux mains des Riches [qui] exclut le Peuple » (290), malgré les références à Raspail, le médecin des pauvres, ou à Pestallozzi, pédagogue novateur. Ceux qui achètent la pommade Dupuytren (242), ceux-là mêmes qui déambulent au milieu des collections de l’anatomiste, ne peuvent que glisser d’un corps exposé à l’autre, comme d’un savoir à un autre, croyant à des produits miracles comme ils croient à ce qu’ils voient derrière les vitrines ou lisent dans les livres, mais sans jamais vraiment accéder à la connaissance. À l’heure où l’on tente souvent de faire rimer science et démocratie, l’image d’une connaissance qui se démocratise trop vite et de manière incontrôlée, comme elle est mise en scène dans Bouvard et Pécuchet, soulève des problématiques toujours d’actualité.
 
 
ISSN 1913-536X ÉPISTÉMOCRITIQUE (SubStance Inc.) VOL. X
 
Bibliographie
 
 
Chadarevian, Soraya de, Nick Hopwood (eds). Models: The Third Dimension of Science. Stanford: Stanford University Press, 2004.
 
Diderot. « Anatomie ». In L’Encyclopédie ou Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers, 1751–1780. Paris. T. 1. 409–410.
 
Figuier, Louis. La Terre avant le deluge. 5ième éd.Paris : Hachette, [1863] 1866.
 
Lauth, Ernest-Alexandre. Nouveau manuel de l’anatomiste, comprenant la description succincte de toutes les parties du corps humain et la manière de les préparer, suivie de préceptes sur la confection des pièces de cabinet et sur leur conservation. 2ième édition. Paris : F.-G. Levrault, [1829] 1835.
 
La Mettrie, Julien Offray de. L’Homme Machine. 1747.
 
Mandressi, Rafael. « Dissections et anatomie ». In Georges Vigarello (dir.). Histoire du corps, 1. De la Renaissance aux Lumières. Paris : Seuil, 2005. 327–50.
–––. Le Regard de l’anatomiste : Dissections et invention du corps en Occident. Paris : Seuil, 2003.
 
Richardson, Ruth. Death, Dissection and the Destitute. Chicago & London: The University of Chicago Press, [1987] 2000.


[1] Gustave Flaubert, Bouvard et Pécuchet, éd. Claudine Gothot-Mersh, Paris, Gallimard, [1950] 1979, p. 119–20. Les références suivantes à cette édition seront données dans le corps du texte.
[2] Voir Soraya de Chadarevian, Nick Hopwood (eds), Models: The Third Dimension of Science, Stanford, Stanford University Press, 2004.
[3] Diderot, « Anatomie », L’Encyclopédie ou Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers, 1751–1780, Paris, T. 1, p. 409–410.
[4] « [Anatomy] informs the Head, guides the hand, and familiarizes the heart to a kind of necessary Inhumanity », St Thomas’s Hospital Manuscript 55, p. 182 verso, cité in Ruth Richardson, Death, Dissection and the Destitute, Chicago & London, The University of Chicago Press, [1987] 2000, p. 31.
[5] Henry Céard, L’Express, 9 avril 1881, cité in Claudine Gothot-Mersh, « Introduction », Bouvard et Pécuchet, op. cit., p. 19.
[6] Rafael Mandressi, Le Regard de l’anatomiste : Dissections et invention du corps en Occident, Paris, Seuil, 2003, p. 55.
[7] Ibid., p. 233.
[8] Rafael Mandressi, « Dissections et anatomie », in Georges Vigarello (dir.), Histoire du corps, 1. De la Renaissance aux Lumières, Paris, Seuil, 2005, p. 327–350, p. 338.
[9] Gustave Flaubert, Correspondance, supplément III, Paris, Louis Conard, 1926–54, 13 vol., 39–40, cité in Claudine Gothot-Mersh, « Introduction », Bouvard et Pécuchet, op. cit., p. 12.



Théâtre et neurosciences : fiction versus naturalisation

Théâtre et neurosciences : une rencontre de savoirs
Le théâtre a été décrit et compris par la philosophie et l’esthétique de façon pour le moins opaque et ce pour de multiples raisons. La première concerne le statut événementiel de cet art qui se déroule durant une période limitée dans le temps qui doit coïncider avec celui pendant lequel le public le reçoit et au terme duquel l’événement théâtral cesse, ne laissant qu’un souvenir pour ceux qui y ont participé ainsi que quelques objets de scène. Le théâtre est donc une expérience, non une œuvre. La deuxième raison concerne sa nature synesthésique à laquelle correspond l’idée — simpliste — qu’il est le résultat d’une collaboration entre différents arts, tels que la littérature, la peinture, l’architecture, la danse… et confond ainsi synesthésie et synthèse. Finalement, l’histoire du théâtre est, pour de nombreuses raisons, une histoire des théâtres répondant à des idées dramaturgiques, des styles interprétatifs et des instances sociales distinctes.
 
De Platon à Stanislavski pourtant, tous — auteur et public, acteur et spectateur, censeur et impresario — s’accordent à reconnaître un élément caractéristique du fait théâtral : l’« empathie[1] » du spectateur et / ou du public. Ce terme renvoie essentiellement au fait que le théâtre non seulement émeut celui qui regarde l’action se déroulant sur scène, mais le conduit à s’identifier aux personnages, provoquant en lui des passions analogues à celles qu’il éprouverait si l’action à laquelle il assiste était réelle. En outre, le bouleversement qui le secoue spirituellement et intellectuellement est toujours accompagné d’une affection physique. L’âme et le corps collaborent. Simultanément, on s’accorde à dire que le spectateur est bien conscient du fait que ce qu’il voit n’est « pas réel », et que par conséquent, il sait qu’il n’a pas à s’en occuper, malgré l’authenticité de ses propres réponses émotionnelles. Comme l’a révélé l’Abbé Du Bos dans ses Réflexions — aujourd’hui encore, l’un des textes les plus riches d’esthétique théâtrale — « il est vrai que tout ce que nous voyons au théâtre concourt à nous émouvoir, mais rien n’y fait illusion à nos sens, car tout s’y montre comme imitation[2] ». Pour comprendre l’essence du fait théâtral, il faut donc s’interroger non sur la raison pour laquelle l’événement scénique possède éventuellement le même aspect que la réalité — dans le sens d’une fidélité historique des décors, des costumes et des dialogues — mais plutôt sur le pathos de la vérité : l’expérience du théâtre se fonde sur le paradoxe de l’« identification virtuelle » ou « analogique », autant de l’acteur au personnage que du spectateur à l’acteur déguisé.
 
Pour connaître le fonctionnement psychosomatique de l’être humain et en solliciter les passions, les acteurs et les pédagogues théâtraux ont eu recours depuis des siècles aux sciences de la vie et de la psychologie. Ils ont en particulier accordé leur attention aux techniques utiles pour rendre plus efficace la formation des acteurs et améliorer leur capacité à porter sur scène un personnage, afin d’obtenir une captation immédiate du spectateur. Cette attention s’est désormais accentuée dans le sillage du développement des neurosciences, et le débat est vif. L’ouvrage de Rhonda Blair, The Actor, Image and Action. Acting and cognitive neuroscience[3] demeure un texte de référence. L’auteur prétend que son volume est un manuel permettant d’appliquer les nouvelles découvertes scientifiques aux processus de constitution de soi, considérant que le personnage est en substance un éventail de choix et de comportements. Dans une veine de recherche comparable, John Emigh a proposé une longue et intéressante liste de questions parmi lesquelles je rappellerai celles-ci : « La transe et le cerveau. Comment et pourquoi la privation sensorielle et l’excès d’émotion sont-ils utilisés comme stratagèmes théâtraux ? Comment les performances engagent-elles et encouragent-elles les modes de conscience altérés ? Comment cela peut-il être rapporté aux études sur les patients aux “cerveaux divisés” et postule de l’évolution du cerveau ? » et « Public et empathie. Comment le spectateur reconnaît-il et répond-il aux signaux émotionnels ? Quelle est la raison physiologique de l’empathie et quel est son rôle dans une mise en scène ? Quel rôle joue la mémoire dans ce processus[4] ? ». Dans cette perspective, l’événement théâtral devient équivalent à la performance de l’acteur — à savoir à l’exercice d’une compétence spécifique — et / ou à la réaction pré-culturelle du spectateur. Il se trouve ainsi fractionné selon les différents rôles de ceux qui y participent.
 
Les spécialistes de neurosciences considèrent le théâtre dans la même perspective : lors des protocoles expérimentaux, ils sont intéressés par la technique mimétique des acteurs et la prédisposition de chaque sujet à répondre instinctivement à certaines sollicitations physiques et émotives. Un cas paradigmatique nous est offert par l’expérimentation de Wicker et de ses collègues. Dans une étude célèbre destinée à comprendre « quel mécanisme neuronal est à la base de la capacité à comprendre les émotions des autres » et si « ce mécanisme implique des zones du cerveau généralement impliquées lorsque l’on fait expérience de la même émotion[5] », des sujets testés ont été exposés à une odeur répugnante et on leur a ensuite montré des images d’acteurs professionnels qui imitaient l’émotion faciale du dégoût. Dans les deux cas, les mêmes zones cérébrales que celles des « spectateurs » étaient activées. Laissant de côté le débat suscité par de telles informations, je relève que la capacité expressive de l’acteur est exploitée dans les expérimentations neuroscientifiques que ce soit en raison d’un comportement feint en mesure d’être reproduit, où parce que le protocole construit pour créer une copie visuelle relative à un état corporel reproduit le noyau du schéma d’observation qui se trouve à la base de la relation entre acteur et spectateur. Pour les chercheurs se consacrant au théâtre comme pour ceux des neurosciences, l’intérêt pour les découvertes et les compétences réciproques semble donc se résumer à un simple programme d’application.
 
Deux hypothèses et une équivoque : le théâtre comme catégorie naturelle
Avant de discuter de la légitimité d’une telle conception instrumentale et de ses implications épistémologiques, je tiens à rappeler les deux découvertes neuroscientifiques et leurs principes d’explications relatives, sans aucun doute plus significatives pour la performance théâtrale, autant pour l’acteur que pour le spectateur. La première est celle d’Antonio Damasio. Dans L’Erreur de Descartes, le neurologue défend l’hypothèse du marqueur somatique, pour lequel dans notre corps, une « boucle comme soi» serait active : « Il existe des mécanismes neuraux qui nous procurent de perceptions “comme si” elles provenaient d’états émotionnels, comme si le corps les exprimait véritablement. Ces mécanismes de simulations nous permettent donc de court-circuiter le corps […]. Nous évoquons, grâce à eux, quelque chose ressemblant à la perception d’une émotion par le biais du cerveau et de lui seul[6]. » Ce mécanisme de simulation serait à la base du sentiment de l’empathie[7], qui est précisément un sentiment et non une simple émotion, c’est-à-dire « la perception d’un certain état du corps ainsi que celle d’un certain mode de pensée et de pensées ayant certains thèmes[8] ». « Les sentiments ne dérivent pas nécessairementdes états réels du corps — bien que ce soit possible —, mais des cartes réelles construites à un moment donné dans les régions sensibles au corps du cerveau[9]. » L’émotion ne serait en revanche que l’ensemble des changements de l’état corporel[10]. Ce qui compte, c’est la possibilité de ne pas répéter effectivement une certaine expérience connotée par une émotion, mais plutôt de recevoir des sollicitations semblables à celles que nous avons en mémoire, qui correspondent à un moment antérieur dans notre vie, et en tirer des états d’âme analogues. C’est ce que Stanislavski avait appelé « reviviscence[11] » : l’acteur renouvelle l’expérience de la qualité émotive éprouvée dans des circonstances antérieures, lesquelles peuvent être sans rapport avec – ou même dissemblables de – l’intrigue dramatique. L’analogie ne demande par conséquent aucune correspondance factuelle entre les deux situations qui donnent lieu à la même émotion.
La nature théâtrale de la boucle du « comme soi » est évidente pour Damasio[12] qui a réalisé une véritable répétition demandant à quelques sujets d’isoler un moment de leur propre vie en fonction de la force de son contenu émotif, de l’imaginer et d’annoncer par un geste de la main le moment où l’émotion était ressentie. Il a alors commencé à réunir les données à travers une tomographie par émission de positrons (TEP[13]), une technique d’imagerie cérébrale qui mesure le flux de sang dans les différentes zones du cerveau. Les zones somato-sensibles examinées — celles impliquées dans l’émission du signal sensoriel qui provient de n’importe quelle partie du corps et se trouve reliée au système nerveux central — montrent une altération significative. Il y a donc une « activité émotionnelle » effective y compris dans les cas d’expériences fictives.
 
La seconde découverte est celle des neurones miroirs. Cette population de neurones a été isolée par un groupe de chercheurs italiens en neurosciences au milieu des années 1990, tout d’abord chez le singe, puis chez l’homme. Ces neurones présentent une activité — à une intensité variable — lorsqu’un sujet humain exécute une action que ce soit lorsqu’il voit la même action être exécutée, ou encore lorsqu’une action comparable est exécutée par un autre sujet qui peut être d’un sexe différent ou appartenir à une autre espèce que lui. L’action observée doit, dans tous les cas, être effectivement possible à accomplir par l’observateur. Elle peut associer, ou pas, des objets et peut être dirigée, ou pas, vers un but. Ce but peut à son tour être réel ou fictif. Le mécanisme miroir semble fournir le substrat neurologique permettant de comprendre les actions d’autrui, puisque l’observateur simulerait en lui ce qu’il observe sans l’exécuter effectivement, reconnaissant l’intention motrice mise en acte par le sujet observé[14]. À la lumière de l’activité des neurones visiomoteurs — définition plus précise que celle de « miroirs » qui suggère de façon erronée la duplication, voire la représentation, de l’action observée —, il semble donc possible de soutenir que le corrélat neurobiologique de l’empathie a été identifié, c’est-à-dire celui de l’expérience d’identification du spectateur qui s’émeut à la vue d’un geste. Vittorio Gallese, l’un des neuroscientifiques les plus investis dans la compréhension théorique du mécanisme miroir, a proposé la notion de « simulation incarnée » pour rendre compte de ce type de participation à distance :
 
Que ce soient les prédictions concernant nos actions, ou celles concernant les actions d’autrui, elles peuvent […] être définies en tant que processus de modélisation établi sur la simulation […]. Percevoir une action équivaut à la simuler intérieurement. Cela permet à l’observateur d’utiliser ses propres ressources pour pénétrer le monde de l’autre au moyen d’un processus de modélisation qui possède le signalement d’un mécanisme qui n’est pas conscient, automatique et prélinguistique de simulation motrice. Ce mécanisme instaure un lien direct entre l’agent et l’observateur, dans la mesure où tous deux sont cartographiés de façon anonyme et neutre pour ainsi dire. Le paramètre « agent » est spécifié, alors que son signalement spécifique d’identité ne l’est pas[15].
 
Le geste et son style gagnent sur l’identité biographique de l’acteur.
 
La position de Gallese n’est pas la même que celle de Damasio, étant donné que pour ce dernier, les mécanismes de simulation sont activés « de l’intérieur », alors que le premier considère que leur activation peut aussi être induite par l’observation des autres. Je propose de considérer l’hypothèse de Damasio particulièrement pertinente pour le travail d’acteur et l’interprétation de Gallese plus appropriée pour comprendre les mécanismes à l’œuvre pour le spectateur. L’intérêt de ces deux positions dépend justement de l’impression à pouvoir justifier — sinon fonder — l’accord entre action et perception de l’action, c’est-à-dire entre performance et réception. Ce serait pourtant une erreur de méthode et de mérite de supposer que les hommes de théâtre possèdent de telles connaissances comme s’il s’agissait simplement de l’étape la plus récente de l’utilisation du savoir scientifique. L’ambition des neurosciences pour expliquer le fonctionnement du cerveau et du système nerveux est en effet telle qu’elle suggère de saisir l’essence même de l’action scénique. Elle prétend fournir une pédagogie scénique qui ne devrait plus naître de la recherche renouvelée par chaque acteur individuellement sur son propre corps et sa constitution physique, de façon à trouver les solutions idiosyncratiques qui résulteraient de l’exercice ayant effectivement eu lieu —pensons au travail que Julia Varley de l’Odin Teatret a conduit sur et avec sa faible voix, et aux résultats expressifs obtenus précisément grâce à la capacité pathique de son organe vocal. De telles solutions paraissent s’appliquer plutôt directement à n’importe quel corps. A posteriori, la réception du public semble considérée comme s’il s’agissait d’un unique spectateur ignorant largement les réflexions que les hommes de théâtre ont livrées à sa formation, en particulier au xxe siècle ; en outre, on lui attribuerait une valence purement réactive, au point d’avoir une conception de l’empathie plutôt triviale qui avait déjà suscité la critique de Bertold Brecht. Dans le milieu de la danse par exemple, il a été suggéré de « neuro-orienter » les chorégraphies[16].
 
Ce faisant, nous encourrons une équivoque épistémologique cruciale : si nous admettons qu’une réflexion sur le fait théâtral peut être menée à la lumière des mécanismes qui président aux actions et aux réactions neurobiologiques, nous travaillons subrepticement dans le sens de sa naturalisation. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard s’il s’agit précisément de la position de Gallese :
 
l’étude de la dimension neurale de l’intersubjectivité et le rôle crucial tenu en son sein par les mécanismes de simulation offrent des points de réflexion pour une naturalisation de la présence de l’acteur, pour la compréhension de la genèse de son expressivité mimétique, pour la compréhension sur des bases empiriques du rôle actif du spectateur, et plus généralement, pour l’origine mimétique des pratiques théâtrales[17].
 
En poursuivant dans cette direction, ce que nous faisons n’est pas tant de rendre le théâtre objet d’étude des sciences de la vie et de la psychologie — opération qui, pour une part, est déjà en acte comme nous l’avons vu — mais plutôt, plus radicalement, de le penser comme catégorie naturelle.
 
Cette position semble posséder l’avantage heuristique de saisir une constante que, pour des raisons qu’il n’est pas possible d’analyser ici, nous tendons, de façon neutre, à considérer comme un invariant anhistorique qui peut dissiper en partie certaines des opacités indiquées au début. Cependant, même en admettant qu’un tel invariant soit à la base de la relation acteur / spectateur, fondatrice du fait théâtral, elle n’aurait pas la valeur d’élément transhistorique capable de donner une forme aux styles et aux modes de mise en scène au cours des siècles. La naturalisation du théâtre comporte en effet, sur le plan épistémologique, non pas tant de ramener jeu et réception à la psychosomatique de l’acteur et du spectateur, que de le comparer à une quelconque pratique intersubjective, avec pour résultat paradoxal de perdre justement cette essence que nous recherchons. Le théâtre ne serait donc que l’expression prégnante de la relation quotidienne entre un corps intelligent qui exhibe sa propre action — l’acteur — et un corps intelligent qui la suspend en s’investissant dans l’observation — le spectateur[18]. L’approche neurobiologique de l’art, et plus généralement de tout processus réélaborant le factuel naturel et historique de l’homme, qui exprime donc un écart réflexif par rapport à l’élément purement biologique de l’existence, neutralise justement un tel écart parce qu’il comprend la poiesis et sa capacité de transformation comme une séquence de simples états émotifs et cognitifs sollicités différemment. L’intercorporéité – propre au théâtre – et l’intersubjectivité – propre à la vie vécue – sont pensées comme s’ils étaient identiques[19]. L’art performatif verrait ainsi transformée en sociabilité sa propre nature événementielle, et le théâtre se répandrait dans le monde perdant sa qualité artistique spécifique et en premier lieu fictionnelle.
 
Il ne s’agit pas de s’opposer à cela en proposant à nouveau l’antagonisme insatisfaisant entre nature et culture pour lequel le théâtre serait soit l’expression d’états corporels, soit un produit historique fondé sur des conventions et des choix de poétique. Pour comprendre la relation entre le geste mis en scène et la réaction de la salle, il faut plutôt saisir la qualité idéale du théâtre en tant que phénomène esthétique, c’est-à-dire la permanence tout au long des différentes représentations d’une structure typologique qu’on comprend à travers la perception et qui qualifie la forme essentielle du théâtre sans la traduire en concept pur, sans la rendre abstraite.
 
Neighbors : un cas d’étude
Je ferai appel à un cas d’étude pour conforter cette affirmation et en débattre. Il s’agit du spectacle Neighbors, texte de Branden Jacobs-Jenkins, dirigé par Nigel Smith pour sa première au Public Theater de New York en mars 2010 et joué par une troupe d’acteurs afro-américains. La trame narre la rencontre entre la famille Patterson et la famille Crow qui vient tout juste d’emménager dans le voisinage. La famille Patterson est composée d’un homme noir, professeur de littérature grecque ancienne, qui a épousé une femme blanche dont il a eu une fille. La famille Crow est composée de cinq personnes, « plus noires » que Monsieur Patterson et sa fille ; leur profession : acteurs dans des spectacles de variété. Parmi les membres de la famille Patterson, les différences raciales ne semblent pas exister, tout au moins, jusqu’à l’arrivée des Crow. Le point central de l’histoire est la façon dont nous construisons et affirmons notre identité, mais ce ne sont pas tant les significations raciales, psychologiques et sociales qui m’intéressent ici, que le schéma fictionnel mis en scène.
 
On sait que la famille Crow est plus noire que la famille Patterson à la façon dont est montrée l’exagération stéréotypée des gestes de noirs américains, de leurs composantes : l’accent, la démarche… La question est de savoir comment il est possible de montrer ce « plus noir que noir » sans le dire et sans rendre le contenu immédiat du drame étant donné qu’il en est la condition préalable. En outre, sur le plan de l’information, il aurait suffi de choisir des acteurs blancs pour les personnages de couleur et de les maquiller en noir, alors que ce sont au contraire les acteurs de couleur qui interprètent les Crow et qui sont fardés, c’est-à-dire maquillés en ce qu’ils sont déjà : des gens à la peau noire. Les Crow ne portent pas un masque artificiel, un objet étranger à leur propre corps, mais ils l’exposent sur leur peau sans la dissimuler ; lorsque, par exemple, ils salissent leurs vêtements avec le fond de teint, ils indiquent volontairement qu’ils ont vu la tache. Au premier coup d’œil, on pourrait prêter à ce masque la qualité d’instrument métathéâtral, pirandellien, qui répond à un choix poétique justement. Les choix métathéâtraux sont toutefois limités à la présence du corps de l’acteur sur la scène et à ses métamorphoses, et c’est précisement cela que Neighbors thématise.
 
Au terme du spectacle, Monsieur Patterson, abandonné par son épouse blanche, reçoit la visite de Monsieur Crow dont il est jaloux : ils en viennent aux mains et dans la fougue de la lutte, le premier enlève le maquillage du visage du second. À partir de ce moment, les deux hommes se heurtent au ralenti en s’éloignant vers le fond de la scène où ils continuent à lutter à moitié cachés par un rideau tiré volontairement jusqu’à les couvrir presque entièrement, pendant que les quatre autres membres de la famille Crow progressent vers l’avant-scène et déclament leur rôle dans le spectacle de variété dans lequel ils ont été engagés. Ils donnent leur dernière réplique et se taisent. Ils attendent les applaudissements et le public applaudit. Au début, il applaudit les Crow, pensant effectivement participer à un jeu métathéâtral. Après quelques instants, il commence à comprendre que la comédie est terminée et applaudit les acteurs professionnels. Après quelques instants, il attend impatiemment de voir les deux acteurs qui interprétaient les maris, ils ne reviennent pourtant pas en scène : ceux restés sans masque ne reviennent pas pour recevoir les applaudissements et se joindre au public.
 
En perdant son maquillage, le personnage de Crow a perdu sa qualité fictive, et l’acteur jouant Crow est déjà devenu « l’un d’entre nous » car son masque n’est pas en premier lieu un signe pour rendre le personnage reconnaissable ; il est plutôt ce qui permet à l’acteur d’être tel, c’est-à-dire quelqu’un d’autre par rapport à sa propre identité biographique, réussissant la double tâche de ne pas effacer son existence idiosyncratique et de donner vie à une personne de fiction. Sur les visages des acteurs afro-américains, les masques noirs neutralisent leur noirceur naturelle sans la cacher, et leur attribuent simultanément le rôle qu’ils auront durant tout le récit. Cette duplicité qu’exprime et explicite le masque est une duplicité existentielle propre à l’homme en tant que tel, et c’est aussi une duplicité esthétique, au sens où l’on entend par ce terme une connaissance de soi qui se développe par la voie sensible et analogique à partir de l’expérience de son propre corps.
 
L’ex-centricité de l’homme et la fiction du théâtre
L’acteur incarne et représente la fracture qui définit l’homme comme tel et qui naît de sa double expérience qui consiste à la fois à être et avoir un corps par rapport auquel il se trouve toujours dans une position d’ex-centricité, le contrôlant tout en étant simultanément limité par sa constitution. La coïncidence impossible de soi avec soi-même est le fruit de l’activité réflexive qui — bien avant l’intelligence — nous distingue de l’animal justement à partir du fait que nous partageons avec lui une constitution sensomotrice qui ne rend toutefois pas entièrement compte de notre existence. Comme l’a écrit Helmuth Plessner, « l’homme non seulement vit et fait l’expérience de, mais il fait l’expérience de son expérience. […] Pour lui, le changement de l’être à l’intérieur de sa propre corporéité à l’être en dehors de sa propre corporéité est une irréductible duplicité d’aspect de l’existence, une réelle fracture dans sa nature[20] ».
 
Si l’homme engagé dans un travail quelconque peut et même doit s’oublier lui-même, portant son attention au rôle nécessaire à accomplir une tâche, à son masque extérieur, dans le cas de l’acteur ce rôle:
 
comprend l’acteur même, comme corps vivant et âme. Il est lui-même son propre moyen, il se scinde en lui-même et reste toutefois, maintenant l’imagination à l’arrêt, de ce côté de la fente, derrière le personnage qu’il incarne. L’acteur ne peut s’abandonner à la scission, comme l’hystérique ou le schizophrène, mais en contrôlant le personnage qu’il incarne, il doit en maintenir la distance[21].
 
Qu’est-ce en effet que le soi fictif à la recherche duquel l’acteur va, sinon ce double que l’homme est déjà ? Et que vise toute formation d’acteur sinon la prise de possession de ce soi ? Voilà alors qu’« un élan effectif, un sentiment authentique » — comme celui des acteurs afro-américains qui incarnent Crow et Patterson durant la lutte, quand la corporéité humaine originaire gagne sur le récit et sur la distribution des rôles — « peuvent aider [l’acteur] à trouver l’expression authentique ; ils ont cependant une valeur seulement s’ils sont effectivement à disposition de l’acteur. Il est seulement s’il a soi-même[22] », autrement, il perd le masque, c’est-à-dire la face : c’est exactement ce qui advient dans la scène mentionnée de Neighbors. L’expérience de la nature ex-centrique de l’homme que l’acteur présente au public n’est donc pas limitée à une relation scène / salle déterminée, comme pourrait le suggérer le théâtre à l’italienne ; il faudrait plutôt dire au contraire que si l’homme lui-même n’était pas un et binôme à la fois, il ne pourrait exister quelque chose comme l’acteur. Ce dernier l’imite en le représentant en tant que personnage auquel il ne s’identifie pourtant pas : pour cette raison, il en est l’emblème.
 
La différence entre identification et mimesis correspond à l’écart entre la présence d’un corps animal et celle d’un corps humain. S’il est vrai que certaines des « réactions » préconscientes de l’homme surviennent aussi chez les animaux — comme on l’a dit, le mécanisme miroir a été par exemple découvert dans un premier temps chez le macaque —, toutefois « l’animal vit l’esthéticité de son existence ; il ne la chante pas[23] » contrairement à l’homme dont l’une des caractéristiques essentielles est l’activité représentative et autoreprésentative, aucunement compréhensible si l’on ne saisit pas l’écart intrinsèque à chacun de ses gestes et en particulier à chaque production artistique qui se fonde sur la transcendance de sa propre réalité corporelle. Incidemment, il n’est donc pas inexplicable qu’à un certain point dans l’histoire du minstrel show[24] — à laquelle Neighbors renvoie — on se soit passé de la présence d’acteurs blancs maquillés en noirs et animés par des intentions racistes à celle d’acteurs noirs maquillés en noir pour exhiber ironiquement ce même racisme justement, l’ironie étant, sur le plan narratif, la figure de toutes les émancipations possibles de l’évidence factuelle. Nous pourrions même dire que tout acteur est immédiatement ironique une fois qu’il a endossé le masque du personnage qu’il n’est pas.
 
De la différence entre identification et mimétisme naît l’événement théâtral. Celui qui s’identifie reproduit un état psychique et corporel en en exhibant l’expression ; celui qui s’identifie à l’intérieur d’un rôle, nous impressionne, comme le magicien. Celui qui imite au contraire décuple notre capacité à actualiser des émotions latentes, des situations virtuelles, comme l’acteur[25]. L’identification est un art de la persuasion, le mimétisme est un art de l’expérience pathique. C’est la raison pour laquelle l’authenticité du théâtre n’a rien à voir avec la vraisemblance de la mise en scène mais avec le pathos, le pathos n’étant rien d’autre que notre disposition originaire aux émotions qui se développent au fur et à mesure que l’histoire représentée se déroule comme dans les biographies des spectateurs se trouvant dans la salle. Cela dépend donc avant tout de la capacité du théâtre à montrer la nature originaire de l’homme, de cet animal réflexif. Nous pouvons désormais mieux comprendre l’invitation de Blair à « [mettre] la pièce dans le corps de l’acteur, de façon aussi vivante et immédiate que possible[26] », et l’affirmation complémentaire de Gallese pour qui « dans les relations intersubjectives, l’autre est un oxymore vivant, en étant juste un autre soi-même[27] ». L’acteur peut incorporer une histoire parce que — en tant qu’homme — il est déjà scindé et ainsi ouvert pour accueillir l’autre de lui. Quant à considérer l’autre comme un oxymore vivant, celui-ci n’étant qu’un autre moi-même, de nouveau, cela arrive parce que je suis le premier à m’être aliéné. Le spectateur sait pour sa part que le théâtre met en scène sa propre duplicité, et que l’acteur feint sans tromper, parce que dans la relation entre acteur et personnage, il reconnaît sa propre ex-centricité. Ainsi, il n’est pas seulement le destinataire du spectacle, mais concourt à sa mise en scène.
 
À la lumière de la contribution d’anthropologie esthétique de Plessner, le marqueur somatique et le système visiomoteur suggèrent de considérer l’empathie — initialement indiquée comme une attitude générique au consentement — une action virtuelle pour laquelle à la performance de l’acteur répond la performance du spectateur. Le spectateur théâtral est une figure idéalement et typiquement spéculaire à celle de l’acteur : il vit dans son expérience réceptive la tension que le théâtre représente entre nature et culture, corps et personnage. Répondre viscéralement à l’acteur en scène et ne pas croire à ce que l’on voit lui est possible parce que ce qu’il regarde est déjà essentiellement double : le corps vivant de l’acteur qui joue et le masque d’un personnage artificiel. C’est alors qu’à bien y regarder le spectateur ne réagit pas comme si ce qu’il voyait était réel — en en ignorant l’artifice — mais comme si ce qu’il voit n’était pas feint, car il y reconnaît la disposition originaire de l’homme. D’un point de vue épistémologique, il ne s’agit pas de suspendre le doute à la fiction, mais de comprendre qu’elle n’est que l’expression de l’ex-centricité de l’homme à soi-même, la réalisation de la simulation qui est incarnée par certains objets scéniques et certaines structures architectoniques, tels que le masque, le cadre de scène, etc. Comprise ainsi, la fiction dissout le paradoxe cité initialement de « l’identification virtuelle » ou « par analogie ».
 
Nous avons donc vu comment la base neurobiologique du travail d’acteur et de spectateur correspond à notre nature psychosomatique, que le théâtre met en mouvement. Reconnaître le rôle de la fiction comme manière de gouverner l’ex-centricité de l’homme permet de s’intéresser au fait théâtral comme à une expérience esthétique spécifique sans le penser trivialement comme une somme de compétences et de réactions.
 
ISSN 1913-536X ÉPISTÉMOCRITIQUE (SubStance Inc.) VOL. XI
 
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[1] Pour une vision d’ensemble sur l’empathie, voir A. Pinotti, Empatia. Storia di un’idea da Platone al postumano, Rome-Bari, Laterza, 2011.
[2] J.-B. Du Bos, Réflexions critiques sur la poésie et sur la peinture (1719), préface de Dominique Désirat, Paris, École nationale supérieure des Beaux-Arts, 1993, Ire partie, section 43, p. 145.
[3] R. Blair, « The Actor, Image, and Action. Acting and cognitive neuroscience », Londres – New York, Routledge, 2008. Voir aussi R. Blair, « Cognitive neuroscience and performance. Imagination, cenceptual blending, and empathy », The Drama Review, 53/4, 2009, p. 93-103.
[4] J. Emigh, « Performance studies, neuroscience, and the limits of culture », in N. Stucky, C. Wimmer (dir.), Teaching Performance Studies, Southern Illinois University, 2002, p. 261-276, ici p. 264-265.
[5] B. Wicker, C. Keysers, J. Plailly, J. P. Royet, V. Gallese, G. Rizzolatti, « Both of us disgusted in my insula: the common neural basis of seeing and feeling disgust », in Neuron, 40, 2003, p. 655-664.
[6] A. Damasio, L’erreur de Descartes : la raison des émotions (1994), traduit de l’anglais par Marcel Blanc, Paris, Odile Jacob, 1995, p. 201-202.
[7] A. Damasio, Spinoza avait raison. Joie et tristesse, le cerveau des émotions (2003), traduit de l’anglais par Jean-Luc Fidel, Paris, Odile Jacob, 2003, p. 124-127.
[8] A. Damasio, Spinoza avait raison, op. cit., p. 94.
[9] A. Damasio Spinoza avait raison, op. cit., p. 122.
[10] Voir A. Damasio, L’erreur de Descartes, op. cit., p. 189.
[11] Voir K. S. Stanislavski, La formation de l’acteur, traduit de l’anglais par Elisabeth Janvier, introduction de Jean Vilar, Paris, Payot, 1963.
[12] A. Damasio, Spinoza avait raison, op. cit., p. 105-107.
[13] La tomographie par émission de positrons (TEP) dénomée PET scan (positron emission tomography) dans la terminologie anglosaxonne, est une méthode d’imagerie médicale pratiquée par les spécialistes de la médecine nucléaire qui permet de mesurer en trois dimensions l’activité métabolique d’un organe grâce aux émissions produites par les positons issus de la désintégration d’un produit radioactif injecté au préalable.
[14] Voir G. Rizzolatti, C. Sinigaglia, Les neurones miroirs (2006), traduit de l’italien par Marilène Raiola, Paris, Odile Jacob, 2007.
[15] V. Gallese, « Corpo vivo, simulazione incarnata e intersoggettività. Una prospettiva neurofenomenologica », in M. Cappuccio (dir.), Neurofenomenologia. Le scienze della mente e la sfida dell’esperienza cosciente, Milan, Bruno Mondadori, 2006, p. 293-326, ici, p. 304-305 (premier italique de l’auteur).
[16] B. Calvo-Merino, C. Jola, D. E. Glaser, P. Haggard, « Towards a sensorimotor aesthetics of performing art », Consciousness and Cognition, no 17 (3), 2008, p. 911-922, ici p. 918. Voir aussi le travail du chorégraphe Ivar Hagendoorn, « Towards a neurocritique of dance », in BalletTanz Yearbook, 2004.
[17] V. Gallese, « Il corpo teatrale: mimetismo, neuroni specchio, simulazione incaranata », Culture teatrali, 16, 2007, p. 37.
[18] Cette perspective me semble avoir quelque intérêt pour une version faible de la performance dans laquelle serait perdu tout enjeu rituel. Je parle de « version faible », car si la question de l’interdépendance de l’acteur et du spectateur est déplacée sur le plan biologique et donc supposée innée, le seuil de différence entre le quotidien et le rituel mis en jeu dans la performance perd de sa puissance en étant à nouveau absorbée par l’indifférence biologique de l’acteur et du spectateur.
[19] Voir V. Gallese, « The two sides of mimesis. Girard’s mimesis theory, embodied simulation and social identification », Journal of Consciousness Studies, 16/4, 2009, p. 5.
[20] H. Plessner, Die Stufen des Organischen und der Mensch. Einleitung in die philosophische Anthropologie (1928), in Gesammelte Schriften, Frankfurt a.M., Suhrkamp, 1981, vol. IV, p. 364-365.
[21] H. Plessner, Zur Anthropologie des Schauspielers (1948), in Gesammelte Schriften, Frankfurt a.M., Suhrkamp, 1982, vol. VII, p. 407-408.
[22] H. Plessner, Zur Anthropologie des Schauspielers, op. cit., p. 409.
[23] É. Souriau, Le sens artistique des animaux, Paris, Hachette, 1965, p. 105 .
[24] La citation du « minstrel show » et de la « black face comedy » est en effet évidente, deux sous-genres du vaudeville américain qui se sont développés au milieu du xixe siècle dans un milieu de culture clairement raciste qui jouait sur les stéréotypes liés à ce que l’on appelait la négritude. Voir R. C. Toll, Blacking Up. The Minstrel Show in Nineteenth-century America, Londres, Oxford University Press, 1993. Je remercie Giulia Palladini pour les occasions de réflexion qu’elle m’a offert à ce sujet.
[25] Il est intéressant de remarquer que certaines données expérimentales montrent comment les sujets réagissent selon une direction de bas en haut pour l’induction perceptived’un mouvement engendré par une stimulation, et du haut vers le bas pour l’induction intentionnelle d’un mouvement direct vers un objectif. Voir W. Prinz, « An Ideomotor Approach to Imitation », dans S. Hurley, N. Chater (dir.), Perspective on Imitation. From Neuroscience to Social Science, vol. I, The MIT Press, 2005.
[26] R. Blair, « The Actor, Image, and Action. Acting and cognitive neuroscience », op. cit., p. 89.
[27] V. Gallese, « “Being like me” : Self-other identity, mirror neurons, and empathy », dans S. Hurley, N. Chater (dir.), Perspective on Imitation…, op. cit., p. 101-118, ici p. 106.



« Said They Were Mine » : Fiction et savoir dans l’œuvre de Malcolm Lowry

 

Si l’on se souvient aujourd’hui de Malcolm Lowry, c’est d’abord au titre des fictions qui lui sont attribuées, voire à cause d’un ouvrage en particulier, Under the Volcano (1947) que l’on tient souvent pour l’un des romans de langue anglaise les plus marquants du vingtième siècle. Cela dit, la fiction telle qu’il la conçoit ne se laisse en aucun cas réduire ni à une modalité particulière de la narration, ni à un corpus de récits partageant certaines caractéristiques immanentes, si exemplaires soient”‘ils. Chez Lowry, la fiction par excellence n’est pas une dimension du texte, mais réside dans l’affirmation qu’il a pour origine l’activité de l’individu présenté comme son « auteur », dans la revendication qu’exprime la signature dont il est porteur ; en ce sens, relève de la fiction tout écrit tenu pour ressortir à un régime particulier de la propriété intellectuelle, quel que soit le genre auquel il appartient (roman, nouvelle, poème, lettre, pour citer quelques”‘unes des formes les plus pratiquées par Lowry) et sans préjuger de ses particularités sémantiques ou formelles, de la valeur de vérité des énoncés qu’il contient ni même de son éventuel recours à la narration. Ainsi caractérisée, la fiction n’entretient pas de relations privilégiées avec la littérature, puisqu’elle se définit moins comme un objet esthétique que comme une modalité du rapport au langage écrit, à la trace matérielle offerte à la contemplation et à la lecture : la question qu’elle pose est celle de la lettre et de son usage, condition de possibilité de la pratique littéraire (et donc de l’invention romanesque), mais aussi, d’abord, enjeu épistémologique dont la portée est beaucoup plus vaste.
 
En effet, c’est bien de savoir qu’il s’agit, et cela à deux niveaux. D’une part, on ne peut examiner ainsi la fonction de l’écrit sans s’interroger sur ce qu’il enseigne à son lecteur, c’est”‘à”‘dire pour commencer à son « auteur », celui qui le découvre avant tous les autres (c’est peut”‘être là son seul vrai privilège). Que me dit ce texte que j’ai sous les yeux ? Qu’a”‘t”‘il à m’apprendre sur moi”‘même, à moi qui, de temps à autre, suis tenté de me reconnaître dans ce que je lis au point de le présenter à autrui comme mon œuvre ? D’autre part, un tel questionnement comporte une dimension réflexive, propice à l’émergence d’un savoir paradoxal sur ce que savoir veut dire, sur la fiction qui rend possible l’acte cognitif et dont il ne se laisse que malaisément distinguer. Admettre que toute signature est fictive, c’est se préparer à envisager l’hypothèse que le savoir s’appuie toujours sur une fiction pour peu que son autorité dépende des modalités de sa transmission écrite, ce qui est généralement le cas dans une culture comme la nôtre. Dès lors, on comprend mieux pourquoi les textes de Lowry n’établissent aucune hiérarchie de principe entre les « vrais » savoirs (scientifique, technologique, historique, géographique, philologique…) et les savoirs « imaginaires » ou perçus comme tels, par exemple l’astrologie, l’alchimie, la théosophie ou les arts divinatoires. En tant qu’ils s’interrogent sur leurs propres conditions d’apparition, tous les savoirs sont également vrais, et cela parce qu’ils se savent tous fictifs au même degré et pour les mêmes raisons, parce qu’ils ont d’abord pour objet la fiction primordiale qui, dans un même mouvement, les constitue et les subvertit.
 
La portée philosophique du débat ainsi lancé par les textes de Lowry demande à être mesurée avec précision. La question posée est celle du logos, de sa possibilité et de ses conditions d’émergence ; et elle est abordée à partir de l’écrit, c’est”‘à”‘dire de quelque chose qui refuse de se fondre dans le logos (au sens de parole pleine, vive, jaillissante), mais sans quoi le logos (entendu cette fois comme discours raisonné) ne serait pas un objet de pensée, voire cesserait d’exister dans un monde où ce qui se dit ne fait in fine sens que par le truchement de l’écriture. « The novel […] can be regarded as a kind of symphony, or in another way as a kind of opera—or even a horse opera. It is hot music, a poem, a song, a tragedy, a comedy, a farce, and so forth. It is a prophecy, a political warning, a cryptogram, a preposterous movie, and a writing on the wall », écrit Lowry à son éditeur Jonathan Cape à propos de Under the Volcano (506), termes qu’il reprend dans la préface de la première édition française : « Ce roman […] peut être considéré comme une sorte de symphonie, d’opéra, ou même de film de cow”‘boys. J’ai désiré en faire une musique hot, un poème, une chanson, une tragédie, une comédie, une farce et ainsi de suite. […] C’est une prophétie, un avertissement politique, un cryptogramme, un film loufoque, une absurdité, une phrase sur le mur[1] » (31). Ce propos ambigu présente le discours comme sur le point d’être dépassé par la dimension proprement musicale du texte, par le traitement mélodique de la voix tel qu’on le rencontre par exemple à l’opéra ; seule la référence aux modes d’inscription les plus rétifs à la vocalisation (le cryptogramme, les lettres mystérieuses tracées sur le mur du palais de Balthazar) semble garantir la possibilité de l’articulation signifiante. Sans l’écrit, tout est musique, vocalise, symphonie, exploration voluptueuse de la sonorité pure où le mot s’abolit, et avec lui le savoir qu’il transmet. Cela dit, l’écrit ne parvient à sauver le discours qu’en le rendant étranger à lui”‘même et en lui conférant le statut d’énigme : dans sa mystérieuse autonomie, la lettre se présente sous l’aspect d’un signifiant opaque ; message « crypté », elle est la « crypte » où se terre un sens soustrait à l’audition du plus grand nombre. À ce titre, elle est l’opposé de l’Opéra ou de la salle de concert, l’un et l’autre voués à amplifier la résonance de la voix, à en exploiter le potentiel théâtral et la capacité d’interpellation.
 
L’approche ainsi adoptée par Lowry n’est pas sans présenter des affinités avec celle de son contemporain Heidegger et de certains de ses héritiers, au premier chef Derrida. Comme le note le penseur de La Dissémination dans son commentaire de Platon, l’écrit coupe le discours de son origine et le condamne à errer « comme un hors”‘la”‘loi, un dévoyé, un mauvais garçon, un voyou ou un aventurier » (165) ; aussi la « vérité de l’écriture » ne se distingue”‘t”‘elle pas de « la non”‘vérité » (83) et demeure”‘t”‘elle dans un indécidable entre”‘deux, celui”‘là même, peut”‘être, qu’explore la fiction de Lowry. Du reste, note aussi Derrida, il n’y a pas là l’effet d’un simple hasard, d’une coïncidence qui aurait fait entrer l’humanité dans l’ère de l’écrit alors qu’elle aurait tout aussi bien pu se contenter des formes d’expression orales, puisque « la parole […] est déjà en elle”‘même une écriture » (De la grammatologie 68). C’est pourquoi il prête attention aux analyses de Heidegger pour qui, d’emblée, « la langue ou la parole […] se dédit, […] se défait ou se détraque, […] déraille ou délire, se détériore, se corrompt tout aussitôt et tout aussi essentiellement » (Heidegger et la question 114).
 
Ce parallèle est instructif, ne serait”‘ce que parce qu’il dissuade de traiter l’obsession du plagiat largement attestée chez Lowry comme le simple effet d’une névrose personnelle : si la confiscation toujours possible d’un « signifiant à la disposition de tout le monde » (La Dissémination 165) et donc susceptible d’être arraisonné par le premier venu joue un tel rôle dans sa réflexion sur la littérature, il ne faut pas rechercher à cela des explications psychologiques, mais y voir l’expression lucide d’une interrogation sur ce qu’il en est de l’esprit humain dès lors que l’homme accepte de se définir, via une tradition écrite, comme un « animal doué de logos ». Cela dit, il importe également de situer précisément le niveau où la question se pose dans les textes de Lowry, et de noter qu’il se distingue de celui où se déploie l’analyse philosophique. Lowry n’examine pas le logos à la lumière d’une réflexion sur « l’écriture » considérée comme un concept problématique (éventuellement voué à produire les conditions de sa propre déconstruction), ni à celle d’une interrogation sur ce qu’« est » le geste d’écrire (quand bien même il en ressortirait qu’il existe entre la pratique de l’écriture et la pensée de l’être une antinomie indépassable). Chez Lowry, il n’y a pas d’écriture, il n’y a que des écrits singuliers, des cas particuliers impossibles à identifier autrement que sur le mode pragmatique : est écriture non ce qui est en adéquation avec une idée générale, mais ce qui fait office de trace lisible dans un contexte donné, sujet à des déterminations concrètes qui ne se retrouvent telles quelles nulle part ailleurs (d’où sans doute le privilège accordé dans son œuvre à la fiction romanesque, où la question de l’écrit n’est abordée qu’en situation). En d’autres termes, il ne s’agit pas d’opposer, aux savoirs fictifs, une compréhension exacte de ce que serait la fiction dont ils seraient tous issus, ni même, à l’instar de Derrida, la prise de conscience du trouble que cette interrogation sème dans toute enquête destinée à clarifier ce qu’il en est au juste du savoir en tant que tel. Il n’y a pas de savoir du particulier, seulement une expérience : l’écrit, chez Lowry, n’est pas l’enjeu d’une réflexion théorétique, mais un objet trouvé que l’on cherche tant bien que mal à s’approprier ; il est une étape d’un parcours de vie singulier et, à ce titre, s’avère indissociable d’un certain rapport au corps, à l’existence concrète de l’individu incarné qu’est le lecteur. Ainsi, même si la fiction apparaît bel et bien dotée d’une valeur épistémologique, ce n’est pas à l’ignorance, à l’incertitude ou à l’erreur qu’elle a in fine affaire, mais à la mort : en dernière analyse, la question du savoir apparaît chez Lowry comme le prolongement d’une interrogation éthique liée au terrible pressentiment de la finitude.
 
L’énoncé le plus concis de cette problématique se trouve dans « The Plagiarist » (« Le Plagiaire »), un court poème mis en chantier en 1939”‘1940, alors que Lowry termine la première version de Under the Volcano, puis achevé en 1945”‘1946, au moment où il met la dernière main à son grand roman. La deuxième section de ce texte de vingt”‘quatre vers se présente ainsi :
 
See the wound the upturned stone has left
In the earth ! How doubly tragic is the shape
Swarming with anguish the eye can’t see nor hear.
It is a miracle that I may use such words
As shape. But the analogy has escaped.
Crawling on hands and sinews to the grave
I found certain pamphlets on the way.
Said they were mine. For they explained a pilgrimage
That otherwise was meaningless as day[2].
 
On observera tout d’abord que ce poème écrit à la première personne du singulier ne doit pas être lu comme un texte autobiographique, même si l’on sait que l’homme Malcolm Lowry vivait dans la peur panique d’être accusé de plagiat (cette crainte était du reste tout sauf irrationnelle puisqu’il avait dû faire face en 1935 aux griefs d’un certain Burton Rascoe, qui lui reprochait à tort ou à raison d’avoir reproduit des passages d’une de ses nouvelles dans Ultramarine [1933], son premier roman ; Bowker 192”‘193). De prime abord, on serait plutôt tenté d’avancer qu’il s’agit du monologue dramatique d’un personnage archétypal, figure d’un drame allégorique à la manière de Robert Browning : le « je » du poème est un masque porté par un acteur dont il dissimule le visage et travestit la voix, il est le déguisement d’un individu qui ne s’appartient plus, puisqu’il n’intervient que pour faire don de sa plume à l’être de fiction qu’il convoque. Tout dissuade en effet de reconnaître une projection du « moi » auctorial dans un poème dont il ressort que se prétendre auteur, c’est avant tout réagir à l’absence de l’autos (et donc à l’impossibilité de l’autobiographie), autrement dit se reconnaître incapable de rien posséder en propre, à commencer par les mots que l’on écrit.
 
Ainsi, il y a là un masque ; mais quel est”‘il ? La persona adoptée est d’une identification incertaine ; on ne peut en parler qu’en termes négatifs, en indiquant ce qu’elle n’est pas. Le titre précise qu’il s’agit d’un plagiaire, voire du Plagiaire par excellence, mais cela ne rend pas le personnage plus facile à cerner puisque la seule chose que l’on sait de lui, c’est que les termes qu’il emploie ne sont pas les siens. Lyrique non moins que dramatique, le texte recourt ici au discours direct, comme pour donner au lecteur l’illusion d’avoir affaire à la parole authentique d’un sujet dont il recueille sans intermédiaire les désolants aveux. Pourtant, dans le même temps, le poème creuse entre l’énonciateur et l’énoncé un abîme difficile à franchir, de sorte que la teneur de ce qui est avancé ne renseigne pas sur celui qui, ici, dit « je ». Un paradoxe analogue se fait jour dans la première partie du poème lorsqu’un narrateur donne la parole au plagiaire dont les propos sont reproduits entre guillemets, comme dans un dialogue de roman : entreprise étrange si l’on songe que l’on reproche justement au plagiaire de n’avoir rien à dire.
 
Ce poème se prête à une lecture allégorique, a”‘t”‘on suggéré d’abord ; de fait, l’accent mis sur un type humain plus que sur un individu, l’allusion à un mode de comportement qui interroge de manière générale l’éthique de la littérature rendent cette hypothèse plausible. Pourtant, on s’aperçoit bien vite qu’il convient de la traiter avec une certaine prudence. L’allégorie est une modalité de la mise en rapport, puisqu’elle établit un lien entre deux niveaux distincts de signification ; or c’est ici le travail de la déliaison qui prime. Le poème, de par son sujet, procède à une mise en abyme de la distance qui sépare l’auteur, dépourvu de « soi » et incapable de réflexivité, du personnage au profit duquel il s’efface. Or ce personnage est lui”‘même errant, indistinct, sans identité, exclu de la sphère du langage, en quelque sorte hors « je ». Par principe et sauf exception miraculeuse, les mots lui sont interdits, y compris, suppose”‘t”‘on, le pronom de la première personne : « It is a miracle that I may use such words/As shape » — étrange formulation où le modal « may » dit la permission (accordée par qui ?). L’auteur se cache derrière un masque qui recouvre entièrement son visage ; or ce masque est entièrement lisse : au lieu de donner à voir d’autres traits que ceux de l’instance auctoriale, il montre ce qui demeure quand il n’en reste plus aucun, et le déguisement ne donne pas accès à une identité d’emprunt puisqu’il contribue au contraire à les abolir toutes. Dans ces conditions, on peut sans doute continuer à discerner dans ce texte quelque chose qui s’apparente à une variante de l’allégorie, mais à condition de préciser qu’il dessine ainsi la figure de ce qui justement rend l’allégorie impossible. « The analogy has escaped », note le « je » comme pour diagnostiquer le mal dont souffre un monde où l’on ne peut être sûr de rien, excepté de ce qui s’oppose à toute forme de rapprochement analogique. Certes, la formulation laisse entendre qu’une comparaison existe, même si elle se dérobe : il y a du langage (on le voit bien, puisque le texte est là, sous nos yeux), quelque chose est toujours”‘déjà articulé, ainsi que le suggère aussi la prière du plagiaire qui, au vers 3, s’exclame « Oh Great Articulate[3] », comme pour confirmer qu’au commencement il ya le Verbe. Ce n’est pourtant pas suffisant, car dans ce texte, c’est l’existence des mots qui, paradoxalement, oppose à la volonté de dire l’obstacle le plus infranchissable : le langage est partout sauf là où « je » suis, et « je » ne parviens pas à « m »’en saisir. Par conséquent, l’expérience que « j »’en ai est celle de la désarticulation, de la perte du logos, de l’échec de la ratio entendue comme faculté d’instaurer entre les choses ou entre les mots des rapports de signification.
 
Dire « m »’est interdit, et pourtant le poème existe : « je » parle. Cette parole ne s’appuie sur rien, excepté sur son propre arbitraire : « Said they were mine ». « Je » « me » donne, en le faisant, le droit de parler, par le truchement d’un énoncé performatif qui pourtant ne fonde rien, si par fondement on entend une assise solide, suffisante pour conférer une légitimité à l’édifice qu’elle soutient. Toute la difficulté naît, on l’a vu, de l’impossible rencontre entre le « je » et le dire ; or dans la phrase où « je » déclare que ces mots sont les « miens », le pronom de la première personne est élidé. Ce tour n’est pas sans évoquer la Verneinung ou dénégation freudienne, par laquelle le sujet oppose un déni vigoureux à une assertion que les termes mêmes auxquels il a recours confirment en sous”‘main : « je » prétends dire, mais en l’occurrence le dire ignore tout du « je », hormis qu’il fait défaut. L’énonciateur recourt à l’image, qualifiée de « tragique », de la pierre arrachée dont l’empreinte demeure visible dans la terre ; de fait, cet adjectif convient très bien à une situation où, via la figure, l’incompatibilité entre le « je » et les mots revient hanter l’énoncé qui, en un geste d’hybris, prétendait les surmonter.
 
Cette tragédie, on le notera, coïncide avec la naissance d’une fiction, c’est”‘à”‘dire d’un discours dont on ne peut évaluer a priori la capacité à renseigner son destinataire sur le monde extérieur. La phrase« Said they were mine » est l’aveu d’un mensonge, mais elle n’est pas elle”‘même mensongère, puisqu’en la prononçant « je » ne prétends pas faire illusion aux yeux de quiconque, pas même aux « miens » — différence essentielle avec la Verneinung freudienne dont il importe peu que personne ne soit dupe, pourvu que le locuteur demeure sourd à la véritable teneur de ce qu’il a dit. La situation est plus complexe : « j »’admets avoir menti ; en d’autres termes, « j »’apprends à « mon » interlocuteur que « j »’ai affirmé quelque chose que « je » savais inexact, tout en reconnaissant aujourd’hui ce qu’il en était de « mon » mensonge d’alors. Ce brouillage des frontières entre le vrai et le faux signale que « je » me situe en”‘deçà de cette opposition et que par conséquent celle”‘ci ne peut pas s’appliquer au discours que « je » tiens. Ici, le dire n’opère pas sur le mode de l’affirmation, mais sur celui de l’allégation, du reste d’emblée présentée comme douteuse : faut”‘il « me » croire quand « je » reconnais avoir menti, puisque « je » « me » présente du même coup comme quelqu’un dont les propos ne sont pas dignes de foi ? Un certain scepticisme semble être ici de mise, réaction naturelle à une parole dont il est impossible d’évaluer a priori la fiabilité puisqu’elle ne s’autorise que d’elle”‘même, de l’activité d’un énonciateur dépourvu de toute autorité, y compris sur les mots qu’il profère. Cela ne signifie pas nécessairement que cette parole soit irrationnelle ni absurde ; au contraire, un lecteur de Stanley Cavell observerait sans doute qu’elle est incertaine précisément parce qu’elle met à nu l’ambition exorbitante avec laquelle le discours de la raison, y compris sous les formes non poétiques du langage commun, se prétend en prise sur les choses (Domenach 503). Comme le note Cavell, il est toujours possible de douter de la véracité de tout ce qui se dit — a fortiori quand ce dire est ouvertement paradoxal, comme c’est le cas dans ce texte — car notre relation première au monde n’est pas fondée sur la certitude, sur l’appréhension intellectuelle et l’énoncé du vrai, mais sur la reconnaissance qu’il existe quelque chose en dehors de nous : « the human creature’s basis in the world as a whole, its relation to the world as such, is not that of knowing, anyway not what we think of as knowing » (241)[4]. En d’autres termes, si fiction il y a dans le poème de Lowry, celle”‘ci pourrait bien se retrouver, moins visible certes mais sous une forme identique, dans toute parole quelle qu’en soit la teneur — de sorte que tout logos se déploie sur fond de ce qui échappe au logos, et que la question préalable à l’émergence du savoir même le plus avéré n’est pas épistémologique, mais métaphysique, puisqu’elle touche aux limites de notre être.
 
On note bien, du reste, que l’enjeu ne consiste pas, chez Lowry, à disqualifier la cognition, mais plutôt à la mettre à sa juste place. « […] [T]hey explained a pilgrimage/That otherwise was meaningless as day », notent les deux derniers vers — formulation intéressante puisque la lumière du jour est, au moins depuis Platon, une des métaphores stéréotypées du vrai. Ici, le voir, à lui seul, est dépourvu de valeur épistémologique : il faut encore qu’il y ait les mots (les écrits, « certain pamphlets »), et surtout que ces mots soient revendiqués par un « je », acteur du « pèlerinage » qu’ils sont censés expliquer. Savoir, c’est expliquer le vécu singulier de l’individu en le rapprochant des principes généraux que véhicule le langage, lui qui, tout comme Dieu, est de tous temps et de tous lieux (« Oh Great Articulate, everywhere abroad[5] », implore le plagiaire dans la première partie du poème). La fiction a pour fonction problématique d’opérer cette mise en rapport, de relier ce que je vis dans mon corps (« hands and sinews ») à ce qui se dit ailleurs sans que « j »’y sois nommément désigné. À strictement parler, cette tâche est impossible puisque, comme on l’a vu, il n’a dans le discours de rapport, de ratio ou de logos que sur fond d’écart irréductible, d’arraisonnement du verbe au profit de l’énonciateur que sur fond d’une désappropriation sans appel. Pourtant, cela ne dissuade ni ne dispense d’essayer. A minima, à défaut de parvenir à comprendre qui « je » suis, il « me » reste toujours la ressource de chercher à savoir ce qu’il en est de cet échec, d’expliquer comment « je » m’y suis pris pour tenter de me rapprocher du but et d’identifier les obstacles rencontrés en chemin. Dans le poème de Lowry, ce retour réflexif justifie l’emploi du prétérit qui marque la distance entre l’instant évoqué (celui où « je » revendique certains écrits comme « miens ») et l’instant de l’énonciation, celui où son évocation a lieu : « Said they were mine ». Non seulement le texte attire ainsi l’attention sur le lien indissoluble entre savoir et fiction, mais il suggère que cette fiction est nécessairement narrative puisqu’elle postule — hypothèse risquée, le poème le montre bien — l’existence d’un « je » à qui arrive d’abord une chose, puis l’autre. Par fiction narrative, l’on n’entend pas forcément le récit romanesque ni quoi que ce soit que l’on puisse enfermer dans les limites d’un genre littéraire prédestiné, le cas de ce poème lyrique le prouve. Cette formulation renvoie plutôt à la narration embryonnaire que tout discours comporte dès lors qu’il opère un retour explicite sur les moments successifs de sa propre élaboration. En ce sens, le récit romanesque n’est pas une modalité parmi d’autres de l’expression verbale, mais la tentative délibérée de pousser plus avant l’exploration d’une voie ouverte dès lors qu’il y a parole ; il est l’effort accompli en vue de compenser l’impossibilité ou l’échec du dire au moyen d’un discours qui, a contrario, dit cette impossibilité même.
 
On notera que, dans le texte de Lowry, tout cela passe avant tout par l’écriture. Non que le « je » soit plus légitime quand il se fait entendre dans le discours oral, ni que les mots « m »’appartiennent davantage quand je les prononce au lieu de manier la plume : le texte parle bien de ce qui se passe quand « je » fais usage des mots (« that I may use such words »), sans autre précision. Cela dit, en établissant de manière incontestable que le langage est un objet trouvé, telle la pierre arrachée au sol, l’écrit favorise le retour réflexif sur ce qui permet ou freine son appropriation. C’est ce que suggère la première partie du poème :
 
The fake poet sat down in his gilt
Took borrowed plume and wrote this humble verse.
« Oh Great Articulate, everywhere abroad,
To whom the soaring bridge and symbol road
Are attestation, […]
Some oblique and unique greatness yield
To him who plagiarised a book on stealing[6]. »
 
Les deux vers sur lesquels se termine ce passage font entendre le premier aveu du plagiaire, à distance de l’expression « Said they were mine » qui dès lors sonne comme un ajout ou une explicitation. On notera que cette « humble » évocation d’un crime relatif à l’écriture a pour particularité de faire elle”‘même appel à la médiation de l’écrit ; la faute est donc répétée en même temps qu’avouée puisque le scripteur manie une plume d’emprunt, « borrowed plume ». Ainsi, le texte achève de tracer un cercle vicieux dans lequel la seconde reconnaissance de culpabilité, « Said they were mine », ne s’inscrit pas avec la même évidence : « je » mens, puis « j »’admets que « j »’ai menti, mais cet aveu est à nouveau un mensonge qu’il va falloir avouer à son tour, etc. — situation qui non seulement oblige à recourir à la narration (puisque les retournements qui la définissent ne peuvent être évoqués que successivement), mais qui, de surcroît, impose à ce récit de tourner en rond. Surtout, « je » suis bien obligé de reconnaître à cette occasion que le plagiat « me » permet d’exister et, simultanément, « me » renvoie au néant. Par définition, le plagiaire s’attribue abusivement la paternité d’un écrit ; par conséquent, il n’est pas stricto sensu coupable de plagiat quand il se contente de parler (même si les mots qu’il emploie ne sont pas les siens), ce qui pourrait faire accroire qu’il « m »’est possible de « m »’exprimer en mon propre nom. En revanche, l’écriture ne connaît que des mots empruntés ; le « je » lui”‘même n’y a d’existence qu’oblique (« some oblique and unique greatness yield ») comme si elle n’admettait que l’oratio obliqua, appellation du discours indirect dans la rhétorique classique. Le sujet — c’est à cela sans doute qu’on le reconnaît — revendique son unicité, celle du monarque qui va s’asseoir sur son trône doré (« gilt ») pour y jouir de sa solitude grandiose. Il n’en reste pas moins que ce terme anglais désigne ce qui n’a de l’or que la surface, mais non l’épaisseur substantielle : la royauté dont il s’agit est factice (« fake »), et l’éclat dont le « je » impérial s’environne n’est que le rayonnement visible de la faute (« guilt », homophone de « gilt ») qui le constitue. En d’autres termes, c’est l’écriture qui, le plus clairement, révèle que l’on ne peut espérer acquérir un savoir du « je », et cela pour la bonne raison que le « je » n’existe pas : il se présente comme l’effet d’une action qui suscite un sentiment de culpabilité et non comme une entité susceptible d’être pris en compte de manière autonome. Pas de « je » sans écriture, a”‘t”‘on dit, mais pas d’écriture qui, du même coup, ne vise à expulser le « je » de la sphère de l’être, ou si l’on préfère qui n’œuvre à sa mise à mort : « Crawling on hands and sinews to the grave », note l’énonciateur — expression ambiguë puisque ramper (« crawling »), c’est se déplacer comme le jeune enfant qui n’a pas encore appris à marcher, mais c’est aussi, dans ce poème, le dernier geste du mourant.
 
Entre ce qui apparaît à la lecture de « The Plagiarist » et Under the Volcano, les analogies sont frappantes. Tout d’abord, le roman développe une narration circulaire, construite de telle sorte que le premier chapitre fait office d’épilogue autant que d’introduction : il se déroule un an après les faits racontés dans les onze suivants ; ainsi, la dernière page renvoie à la première et la lecture est vouée à demeurer interminable. Deuxièmement, cette structure cyclique apparaît liée à l’enfermement du protagoniste dans une culpabilité sans nom ni cause assignable qui dépasse par son intensité tout ce que le récit de sa vie semble justifier ; liée au simple fait d’exister plutôt qu’au souvenir d’une action précise, la conscience de la faute est notamment figurée par une usurpation d’identité, puisque celui que la narration appelle le Consul n’a plus le droit de porter ce titre depuis que la Grande”‘Bretagne, son pays, a rompu ses relations diplomatiques avec le Mexique où il réside. Troisièmement, le récit ainsi structuré a pour sujet l’interminable destruction d’un sujet, sa mise à mort progressive — assassinat ou suicide, on ne sait, puisque les événements qui le mènent à sa perte se présentent à la fois comme une série de tragiques injustices et comme l’effet d’une entreprise d’auto”‘destruction délibérée. En même temps, la narration met l’accent sur sa remarquable résilience : le personnage dont il s’agit n’a pas d’autre mode d’existence que son épuisement même ; en persévérant dans la voie qui mène à la perte de soi, il persévère dans l’être, comme s’il n’y avait pas pour lui de différence entre ce qui le tue et ce qui le fait exister. Enfin, tout cela apparaît lié, dans Under the Volcano, au rapport que le protagoniste entretient avec l’écriture, clef d’un savoir fictif qui se substitue à l’appréhension de l’inconnaissable. « [I]t is perhaps a good idea under the circumstances to pretend at least to be proceeding with one’s great work on “Secret Knowledge,” then one can always say when it never comes out that the title explains this deficiency[7] », note”‘t”‘il dans une lettre à son épouse Yvonne (39) — aveu désabusé d’une pratique du faux”‘semblant qui recourt à une science fictive pour justifier, sous couvert de logique, l’impossibilité du dire.
 
Au chapitre III de Under the Volcano, le Consul feuillette avec Yvonne un magazine d’astronomie, discipline qu’elle a étudiée à l’Université de Hawaii.
 
A magazine she’d been reading dropped to the floor. […] The magazine was the amateur astronomy one she subscribed to and from the cover the huge domes of a observatory, haloed in gold and standing out in black silhouette like Roman helmets, regarded the Consul waggishly. « The Mayas, » he read aloud, « were far advanced in observational astronomy. But they did not suspect a Copernican system. » He threw the magazine back on the bed and sat easily in his chair, crossing his legs, the tips of his fingers meeting in a strange calm, his strychnine on the floor beside him. « Why should they ? . . . What I like though are the “vague” years of the old Mayans. And their “pseudo years,” musn’t overlook them ! And their delicious names for the months. Pop. Uo. Zip. Zotz. Tzec. Xul. Yakin. »
« Mac, » Yvonne was laughing. « Isn’t there one called Mac ? »
« There’s Yax and Zac. And Uayeb : I like that one most of all, the month that only lasts five days. »
« In receipt of yours dated Zip the first !— »
« But where does it all get you in the end ? » The Consul sipped his strychnine […]. « The knowledge, I mean. One of the first penances I ever imposed on myself was to learn the philosophical sections of War and Peace by heart. That was of course before I could dodge about in the rigging of the Cabbala like a St. Jago’s monkey. But then the other day I suddenly realised that the only thing I remembered about the whole book was that Napoleon’s leg twitched — » (81”‘82)[8]
 
Dans ce passage, se rencontrent plusieurs savoirs au statut apparemment très différent, au fil d’une énumération qui chemine du plus incontestable au plus incertain, de la certitude positive au questionnement le plus hasardeux. Tout d’abord, le magazine évoque la science astronomique des anciens Mayas, qu’il compare avec bienveillance à celle des Occidentaux modernes (figurée par les dômes de l’observatoire et par l’allusion au système copernicien). La narration en profite pour mentionner les connaissances d’ordre anthropologique sur lesquelles ces mêmes Occidentaux s’appuient pour aborder les cultures étrangères et le passé lointain. Ce savoir au second degré, qui relève de l’histoire des idées scientifiques, semble tout aussi fiable que les compétences des astronomes mayas puisque le Consul se montre capable de réciter par cœur leur calendrier et d’en décrire avec précision les particularités. Le personnage évoque ensuite sa connaissance d’un corpus ésotérique dont le Zohar est la pièce maîtresse. Un glissement s’opère ici, de l’histoire des sciences à celle des idées religieuses : en effet, le savoir révélé que transmet la Kabbale n’est pas scientifique, ni au sens des modernes, ni à celui des Mayas car il n’est pas fondé sur l’observation, à la différence de l’astronomie précolombienne. Cela dit, le Consul dit la connaître aussi bien que le calendrier maya ; plusieurs fois évoquées dans le roman, ses connaissances en matière de philologie hébraïque sont présentées comme tout à fait sûres. Enfin, au terme de cette gradation, le personnage évoque sa fréquentation de la littérature et s’attarde sur un cas particulier, celui de Guerre et Paix. C’est alors que, pour la première fois, ses connaissances sont prises en défaut : le roman de Tolstoï confronte cet esprit encyclopédique à une limite, qui est d’abord celle de ses facultés de mémorisation.
 
Il n’est sans doute pas indifférent que la question de la mémoire se pose à propos d’un texte littéraire, c’est”‘à”‘dire d’un ouvrage qui doit sa légitimité culturelle au rapport réflexif qu’il entretient avec sa propre nature de document écrit, à la différence par exemple de l’article de journal dont la fonction se résume à transmettre des informations pertinentes : ici se laisse percevoir un écho du Phèdre de Platon, et notamment du célèbre passage où le roi d’Égypte, devant la nouvelle invention qu’est l’écriture, s’inquiète de l’amnésie qu’elle risque de causer parmi les humains. Qui plus est, la littérature est représentée en l’occurrence par un roman historique riche en développements philosophiques, autrement dit par un récit qui, à l’intrigue inventée, mêle une part de vérité (par exemple en évoquant Napoléon), et qui fait de ce mélange l’occasion d’un questionnement explicite sur le rapport entre savoir, logos et fiction. Ici se joue le drame du Consul qui, malgré ses qualités de lecteur, se découvre incapable de s’approprier ce que l’écriture articule, et qui par conséquent doit se satisfaire des aléas d’une existence corporelle dont les dérèglements pathologiques annoncent sa mort inévitable (« Napoleon’s leg twitched », se remémore”‘t”‘il en sirotant la boisson à base de strychnine que son demi”‘frère Hugh lui a recommandée dans le vain espoir de soigner son alcoolisme).
 
Ce moment ne marque pas seulement le terme d’une progression soigneusement ménagée ; c’est aussi celui où devient explicite une interrogation déjà présente aux étapes antérieures. A posteriori, on s’aperçoit en effet que tous les autres savoirs énumérés dans ce passage ont eux aussi trait aux diverses modalités de l’écriture. Autant qu’une mystique, la Kabbale propose une herméneutique ; elle illustre une approche de l’Écriture sainte que gouverne le rapport à la lettre, d’où la pratique de la gematria à laquelle le Consul fait allusion dans d’autres passages du roman. Quant aux plaisanteries d’Yvonne sur le calendrier maya, elles reposent sur la combinaison humoristique de noms de mois pour le moins exotiques avec les formules toutes faites de la correspondance d’affaires (« In receipt of yours dated Zip the first ! — »). Cela n’a rien pour surprendre puisque l’astronomie est d’abord évoquée par le truchement d’un magazine illustré dont le Consul cite un extrait à voix haute : le savoir scientifique se trouve donc associé dès l’abord à la maîtrise de la lecture, censée permettre à quiconque en dispose de s’approprier ce qui est écrit et de l’incorporer à son propre discours. En fin de compte, il n’y a dans ce passage de savoirs que médiatisés par l’écriture, ce qui suggère que les inquiétudes suscitées par le travail littéraire de la lettre ne sont pas sans conséquences pour eux tous : à un certain niveau, il n’y a pas de différence entre ce qui reste du propos philosophique développé dans Guerre et Paix et ce que nous savons de la course des astres, car tout cela, du discours de vulgarisation (« amateur astronomy ») à la réflexion la plus ésotérique, est renvoyé par l’action corrosive de l’écrit au statut de construction incertaine, à l’instar des « pseudo”‘années » et des mois de cinq jours qui confèrent au calendrier maya, pourtant fondé sur l’observation du ciel, l’allure d’une divertissante fiction borgésienne.
 
« But where does it all get you in the end ? » demande le Consul. « The knowledge, I mean. » (82) « Cui bono ? » (« À quoi bon ? ») interroge à son tour Hugh au chapitre IV (102) en écho à un célèbre passage de Cicéron (Ackerley & Clipper 157). Questions rhétoriques, car ce que le texte montre, c’est que le savoir n’est pas tout, ni même peut”‘être l’essentiel. Ce n’est sans doute pas un hasard si, du grand roman de Tolstoï, les souvenirs du Consul ne retiennent qu’un fragment infra”‘signifiant, le tressautement nerveux d’une jambe, notation invérifiable qui, à la manière d’un effet de réel, renseigne moins sur tel ou tel aspect de la campagne de Russie qu’elle ne renvoie, sans autre précision, à l’existence du monde où la littérature va puiser de quoi donner forme à ses fictions. Synecdoque d’une expérience de vie, la jambe de Napoléon est aussi l’illustration exemplaire de la résistance qu’oppose le particulier à la généralisation ; elle interrompt la continuité du discours narratif ou argumentatif et, dans ce roman qui propose une vision panoramique de l’histoire enfin rendue intelligible, elle traduit l’insistance avec laquelle le détail dans sa singularité excède toutes les interprétations pour se graver seul dans la mémoire du lecteur, abstraction faite du contexte susceptible de lui donner un sens. En d’autres termes, renvoyée par les souvenirs imprécis du Consul à son statut d’objet trouvé, cette vision fugitive n’est pas sans présenter des affinités avec la lettre, avec la marque inscrite sur la page, qui certes peut se prêter au travail de l’interprétation à condition qu’elle soit comprise comme l’un des éléments d’une articulation signifiante, mais qui se présente par ailleurs comme un tracé singulier, doté d’irréductibles idiosyncrasies en vertu desquelles elle fournit la matière d’une expérience plutôt que d’un savoir. Dès le chapitre I, la narration prend soin de signaler que le destin du Consul est d’abord celui de l’écrit et que les vrais héros de ce roman ne sont autres que les signes dont le texte se compose, à la faveur d’un jeu sur le mot anglais « character » qui désigne à la fois le « personnage » et le « caractère d’imprimerie » : « [T]here was no mistaking […] the hand, half crabbed, half generous, and wholly drunken, of the Consul himself, the Greek e’s, flying buttresses of d’s, the t’s like lonely wayside crosses save where they crucified an entire word, the words themselves slanting steeply downhill, though the individual characters seemed as if resisting the descent, braced, climbing the other way. » (35)[9] Jacques Laruelle se fait cette réflexion alors qu’il cherche, en parcourant de vieux papiers, à comprendre ce qui a causé la perte de son ami disparu un an plus tôt ; comme le signale l’allusion à la Grèce, son ambition est d’élaborer un savoir de la tragédie, d’en faire le moment spéculatif d’un parcours qui, à l’instar de la Crucifixion, se donne l’absolu pour horizon. Cela dit, sa remarque signale aussi que l’écrit est toujours du côté du singulier, du reste irrécupérable qui subsiste à l’issue de toute tentative d’interprétation : du « e » grec (« ε ») à son équivalent latin, la différence ne se laisse pas expliquer par l’écart entre deux significations, mais par le rapport particulier du corps écrivant (« hand ») à la lettre dans sa matérialité, par les modalités concrètes de la rencontre entre un individu promis à la mort et les marques qu’il découvre au bord de la route (« wayside crosses »), à charge pour lui de s’y retrouver ou de s’y perdre. « Crawling on hands and sinews to the grave » : c’est bien cela, disait déjà « The Plagiarist », qui définit d’abord le trajet incertain de la fiction.
 
Annexe
« The Plagiarist »
 
The fake poet sat down in his gilt
Took borrowed plume and wrote this humble verse.
“Oh Great Articulate, everywhere abroad,
To whom the soaring bridge and symbol road
Are attestation, and to whom the ship is
As a poem man wrote to the sea
Dedicated to man’s trade and foundering,
As a poem and—multitudinously inscribed—
To the ubiquitous foundering of man
And if my heart refused to freeze in a rhyme,
At least my suffering was not more fake than iron.
Some oblique and unique greatness yield
To him who plagiarised a book on stealing.”
Who exhausted not its usefulness at once
In that it serves us as a symbol of life and death.
 
See the wound the upturned stone has left
In the earth! How doubly tragic is the shape
Swarming with anguish the eye can’t see nor hear.
It is a miracle that I may use such words
As shape. But the analogy has escaped.
Crawling on hands and sinews to the grave
I found certain pamphlets on the way.
Said they were mine. For they explained a pilgrimage
That otherwise was meaningless as day.
(204-205)
 
 ISSN 1913-536X ÉPISTÉMOCRITIQUE (SubStance Inc.) VOL. X
 
Ouvrages cités
 
Ackerley, Chris, et Lawrence J. Clipper, A Companion to Under the Volcano, Vancouver, UBC Press, 1984.
Bowker, Gordon, Pursued by Furies : A Life of Malcolm Lowry, Londres, HarperCollins, 1993.
Cavell, Stanley, The Claim of Reason : Wittgenstein, Skepticism, Morality, and Tragedy, Oxford, Oxford University Press, 1979.
Derrida, Jacques, De la grammatologie, Paris, Minuit, 1967.
———, Heidegger et la question. De l’esprit et autres essais, Paris, Flammarion, 1990 (1987).
———, La Dissémination, Paris, Seuil, 1972.
Domenach, Élise, « Stanley Cavell : les chemins de la reconnaissance », Revue Philosophique de Louvain 96-3 (1998), pp. 496-511.
Lowry, Malcolm, Au”‘dessous du volcan, Stephen Spriel (trad.), Paris, Gallimard, 1959 (1947).
———, lettre à Jonathan Cape du 2 janvier 1946, Sursum Corda ! The Collected Letters of Malcolm Lowry, Sherrill E. Grace (éd.), vol. 1 (1926”‘1946), Londres, Jonathan Cape, 1995, pp. 498”‘528.
———, « The Plagiarist », The Collected Poetry of Malcolm Lowry, Kathleen Scherf (éd.), Vancouver, UBC Press, 1992, pp. 204”‘205.
———, « Préface », Au”‘dessous du volcan, Stephen Spriel (trad.), Paris, Gallimard, 1959 (1948).
———, Under the Volcano, Londres, Picador, 1990 (1947).


[1] Devenue proverbiale, l’expression anglaise « writing on the wall » fait directement référence à l’épisode biblique du festin de Balthazar (Dn 5:1”‘34), ce que la traduction française ne laisse qu’imparfaitement percevoir.
[2] « Voyez la blessure que la pierre retournée a laissée / dans la terre ! Qu’elle est tragique, doublement tragique, cette forme / où pullule une angoisse que l’œil ne voit ni n’entend. / C’est un miracle qu’il me soit permis d’employer des mots / tels que “forme”. Mais l’analogie s’est enfuie. / Alors qu’à la force du poignet, les muscles bandés, je me traînais jusqu’à la tombe / je trouvai certains opuscules sur mon chemin. / Déclarai qu’ils étaient miens. Car ils expliquaient un pèlerinage / qui autrement était aussi dénué de sens que la lumière du jour. » (Ma traduction)
[3] Cette expression est difficile à traduire. En anglais, « articulate » est un adjectif qualifiant une personne qui s’exprime avec aisance. Ici substantivé, il désigne le « Grand Orateur » divin, à cette réserve près que le terme « articulate » fait étymologiquement référence à l’articulation signifiante, ce qui n’est pas le cas de cette traduction possible.
[4] « [L]es relations de la créature humaine au monde dans sa totalité, son rapport au monde en tant que tel, ne se fondent pas sur la connaissance, du moins pas au sens où nous entendons ce terme » (ma traduction).
[5] « Everywhere abroad » = « présent de toutes parts ».
[6] « Le faux poète s’assit parmi ses dorures / se saisit d’une plume empruntée et écrivit ces humbles vers. / “Oh Grand Orateur, présent de toutes parts, / dont le pont qui s’élance vers le ciel et la route symbolique attestent l’existence, / […] accorde quelque grandeur, oblique et unique. / à celui qui plagia un livre sur le vol.” » (Ma traduction)
[7] « [C]’est une bonne idée peut”‘être, vu les circonstances, de feindre pour le moins de poursuivre son grand travail sur le “Savoir Secret” car on peut toujours dire, s’il ne paraît jamais, que le titre en explique l’absence. » (Au”‘dessous du volcan 93)
[8] « Un magazine qu’elle lisait tomba par terre. […] Le magazine était cette revue d’astronomie d’amateurs à laquelle elle était abonnée, et de dessus la couverture les dômes énormes d’un observatoire, détachant en noir leur silhouette de casques romains auréolés d’or, lorgnaient le Consul gouailleusement. “Les Mayas,” luit”‘il tout haut, “étaient fort avancés dans l’astronomie d’observation. Mais ils ne soupçonnaient pas l’existence d’un système de Copernic.” Il rejeta le magazine sur le lit et s’assit à l’aise, jambes croisées, les bouts des doigts unis dans un calme singulier, sa strychnine à terre près de lui. “Pourquoi l’auraient”‘ils soupçonnée ?… Mais ce que j’aime, ce sont les années “vagues” des vieux Mayas. Et leurs “pseudo”‘années”, faut pas rater ça. Et leurs délicieux noms de mois. Pop. Uo. Zip. Zotz. Tzec. Xul. Yaxhin.” / “Mac”, Yvonne riait. “N’y en a”‘t”‘il pas un appelé Mac ?” / “Il y a Yax et Zac. Et Uayeb : j’aime entre tous celui”‘là, le mois qui ne dure que cinq jours.” / “Au reçu de votre honorée en date du 1er Zip ! —” / “Mais où nous mène tout cela en fin de compte ?” Le Consul buvait à petits coups sa strychnine […] “Le savoir, je veux dire. L’une des premières pénitences que je me sois jamais imposées fut d’apprendre par cœur la partie philosophique de La Guerre et la Paix. Bien sûr c’était avant que je ne puisse voleter de”‘ci de”‘là dans les agrès de la Kabbale comme un singe de St. Iago. Mais voilà que l’autre jour je me rends compte soudain que la seule chose que je me rappelais de tout le livre, c’est que Napoléon avait un tremblement dans la jambe…” » (Au”‘dessous du volcan 158”‘159)
[9] « [I]l n’y avait point à se méprendre, même dans la clarté indécise, sur l’écriture mi”‘ample mi”‘recroquevillée, et totalement ivre, du Consul lui”‘même, les e grecs, les d en arcs”‘boutants, les t comme des croix solitaires au bord de la route, sauf quand ils crucifiaient tout un mot, les mots mêmes dégringolant une côte à pic, quoique chaque lettre à part parût résister à la pente et, se raidissant, grimper en sens contraire. » (Au”‘dessus du volcan 86)



Introduction : Inner Voices and Representation of Inner Spaces

What is this little voice in our head? What is it used for? Why talk to ourselves, silently or out loud? What are the forms and modes of inner language? And what role does it play in our relationship to literature, theater, film? In spite of the abundant studies that have been published these last forty years, mostly in English, most account of inner speech begin with the avowal of a lack of comprehension (see for example, the recent monograph by sociologist Norbert Wiley, 2016). Let us attempt to go beyond such avowal by distinguishing the questions that have polarized research, the disciplinary configurations of this research, and their possible deficiencies (for a fuller state of the art on inner speech, see Bergounioux, 2001, and Smadja, forthcoming). Within the study of inner speech, important zones remain unexplored; one of these is inner space – the mental representation and experience of space – as it has mostly been discussed in an indirect and/or metaphorical manner, when it is discussed at all. This can be surprising, as inner speech appears as a crucial tool for the construction of the imagined spaces that we daily inhabit, when we remember familiar environments, when we project ourselves in the fictional spaces of a novel, when we daydream, or when we plan a trip to an actual place. The current issue of Epistemocritique – A journal of literature and knowledge explores this zone, at the conjunction of inner space and inner speech. To orient ourselves in this exploration, we propose in this introduction a few milestones that have been structuring the field of inner speech studies.

During the second half of the XIXth century, inner speech is the object of a number of reflections, mainly in France but also in other European countries such as Germany. In France, a clear opposition appears between philosopher Victor Egger (1881), and physicians Gilbert Ballet (1886) and Georges Saint-Paul (1892, 1905, 1912), both of whom are followers of Ribot and Charcot. This opposition is not so personal as it is disciplinary and ideological; Eggers defends a philosophical tradition which includes theological, psychological, linguistic and literary aspects, while Ballet and Saint-Paul represent the new medical discourse, proclaiming its scientific nature, and approaching psychology through physiology. That Georges Saint-Paul would coin the term endophasia, a synonym of inner speech, is symptomatic of this new positivist discourse. Beside these scholarly debates, French writer Édouard Dujardin publishes the very first interior monologue (1887), an innovation recognized only in the 1920s. Other arts like poetry, painting, theater and music also participate, at the turn of the XXth century, in this new interest for interiority and its representation (see Jenny 2002).

In the decades that precede the Second World War, the emergence of psychoanalysis, with its central notion of the unconscious, change the way we understand subjectivity and thus inner speech: this evolution is perceptible in the work of Charcot’s disciples, but not in that of Egger. During this period, two psychologists appear, who will push the study of inner language toward that of egocentric speech (the monological discourse of children): the Swiss Jean Piaget, who invents the term, and the Russian Lev Vygotski, who dies in 1934 (at the young age of 37), before seeing the publication of Thought and Language, maybe his most remarkable work, that same year. This monograph will remain unknown in the West until 1962, when it is finally translated in English. This first translation, however, is incomplete, and we have to wait until 1985 for a first integral translation, in French, by Françoise Scève, followed by a new, more complete English version. With this work, Vygotsky revolutionizes the study of endophasia, considering its linguistic forms but also its beneficial functions, mostly neglected until then, except maybe in its literary representations through interior monologue and stream of consciousness.

When Vygotsky’s French translation appear, in the 1980s, structuralism is becoming a thing of the past, and a number of notions such as consciousness and subjectivity are once again attracting the attention of scholars and scientists[1], favoring a renewed interest in inner speech. The new dynamism of neuroscience, starting in the 1970s – but prepared by illustrious ancestors, notably specialists of aphasia and psychologists such as Freud – also contributed to the field’s explosive development during the last decades of the XXth century. This development is equally due to researches made in psychology and philosophy and, quite independently, in literary studies; all the while, linguistics has been slow to consider the topic, except, in France, with the works of linguist Gabriel Bergounioux (2004) and of neuro-linguist Hélène Lœvenbruck (2014, 2016). Also in France, Guillaume, and to a lesser extent, Culioli, have explored the topic, along a few others. In the United States, developmental psychologist Katherine Nelson (1989, 2005) has produced important work from the study of young Emily’s monologues in the crib.

What is the state of this expanding field, today? How do we now think about inner speech? In French, we use a number of slightly diverging phrases to designate it. « Inner language » is the broadest, evoking not only linguistic, but also visual or auditory languages. « Inner discourse » is mostly used by specialists of stylistics or by linguists, and the same holds true for « endophasia, » even though the expression originally comes from medicine. « Inner speech » is a hyponym for « inner language » and designates the verbal component of inner life. In recent years, the functions and contents of inner language have been abundantly analyzed. The components of inner life (speech, images, emotions, sensations) have been studied by Hurlburt and colleagues (2011). Although less studied than that of overt speech, the neuronal functioning of inner speech has become the object of attention these last years. The research program Inner Speech (funded by the French National Agency for Research, and directed by Hélène Lœvenbruck at the Neurocognition and Psychology lab at Grenoble University) has generated crucial developments in the domain, synthetically presented in her article in the present issue. Her team has for example helped us distinguish between deliberate inner speech and mental wandering, a form of « meandering thought » central to Christof Diem’s study of Sarah Kane’s play 4.48 Psychosis. « Endophasic formulae, » to re-use Georges Saint-Paul’s expression (talking to oneself, writing and reading one’s thoughts) have been less frequently studied, and the main lacuna in the domain remains the linguistic forms of inner speech. This is due to the lack of methods for collecting and establishing a corpus, a lack the 2R Monologuer protocol presented by Smadja in this issue aims at remediating. Since 2010, Monologuer[2] is the first international research project to account for inner speech through an extensively interdisciplinary framework, using linguistics as a platform to reunite specialists coming from literary studies, neuroscience, philosophy, medicine, musicology, and sociology. Over forty-five researchers are now involved, but also artists and other civil society actors. We are comparing artistic representations and real-life restitutions to examine inner speech under its many guises. Our approach combines fundamental research, research-action (through our collaborations with Doctors of the World, or with hospitals), and research-creation (for the moment essentially focused on dance and theater). A dedicated collection (« Monologuer ») has also been created by Hermann editions, under the direction of Stéphanie Smadja.

While staying true to its literary vocation, the current issue of Epistemocritique reflects the interdisciplinarity of this research program, which is essential if we are to better understand the complex relation between inner speech and inner space. Indeed, if most of the contributions here reunited cross the borders of literary studies (or sit squarely outside it, for example: Lœvenbruck’s neurolinguistic article), they all supply us with methodological or conceptual tools to approach literature, an artistic practice that mobilizes inner speech (that of both reader and writer) with particular strength. By opening its pages to forms of knowledge built through methods little used in literary studies (for example, experimental protocols and fieldwork in the case of Smadja’s and Paulin’s investigation of inner speech in prison environments), this issue of Epistemocritique endows us with precise observations on some of the cognitive and bodily processes through which texts come to life. Resolutely contemporary, epistemocritique here benefits from the most up-to-date researches on inner speech to ask fresh questions to literature, theater or film. Such interrogations prolong a history of literary studies borrowing tools from linguistics, a history on which Smadja, in her contribution « Inner speech: a new protocol, » builds a methodological proposition for the study of this elusive phenomenon.

Psychological studies of inner speech have generally adopted one of two methods: the random beeper (or DES, for « descriptive experience sampling, » described in Hurlburt 2011) or the retrospective questionnaire (Georges Saint-Paul 1892). We could also consider psychoanalytical sessions, when inner speech is exteriorized, as a possible approach, although the presence of the analyst might constitute a disruptive factor. Likewise, the retrospective questionnaires present a major disadvantage, residing precisely in their retrospective character: representation then becomes reconstruction. Is this an inescapable problem? Although inner speech cannot be accessed directly, measurement bias can still be limited, for example through the use of the random beeper. Developed by Hurlburt and colleagues in the 1970s, it is kept by participants at all time, and it rings from six to eight times a day, during three to seven days. When it rings, the participant reports what was passing though her mind. After three to seven days, an interview is conducted in person by the experimenter, to discuss explicitly the inner experience of the participant. This method has two main advantages: firstly, the participant is not influenced a priori by an epistemological framework, as he takes notes before any interview or question by the researchers; secondly, the beeper rings randomly so the participant never knows when she will have to note her inner experience. The transcription remains however slightly retrospective. More of a problem, maybe, is the relatively small number of occurrences for each experiment and participant, which does not allow the elaboration of general quantitative hypotheses. Such general hypotheses have however been elaborated through the combination of more than thirty years of research by Hurlburt and his team.

In 2014, a new research protocol was elaborated for the Monologuer program (see the monographs by Smadja, and Smadja and Paulin (both forthcoming) for a detailed description of the protocol; see also the related article in the present issue). This protocol has been refined by the research team working on real-life corpora (notably Catherine Paulin, Gabriel Bergounious, Hélène Lœvenbruck, and Louis Hsiang-I-Lin) and by the participants, whose suggestions have been incorporated as the project evolved. In October 2018, 113 participants had experimented the protocol, a number that allowed the elaboration of qualitative and quantitative hypotheses on the forms and functions of inner speech. Finally, the neurological experiments recently made possible by the development of neuroimaging techniques have opened the way to a new confrontation of results gained by introspective methods and by physiological measurements (see for example Fernyhough and Alderson-Day).

Starting from these various sources of information, we can interrogate the forms taken by specific aspects of inner life and language, such as its relation to inner space. Inner space appears linked to the verbal, but also to the visual and kinesthetic aspects of inner life. The latter, sensorimotor dimension, has mainly been considered through the question of spatial navigation (see for example Epstein 2008, Kravitz et al., or the studies of grid cells and place cells), or of our interactions with the objects that surround us (Filimon et al. 2007). As for the verbal representation of space, it has been analyzed from four main angles: from a semantic angle, within a linguistic perspective (see for example Jeanne-Marie Barbéris 1998, which however deals only with overt expression of spatial representations); from the angle of comprehension, within literary texts or ordinary language (see especially Irrazabal & Burin 2016, but also AbdulSabur et al. 2014, Chow et al. 2013, Ferstl et al. 2007, Speer et al. 2009, Zwaan et al. 1999); from poetical or philosophical angles (Papasogli 2000, Beugnot 2002, Chrétien 2014); and finally in the context of studies on working memory (Logie 1995, Brunye & Taylor 2008, De Beni et al. 2005, Gyselinck et al. 2007).

In this issue, it is through embodied cognition and elements extracted from Lœvenbruck’s researches on inner speech that Pierre-Louis Patoine discusses the reader’s embodied, gendered experience of movement through imagined spaces during her encounter with Hemingway’s The Sun Also Rises and Henry James’ The Aspern Papers. It is also through literature that Béatrice Bloch (discussing the novelistic work of François Bon) and Jean-Michel Caralp (on Kafka) investigate the inner experience of private and public spaces, an experience also explored through on site, real-life investigation (Smadja and Paulin’s work on the inner speech of prisonners). Finally, film (Isabel Jaén on Benito Zambrano) and theater (Christof Diem on Sarah Kane) are examined in their relation to inner life. This issue reflects the interdisciplinary approach integral to the study of inner speech, with contributions coming from neuro-linguistics (Lœvenbruck), linguistics (Smadja and Paulin), literary studies (Bloch), psychoanalysis (Caralp), philosophy and theater studies (Diem), and film studies and cognitive science (Jaén). The issue begins with linguistics and ends with neuro-linguistics, and forms along the way subcategories such as the representation and experience of space in prison (Smadja and Paulin, Bloch, Jaén), the synthesis of recent findings in neuroscience (Lœvenbruck) and their application to embodied literary reading (Patoine) or film viewing (Jaén). Beyond its cognitive dimension, inner speech is explored in relation to specific historical moments such Francoist Spain, which Jaén discusses through the analysis of the film La voz dormida and its empathic and political impacts, or postmodernity and its disintegration of the Cartesian subject, at the center of 4.48 Psychosis analyzed by Diem. Diem’s article allows us to consider inner speech under psychic dysfunction, a situation also touched upon by Lœvenbruck’s discussion of auditory verbal hallucination in schizophrenia, or by Caralp’s discussion of Kafka’s possibly Asperger-like rapport to inner space, an a posteriori diagnostic that will surely provoke interesting debates. In the end, many questions remain open: is the mental representation of space based on inner speech or images? How do we pass from one modality to the other? Are public, private and intimate spaces represented differently in inner speech? And what can we learn, from our representation of inner space, of our ways of inhabiting and of sharing our world?

 

Bibliography

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ISSN 1913-536X ÉPISTÉMOCRITIQUE (SubStance Inc.) VOL. XVIII


[1] Let us remember however that structuralism did not completely neglect the question of the subject, a crucial question in, for example, the researches of Emile Benveniste on enunciation, which necessarily imply consideration of the speaker’s subjectivity.




Monstre et gender : de Geoffroy Saint-Hilaire à la tératologie fictive

Cet article porte sur deux courts romans, Le Cas de M. Guérin d’Edmond About, publié en 1862, et Le Surmâle d’Alfred Jarry en 1902. Ces fictions, bien différentes, mettent l’une et l’autre en scène une anomalie sexuelle. Un médecin y joue un rôle central. Médiateur, scientifique objectif, en retrait dans son rôle, il se trouve aussi au plus intime de la sphère privée et interfère dans celle-ci. Son ambivalence est notoire : dans chaque cas sa subjectivité entre en jeu.
 
Si les « études de genre » (gender, pour reprendre le traditionnel terme anglais) s’intéressent aux constructions sociales qui conditionnent les rapports entre les sexes et non aux paramètres biologiques, dans ces deux romans l’un ne va pas sans l’autre. Les particularités biologiques exceptionnelles ont des effets dans la narration sur les rapports sociaux, sexuels et ne peuvent échapper aux effets physiologiques. Et elles permettent d’interroger la monstruosité.
 
Comment définir un monstre ? Question complexe, puisqu’il n’existe qu’à travers le regard de l’autre. « Le monstrueux restera toujours en dialogue avec la norme, une affaire d’ordre et de désordre et, en ce sens, une affaire de société » écrit Didier Manuel (11). Rappelons aussi les propos de Michel Foucault : « La notion de monstre est essentiellement une notion juridique […] Non seulement violation des lois de la société, mais violation des lois de la nature. Il est, sur un double registre, infraction aux lois dans son existence même. Le champ d’apparition du monstre est donc un domaine qu’on peut dire  »juridico-biologique’’ » (51).
 
On associe le monstre à un décalage excessif, un dépassement inacceptable. Pour citer encore une fois Foucault, « le monstre apparaît comme un phénomène à la fois extrême et extrêmement rare », il « combine l’impossible et l’interdit » (51). Selon sa belle formule, « ce qui fait la force et la capacité d’inquiétude du monstre, c’est que, tout en violant la loi, il la laisse sans voix » (52). J’ajoute cependant que la peur du monstre tient souvent à la crainte que cette exception se généralise. Le discours sur la dégénérescence, au XIXe siècle, relève de cette peur, comme celle aujourd’hui concernant les possibilités permises par les avancées de la biologie moléculaire. Pensons à l’effroi soulevé par l’idée que le clonage d’êtres humains permette de produire une armée de plusieurs milliers d’Adolf Hitler. Pour Georges Canguilhem, « le monstrueux est l’un des possibles. Nous voudrions bien n’avoir à entendre ici que le monstrueux imaginaire, mais nous sommes conscient de son ambigüité » (181).
 
L’impact du monstre scientifique marque donc profondément l’imaginaire des romanciers. J’entends bien le « monstre scientifique » : j’élimine ainsi les conceptions métaphysiques ou morales aussi bien que chimères, bestiaires fabuleux, fantômes et autres revenants. Si les différences épistémologiques entre les dernières décennies et le XIXe siècle sont énormes, il existe des effets d’échos. Qu’on parle de « nouvel eugénisme » pour stigmatiser des possibilités ouvertes par la biotechnologie et la génétique le signale. Aujourd’hui, la science du vivant est omniprésente dans le discours social, notamment à travers la bioéthique. Le monstrueux permet de montrer, dans le roman ou la nouvelle, comment la science pense la « normalité ». Et bien sûr d’examiner comment le contexte social et politique, à différentes époques, oriente le regard des écrivains et des scientifiques eux-mêmes sur le monstre. On pourrait dire que le début du XIXe siècle ouvre la voie à ses interrogations.
 
Les travaux scientifiques d’Étienne Geoffroy Saint-Hilaire et de son fils Isidore marquent une rupture décisive grâce à leurs recherches sur la tératologie, basés sur l’anatomie comparée. Isidore publiera en trois volumes, entre 1832 et 1836, Histoire générale et particulière des anomalies de l’organisation chez l’homme et les animaux ou Traité de tératologie. Le monstre devient objet de science, revendique une qualité rationnelle par le biais de ceux qui l’observent. Cette « doctrine des anomalies » permet un classement, en lien avec la physiologie et la zoologie. Surtout, elle impose une méthode scientifique dans le regard porté sur le monstre : « Il n’y a pas d’exception aux lois de la nature, il y a des exceptions aux lois des naturalistes » (vol. 1, 37), écrit Geoffroy Saint-Hilaire. Ce que Montaigne déclarait déjà, à sa manière, à propos des monstres : « Nous appelons contre nature, ce qui advient contre la coutume. Rien n’est que selon elle, quel qu’il soit. » (Les Essais, II, 1106).
 
Parmi les quatre « embranchements » que proposent les trois volumes du zoologiste, se trouve celui sur l’hermaphrodisme. « L’hermaphrodisme, écrit-il, est la réunion chez le même individu des deux sexes ou de quelques uns de leurs caractères. » (31) À la suite de cette définition simple d’un phénomène qui ne l’est pas, Geoffroy Saint-Hilaire insiste cependant sur l’ampleur du spectre de l’hermaphrodisme :
 
Entre les deux termes extrêmes des déviations qui rentrent dans ce groupe; entre la réunion de toutes conditions normales d’un sexe avec un seul caractère de l’autre, premier degré possible de l’hermaphrodisme, et la duplicité complète des sexes, qui en formerait le dernier, il peut en effet se trouver, et il se trouve une longue série de cas remarquables et variés. (31-32)
 
La classification qu’il propose et qui se veut objective n’est pas perçue de la même manière, on s’en doute, dans le discours social de l’époque. Dans L’Hermaphrodite de Nadar, Magali Le Mens rappelle que l’hermaphrodite était considéré comme
 
un monstre social, individu dangereux qui [remettait] en cause l’organisation des rapports des sexes d’une société bourgeoise fondée sur l’institution du mariage fécond. […] Il était alors intolérable qu’une personne ne soit ni homme ni femme ou les deux à la fois, car de tels individus perturbaient l’ordre de la société à un moment où l’indécision n’était pas permise, et où chaque chose et chacun devait appartenir à une catégorie précise. (cité par Savatier.blog.lemonde.fr)
 
Il faut donc s’attaquer à des « désordres » qui alimentent la dégénérescence. Désordre face à la pudeur bourgeoise dont le discours sur la masturbation ou la syphilis sont des signes; désordre dont la promiscuité des pauvres et la sauvagerie prolétaire sont d’autres symptômes. Le monde médical (et politique, à sa remorque) va « guider la physiologie de l’ordre social », selon la formule d’Alain Corbin dans Le Miasme et la jonquille (169). La médecine se sert des cas d’hermaphrodisme pour déterminer avec acharnement le sexe véritable de l’individu. Il s’agit de rassurer la société en levant arbitrairement, à l’examen des organes, toute ambiguïté. La photo (comme l’analyse Magali Le Mens) présente l’avantage de montrer l’innommable, ce que le langage ne sait dire ou, pour reprendre la formule de Foucault, ce qui laisse la loi sans voix.
 
Face au monde bourgeois et encore plus dans le monde bourgeois, il faut taire le cas monstrueux, le situer dans la sphère du silence. Dans la littérature, « ces peintures de l’altérité difficilement dicible, monstrueuse, qui se situe subtilement à l’écart du dimorphisme dominant, jettent le trouble, suggèrent l’incertitude sur les identités de sexe et de genre », écrit Alain Corbin dans L’Harmonie des plaisirs (443).
 
La grossesse monstrueuse
Le Cas de M. Guérin, de l’académicien Edmond About, est un roman satirique assez léger. Il n’empêche que l’auteur aborde l’ambiguïté sexuelle dans sa dimension sociale en proposant des équivoques qui jouent aussi sur les plans littéraire et imaginaire.
 
Le titre a une consonance médicale et laisse penser aussi bien à un cas pathologique qu’à une situation particulière par rapport à la loi. L’un et l’autre s’entendent ici. Ce titre singularise le personnage en portant l’éclairage sur lui; en même temps, qu’il s’agisse bien de « M. Guérin », et non de « Pierre-Marie Guérin » « socialise » en quelque sorte ce « cas ». Ce « Monsieur » donne une certaine prestance au personnage, lui accorde un statut bourgeois qui le banalise.
 
Et en effet, les premières lignes, prenant la forme d’une notice nécrologique, donnent l’impression d’une vie banale, dont les succès reposent plus sur un conformisme un peu servile que sur une quelconque originalité :
 
M. Guérin, qui vient de mourir à l’âge de cinquante-deux ans, était chevalier de la Légion d’honneur, licencié en droit, chef de bureau au ministère des finances, ancien capitaine en premier de la 2e compagnie du 7e bataillon de la garde nationale. Il laisse une fortune d’environ vingt-cinq mille francs de rente, une veuve inconsolable et un fils de dix-huit ans, bachelier ès sciences, candidat à l’École de Saint-Cyr. (3-4)
 
Dans un discours mémorable, son supérieur affirme que « Fidèle à ses devoirs, il les remplit jusqu’à l’épuisement de sa vie, et, s’il est vrai qu’il rendit le dernier soupir entre les bras d’une épouse et d’un fils adorés, on peut dire qu’il exhala l’avant-dernier dans nos bureaux, comme s’il avait voulu nous donner à tous ce suprême enseignement. » (5) Trop beau pour être vrai : un roman ne peut pas reposer sur une existence d’un ennui aussi rectiligne.
 
Dès avant la fin de ce premier chapitre, apparaît un personnage qui jette de l’ombre sur cette vie d’une platitude étale. Le docteur Robineau, caché derrière un grand cyprès pendant que les fossoyeurs jettent des pelletées de terre sur le cercueil, « plongeait ses regards jusqu’au fond de la tombe avec une sorte de curiosité farouche. » (8) Frustré, il n’a pu avoir l’aval des autorités pour exhumer le corps. Il rêvait d’écrire un livre sur l’anatomie spéciale de Guérin.
 
O nature! Disait-il en serrant les poings, permettras-tu qu’un de tes ouvrages les plus merveilleux soit dérobé aux investigations de la science?… Ils m’ont refusé ce corps, unique peut-être dans les annales de la tératologie!… […] Quelle gloire pour moi si j’avais pu!… C’était tout un livre à écrire, avec gravures, ou mieux… avec photographies! On sait que la photographie ne ment pas. Personne n’aurait pu nier l’évidence. Les théories les plus anciennes et les plus accréditées croulaient à cette lumière! Un coup de foudre dans un ciel serein! Une révélation physiologique! Une ère nouvelle, à laquelle j’aurais attaché mon nom : l’ère du docteur Robineau! Ah! messieurs les Anglais! Vous avez découvert la circulation du sang je vous aurais rendu la monnaie de votre pièce!… (8-9)
 
Dans ce passage, où il y a davantage de points de suspension et d’exclamation que dans une page D’un château l’autre de Céline, le roman semble tourner en dérision l’attrait de la médecine pour la tératologie. Le style ampoulé de Robineau, sa vanité – c’est à sa gloire qu’il pense – l’importance qu’il accorde, de manière fort hypothétique, à ses recherches – d’une portée plus grande que la découverte de la circulation du sang –, tout cela caricature la pondération, la mesure et la précision des publications d’Isidore Geoffroy Saint-Hilaire. Mais qu’a-t-il donc découvert de secret, de mystérieux, qui justifierait l’examen du cadavre? C’est ce que le roman raconte en faisant défiler la vie de Pierre-Marie Guérin, devenu fonctionnaire à la suite d’études peu fructueuses en droit. Jamais très attiré par les femmes, il se marie toutefois, puis se rend compte qu’il est enceinte (ou enceint). Il accouchera dans le plus grand secret, avec l’aide d’un médecin lui-même en marge du système, du garçon qui s’apprête à entrer à Saint-Cyr.
 
L’inversion des rôles traditionnels dans le couple Guérin sera caricaturalement marquée, et de plus en plus, à mesure que le temps passe. L’accouchement de Pierre-Marie Guérin correspond bien sûr au moment le plus hyperbolique de cette inversion.
 
À cette hybridité sexuelle coïncide une forme d’hybridité narrative. Si le roman renvoie à un regard scientifique face au cas de Guérin, il laisse aussi filtrer un aspect fantastique. Le chirurgien Wilson, qui met au monde l’enfant, cite des médecins célèbres de l’époque, donnant un vernis de réalisme à cette histoire, affirmant que de pareils cas, rares, se sont déjà vus. Des descriptions cliniques vont dans le même sens (sur le développement de la grossesse, par exemple). Quand Wilson compare le cas de Guérin avec celui d’hermaphrodites célèbres (nommément un roi de Crète), il souligne qu’il s’agissait de l’époque des dieux. Celle du roman est celle du positivisme… et j’ajouterais du cirque Barnum et de ses premiers freaks shows. « Le fait est [dit] Wilson que le ridicule n’était pas encore inventé au temps dont je vous parle. Le roi de Crète en question fut mis au rang des dieux avec sa femme, son fils et sa fille. Il s’appelait Jupiter, sa femme Junon, ses enfants Bacchus et Minerve. En 1842, on les mettrait tout simplement au rang de phénomène. » (123) À l’ère de la tératologie et de ses classifications, monsieur Guérin serait bel et bien un « cas », d’où l’intérêt de cacher son état pour le bien de la famille.
 
Il y a donc volonté de scientificiser ce cas « fantastique », mais cette dimension apparaît davantage quand on connaît l’origine de la naissance de Guérin lui-même. Enceinte, sa mère, par peur de voir un fils disparaître à la guerre, voulait une fille. Anxieuse, elle consulte une cartomancienne, madame Lenormant. Celle-ci voit une scène où, dans un grand lit, quelqu’un accouche d’un fils. Convaincue qu’il s’agit de sa fille accouchant de son petit-fils, madame Guérin repart chez elle folle de joie… et tombe des nues lorsqu’elle accouche d’un « gros garçon, bien constitué, et aussi franchement garçon que notre faible humanité nous permet de l’être. » (15) Confrontée à cette information, la cartomancienne rebat les cartes pour arriver aux mêmes conclusions. Ébranlée, la mère Guérin « accomplit fidèlement le vœu qu’elle avait fait; son fils reçut le prénom de Marie, et porta du blanc ou du bleu jusqu’à l’âge de sept ans. » (17) Lorsque Pierre-Marie Guérin accouche, sa mère déclare à l’épouse : « [C]e qui arrive ne m’étonne qu’à moitié. Mademoiselle Lenormant, une femme supérieure celle-là! me l’a prédit quand vous n’étiez pas encore au monde. Et puis je connais mon fils. Ce n’est pas un homme comme les autres. C’est un garçon… plutôt idéal qu’autre chose. » (115-116) Précédant de peu la scène où Wilson explique que nous ne sommes plus à l’ère des dieux, les propos de Madame Guérin semble mettre en doute cette affirmation. La cartomancienne est présentée comme la « pythonisse de la rue de Tournon » (14), renvoyant justement au monde des dieux. Après la naissance de son fils, madame Guérin fut elle-même « comme Calypso qui ne pouvait se consoler. » (15) Les rappels de cet ordre laissent penser que la mère a façonné son fils à la manière d’une fille, à l’image d’un étrange Golem. « C’est un garçon plutôt idéal qu’autre chose » dit-elle, comme si le garçon idéal était une fille. Des événements autres que scientifiques (disons : ne relevant pas seulement de l’innée, mais d’un acquis mystérieux) ont-ils participé à son développement? Voilà par un biais fantasque, sinon fantastique, lié au caractère de la mère, une forme de « genderisation ». Pour reprendre le titre du célèbre livre de Judith Butler, ce roman vient « instiller le trouble dans le genre ». Les effets de pratiques et de discours auraient façonné Pierre-Marie Guérin, comme son épouse d’ailleurs, « une petite brune éveillée, un peu sèche, avec un soupçon de moustache […] qui conduisit son mari à l’autel. » « Dire, s’écrie la mère lors du mariage, que si mon fils avait été une fille et si la Lenormant ne nous avait pas trompés, c’est Pierre-Marie qui porterait la robe blanche et la couronne de fleurs d’oranger! Enfin! Le bon Dieu ne l’a pas voulu. » (58-59) Mais Dieu ne sert que de figurant dans cette sordide histoire.
 
L’impression d’étrangeté qui naît tôt et culmine avec l’accouchement est accentuée par la figure du médecin, Wilson. Figure modèle de l’esprit positiviste, il y a aussi en lui un aspect ténébreux qui crée un malaise à Mantes où on admire son talent de chirurgien mais peu son caractère (« sa moralité était trop suspecte pour qu’il pût se rendre populaire en province », 60). Il aurait une nièce que personne ne voit et qui fait jaser, personne ne sait de quel état américain il provient et pour quels motifs il s’est expatrié, et de plus il exerce la chirurgie sans diplôme. Les médecins de la région ont beau le menacer de poursuites, son talent est si grand qu’ils doivent abdiquer. « Quelques-uns prétendaient que le génie de Dupuytren, mort en 1835, s’était réfugié dans le corps de ce singulier homme. » (59-60) Étranger aux institutions, solitaire, apatride, entouré d’individus dans l’ombre (deux esclaves noirs, sa mystérieuse nièce), il sort de nulle part, autodidacte sachant manier le bistouri (et, imagine-t-on, le scalpel) comme par magie. Devant ses prétentions à guérir son fils, madame Guérin s’exclame : « Dieu me préserve de vos sorcelleries! » (100) Peut-être, après tout, vient-il de Salem.
 
D’« illustres docteurs » et d’autres scientifiques se pencheront sur les problèmes de Guérin, sans trouver de solutions. Habitués à penser selon les normes produites par l’institution, ils sont incapables du « pas de côté » nécessaire pour sortir du cadre épistémologique qui est le leur. Il faut l’esprit particulier de Wilson pour comprendre de quoi souffre Guérin et ce que son état exige : « Nous avons cent choses à préparer, à éviter, à cacher. Le monde est méchant en tout pays, mais surtout à Mantes. » (88) Les particularités du cas qui se trouve devant le médecin, véritable hapax scientifique, font de l’individu une forme de monstruosité, qui fascine. D’autant plus que le médecin est aussi un être hors-norme, qu’on craint parce que sa légitimité ne s’explique pas. En ce sens, il complète bien le duo médecin-patient qu’il forme avec Guérin. Il se mire dans ce dernier comme dans un double et on se demande si le hasard seul explique le nom de Wilson, tant il rappelle une des plus célèbres figures de gémellité littéraire, celle du William Wilson d’Edgard Allan Poe, un autre monstre, cette fois moral (Baudelaire le traduit en 1855; qu’Edmond About ait lu ce texte est donc une possibilité).
 
L’effet intertextuel joue peut-être davantage avec un roman récent à l’époque qu’avec le conte de Poe. Cinq ans à peine avant la publication du Cas de M. Guérin paraissait Madame Bovary. Le rapprochement peut sembler étonnant; on me permettra de le trouver surtout intrigant.
 
Sainte-Beuve croyait déceler dans Madame Bovary « des signes littéraires nouveaux : « science, esprit d’observation » (348), bien présent également dans Le Cas de M. Guérin. Il notait aussi l’isolement d’Emma dans un décor agreste empli « d’êtres vulgaires, plats, sottement ambitieux, tout à fait ignorants ou demi-lettrés » (348), ce qui rappelle Mantes où, selon Wilson, tout le monde est méchant. Baudelaire soulignait de son côté l’énergie virile et la force de volonté d’Emma, caractères masculins souvent soulevés (je pense à Jean-Louis Cabanès mentionnant que « L’attitude d’Emma est à bien des égards volontariste », 336). Face à Emma, qui descend « de l’Hirondelle, la taille serrée dans un gilet, à la façon d’un homme » (Flaubert, 254), son mari a une passivité qui paraît bien féminine selon les critères de l’époque.
 
About a pu lire Sainte-Beuve comme Baudelaire et son roman donne l’impression d’avoir accentué ces traits, féminisant le mari et masculinisant l’épouse. Mais il y a plus. Dans la prolifération des médecins, des doctrines, des diagnostics et des traitements proposés dans le roman, surgit une cacophonie, qu’on retrouve aussi chez Flaubert. Un des médecins suggère que les problèmes de Guérin s’expliquent par une sorte de météorisme causé par l’accumulation des gaz. « Je sais bien, disait-il, que la météorisation n’a encore été observée que chez les ruminants; mais le malade est employé au ministère des finances, et l’on peut dire jusqu’à un certain point que les hommes de bureau sont les ruminants de l’espèce humaine. » (73-74)
 
Cette scène, située au milieu du livre, fait écho à celle des comices agricoles à Yonville, où s’entrecroisent les discours de la société; scène où les animaux sont à l’honneur et où mugissements et bêlements se confondent avec les voix humaines, et vice-versa. Dans le concert d’une société animalisée et stupide, les gens apparaissent comme des ruminants et se nomment Tuvache, Lebœuf ou Bovary – comme dans Bovin. Immédiatement après cette scène où Guérin est comparé à un ruminant, la famille s’installe à Mantes.
 
Si ces comparaisons peuvent sembler ponctuelles, peut-être par trop éparses, les traces intertextuelles mériteraient d’être examinées attentivement. On pourrait se demander aussi si la fadeur de Pierre-Marie ne s’inspire pas de celle de Charles. Ajoutons que si Guérin a une physiologie complexe, sa complexité ne s’arrête pas là. Car s’il a bien des traits communs avec Charles Bovary, on trouve dans le roman des traces textuelles qui rappellent aussi Emma. Pierre-Marie a une liaison avec une grisette. Sa naïveté lorsqu’il se trouve dans la chambre avec cette femme suggère un discours inversé de celui d’Emma en présence de Rodolphe, chez qui la naïveté relève plutôt d’un désir exacerbé. Alors que Rodolphe ironise sèchement devant ses prétentions à ne l’avoir que pour lui, elle s’exclame :
 
Oh! C’est que je t’aime! […] J’ai quelquefois des envies de te revoir où toutes les colères de l’amour me déchirent. Je me demande :  »où est-il? Peut-être il parle à d’autres femmes? Elles lui sourient, il s’approche…’’ Oh! Non, n’est-ce pas, aucune ne te plaît? Il y en a de plus belles; mais moi, je sais mieux aimer! Je suis ta servante et ta concubine! Tu es mon roi, mon idole! Tu es bon! Tu es beau! Tu es intelligent! Tu es fort! (253)
 
Elle ne pouvait rêver d’exaspérer davantage Rodolphe. Henriette, elle, se lève le matin pour entendre geindre Guérin : « Qu’ai-je fait! Disait-il. Dans quel abîme m’avez-vous entrainé! Je suis un jeune homme perdu… De que front aborderais-je mon père et ma mère? Ne vaudrait-il pas mieux courir au pont des Arts et en finir avec la vie comme j’en ai fini avec l’honneur? » (46) L’exaspération d’Henriette rappelle celle de Rodolphe. Si Emma réagit avec une énergie et une volonté que ne pourrait avoir son mari, Henriette souligne à Pierre-Marie Guérin ce qu’il peut y avoir de féminin dans son attitude quand il parle de sa faute: « Faute est un mot féminin qui n’a pas de masculin en français. On dit d’une demoiselle qu’elle fait une faute; mais, quand c’est un jeune homme, on dit qu’il s’est amusé. Comprends-tu ça, grand innocent? » (46) Voilà comment la grammaire rejoint les rôles sociaux et sexuels, voilà pourquoi Emma Bovary est condamnée. Le « monstre » d’Edmond About a tout à voir avec la médecine, mais aussi avec une société qui tolère mal les excès.
 
Marcueil, le protocyborg
La monstruosité sexuelle est passive chez Pierre-Marie Guérin qui ne peut en être tenu responsable (si son corps se refuse aux normes de la vie bourgeoise, dans la vie quotidienne on ne peut imaginer un être plus conforme). Au contraire Le Surmâle, André Marcueil, attaque frontalement la société (et la bourgeoisie) de son époque.
 
Ce roman d’anticipation (publié en 1902, il se déroule en 1920, année selon son auteur du triomphe de la technique) s’ouvre sur une phrase mémorable que Marcueil adresse à son public : « L’amour est un acte sans importance, puisqu’on peut le faire indéfiniment. » (189) L’affirmation suscite des débats, auxquels il met un terme en déclarant que « les forces humaines n’ont pas de limites » (191). Situé dans un château clos, mais où aura lieu une expérience à la fine pointe de la technologie (ce qui rappelle l’Ève future de Villers de L’Isle-Adam), avançons que ce roman oppose la modernité représentée par Marcueil (au sens des avant-gardes) au conservatisme de certains invités : le médecin Bathybius, le chimiste William Elson, l’ingénieur et électricien Arthur Gough.
 
Marcueil invitera un « indien » qui devra faire l’amour pendant 24 heures avec sept courtisanes et aller au-delà de ce que l’imagination elle-même peut imaginer dans ce domaine. Ce sera au médecin Bathybius, spécialiste de la physiologie et de la mécanique des corps, de surveiller l’expérience. Sauf que l’indien sera en réalité Marcueil lui-même, et qu’Ellen Elson, la fille du chimiste, enfermera les sept prostituées pour prendre leur place.
 
Au terme de l’expérience (ils ont fait 82 fois l’amour en 24 heures), William Elson découvre avec horreur le rôle joué par sa fille dans cette histoire. « Bathybius, désemparé par ce qu’il avait vu, contribua à suggérer à William Elson cette idée :  »Ce n’est pas un homme, c’est une machine.’’ » (266) Scandalisé par les manières de Marcueil, les scientifiques se distancient de cet individu et il y a derrière le mot machine prononcé ici de l’horreur et du dégoût. De ce point de vue, et on verra plus loin comment ce glissement sémantique se répercute dans le texte, on pourrait poser l’hypothèse qu’au mot machine pourrait se substitue celui de monstre. Et quand Elson voudra convaincre Marcueil de se repentir en épousant sa fille, il déclarera : « Cet animal ne veut rien savoir. » (266) Machine, animal, en tout cas rien d’un homme. C’est pourquoi les trois savants créeront (en deux heures!) une « machine à inspirer l’amour » pour contrer ce monstre sexuel et lui inspirer de doux sentiments envers Ellen Elson. Nous ne sommes plus à l’ère des philtres d’amour comme dans l’Antiquité (point de départ de leur réflexion), mais à l’ère des machines, d’où la création de cet appareil électro-magnétique (encore une fois, nous ne sommes pas loin du personnage d’Hadaly dans L’Ève future). Mais l’excitation du surmâle inverse le courant électrique et la machine devient amoureuse de lui. Détruite, la machine tue Marcueil : Roméo et Juliette se réinvente. Ce qui fera dire à un des savants, Arthur Gough : « Je n’aurais jamais cru cela possible…mais…[…]en ce temps où le métal et la mécanique sont tout-puissants, il faut bien que l’homme, pour survivre, devienne plus fort que les machines, comme il a été plus fort que les fauves…simple adaptation au milieu…Mais cet homme-là est le premier de l’avenir. » (269) Voilà qui laisse présager un avenir plutôt monstrueux pour l’humanité.
 
Marcueil, comme Guérin, semble a priori banal. Le narrateur parle de sa « caractéristique insignifiance. » (190) Chez l’un comme chez l’autre, la monstruosité est la part d’ombre. À la différence du personnage du roman d’About, Marcueil est conscient depuis longtemps de ses pouvoirs et les cache : « un monstre, un  »phénomène humain’’ traqué par quelque barnum n’eût pas déployé plus d’ingéniosité qu’André Marcueil pour se confondre avec la foule. » (202) En bon darwinien, il a compris que « ce ne sont pas les plus forts qui survivent car ils sont seuls. » (202) Comme Guérin, Marcueil devient malléable; dans un cas comme dans l’autre, le médecin se penche sur le corps du patient (frémissant du désir et de la passion du chercheur), étalé sur la table d’opération ou attaché sur sa chaise de supplicié, pour les besoins d’une expérience unique.
 
J’ai parlé de « part d’ombre » que serait la monstruosité : chez Marcueil, elle va s’exprimer littéralement, dans un premier temps, comme une ombre. On sait que l’étrange roman de Jarry propose un chapitre portant sur une course à travers la Sibérie qui oppose cinq cyclistes installés sur une « quintuplette », uniquement nourris d’un produit commercial inventé par William Elson et nommé Perpetual-Motion-Food, et un train, course qui dure cinq jours. Or, les cyclistes voient, vers la fin du parcours, surgir une ombre près d’eux (« L’ombre grinçait comme une vieille girouette », 229), celle d’un cycliste, Marcueil lui-même, qui parvient à se placer devant la locomotive et, à la grande surprise des membres de la quintuplette, sans se faire écraser. « La locomotive était tout contre lui et il n’en paraissait d’aucune manière incommodé. […] La locomotive avait tamponné la bicyclette et la poussait maintenant par le garde-boue de la roue arrière! » (230-231) L’homme fait corps avec la machine comme ce sera le cas avec celle à inspirer l’amour, mais on pourrait même dire que la mécanisation du corps rappelle la mécanique sexuelle que vivra Marcueil avec Ellen puisque la locomotive ici, image d’Épinal du symbole sexuel, parait sodomiser le cycliste qui en semble ragaillardi. D’ailleurs, la comparaison avec le train revient à la fin des ébats de la machine sexuelle que représente André et Ellen (« Les forces humaines furent franchies, comme, d’un wagon, on regarde s’évanouir les paysages familiers d’une banlieue », 249) et juste après que Marcueil eut dit, avant l’ultime coït, que « l’ombre grinçait », exactement la formule utilisée pour décrire le cycliste fantôme qui se place devant la locomotive pendant la course. Mécanique et sexualité sont bien liés au long du roman. La monstrueuse bête sexuelle est aussi une monstrueuse bête cycliste.
 
Marcueil apparaît donc comme un monstre, machine excessive, incontrôlable. « Cet homme est le premier de l’avenir » déclare Gough, un avenir qui ne semble pas radieux. Mais comme l’écrit Annie Le Brun, la volonté de s’en prendre au surmâle pour lui faire comprendre l’amour par une machine peut se traduire ainsi : ce n’est pas d’aimer comme une machine que l’on reproche au surmâle, mais de ne pas aimer comme une machine sociale. La citation suivante irait dans ce sens : « Si André Marcueil était une machine ou un organisme de fer se jouant des machines, eh bien, la coalition de l’ingénieur, du chimiste et du docteur opposerait machine à machine, pour la plus grande sauvegarde de la science, de la médecine et de l’humanité bourgeoises. » (267) Parce qu’il se trouve hors de la norme bourgeoise, Marcueil est irrécupérable et monstrueux. William Elson invente le Perpetual-Motion-Food, dans l’esprit du progrès, pour battre des records, dépasser une certaine limite, et ainsi vendre son produit. Cette visée commerciale, la bourgeoisie s’y reconnaît. Chez Marcueil, « dépasser » apparaît comme un verbe intransitif. il s’agit au fond d’entrer dans la modernité : dans l’inconnu pour trouver du nouveau. On peut interpréter ainsi l’exclamation de Bathybius : « J’ai vu face-à-face l’impossible ». N’oublions pas que Le Surmâle est sous-titré : « roman moderne ».
 
Michel Carrouges écrivait dans Les Machine célibataires : « Une machine célibataire est une machine fantastique qui transforme l’amour en mécanique de mort […] Quadruple tragédie de notre temps : le nœud gordien des interférences du machinisme, de la terreur, de l’érotisme et de la religion ou de l’anti-religion. » (24-25) C’est ce « nœud gordien » que représente Marcueil et qu’il faut trancher. Il est intéressant à ce propos qu’une horloge marque les douze coups de minuit et la fin des multiples coïts d’André et d’Ellen. Le son de l’horloge est souvent associé à un imaginaire de la fin dans la culture, à un symptôme de mort (pensons à l’un des plus beaux exemples de cette manifestation du phénomène, le Masque de la mort rouge de Poe). Ici, sexe et mort sont liés, ce que vient appuyer la scène au cours de laquelle les trois savants observeront Marcueil torturé, assis sur sa machine, à travers la vitre où Bathybius observait les ébats du couple. Les trois hommes « eurent besoin de quelques minutes de sang-froid et d’appel à leur sens pratique pour chasser l’image, pitoyable et surnaturelle, du Roi des Juifs diadémé d’épines et cloués en croix. » (268) Michel Carrouges n’est pas loin. Pour les bourgeois qui observent « l’engin Marcueil » les éléments de la « quadruple tragédie » sont liés et l’absence de respect du surmâle pour la « machine sociale » conduira à sa perte.
 
Le XIXe siècle confirme à quel point la biologie, et à travers elle la médecine, participe activement à la culture de son temps. On ne compte plus les écrivains qui mettent en scène des figures de médecin. Pour Michelet : « Nos médecins sont une classe d’hommes extrêmement éclairée et, selon moi, la première de France sans comparaison. Aucune autre ne sait autant, ni autant de choses certaines. Aucune n’est si bien trempée d’esprit et de caractère. » (cité par Jacques Léonard, 260) On ne saurait mieux dire l’importance de leur statut. Dans ce contexte, la tératologie assume assurément sa part de savoir culturel, qui éloigne les fables religieuses. La monstruosité n’est plus manifestation diabolique ou divine, ni produit grotesque entre l’homme et la bête. L’ordre du vivant s’analyse autrement. Comme l’écrivait Ernest Martin dans son Histoire des monstres publié en 1880 : grâce à la tératologie de Geoffroy Saint-Hilaire père et fils, va « se dissiper cet inextricable chaos où s’étaient si longtemps confondus les mythes, les fictions et les réalités : l’esprit mesure maintenant la distance qui sépare le merveilleux du vrai, les êtres fantastiques de ceux qui créent la nature. »(288) Mais entre le laboratoire d’un côté, la rue et ses règles sociales de l’autre, il y a des échos certains. On peut expliquer le monstre, mais on peut aussi vouloir le faire entrer dans le rang. La réinsertion sociale reste possible si un silence de bon aloi est maintenu, autour d’un secret malaisé. Dans le cas de Guérin, cela ne pose pas de difficulté : ce bourgeois moyen chez qui rien ne dépasse continuera à ressembler à un homme banal, accouchement ou non. Dans l’autre cas, la réinsertion échoue, car Marcueil s’avère trop en marge de la norme, trop inadapté en définitive pour être récupéré, même par une machine. Si, grâce à la tératologie, selon les propos d’Étienne Wolff, « l’ordre [est] ramené dans le monde du désordre apparent […]il [est] démontré que les hors-la-loi eux-mêmes ont leurs lois » (cité par Jean-Jacques Courtine, 14). La fiction est là pour rappeler que le hors-la-loi peut bien avoir envie de le rester, socialement, même si son cas s’explique biologiquement.
 
La fiction peut accompagner la science, notamment en racontant ce qu’elle ne saurait dire d’elle-même. Isidore Geoffroy Saint-Hilaire expliquait ave justesse que « les mots ne sont pas la science; mais ils aident puissamment à la faire; et négliger de déterminer leur valeur, ce serait laisser un voile sur les idées dont ils sont les signes. » (p. 36) N’est-ce pas justement le rôle des écrivains de rappeler la valeur des mots et du sens? Je ne sais si Geoffroy Saint-Hilaire a pensé à la fiction en écrivant ses mots, mais le docteur Ernest Martin, aussi positiviste qu’il ait été, ne manque pas d’être explicite dans les dernières lignes de sa conclusion :
 
la science n’a point à donner un corps aux fictions des âges qui ne sont plus : son domaine n’est pas celui de la poésie; mais la science et la poésie sont sœurs : si leurs regards sont opposés, leurs mains se touchent; les blondes fées continueront à rester fidèles aux berceaux des petits enfants, à répandre sur leurs rêves leur poussière d’or et à caresser leurs fronts de la baguette magique qui dispense le bonheur, la fortune, le génie. (288-289).
 
Je ne saurais terminer par une plus douce conclusion.
 
ISSN 1913-536X ÉPISTÉMOCRITIQUE (SubStance Inc.) VOL. XIV
 
Bibliographie
 
corpus
 
Edmond About, Le cas de M. Guérin, Paris, Calmann Lévy, 1898 [1862].
Alfred Jarry, Le surmâle, Paris, Gallimard, « Pléiade », 1987, p. 184-271.
 
Autres ouvrages cités
 
Charles Baudelaire, « Madame Bovary par Gustave Flaubert » in L’art romantique, Paris, Garnier-Flammarion, 1968, p. 219-228.
 
Jean-Louis Cabanès, Le corps et la maladie dans les récits réalistes, Paris, Klincksieck, 1991.
 
Georges Canguilhelm, La connaissance de la vie, Paris, J. Vrin, « Librairie philosophique », 1998 [1965].
 
Michel Carrouges, Les machines célibataires, Paris, Éditions du Chêne, 1976 [1954].
Alain Corbin, Le Miasme et la Jonquille. L’odorat et l’imaginaire social, XVIIIe-XIXe siècles, Paris, Flammarion, « Champs », 1986.
 
Alain Corbin, L’harmonie des plaisirs. Les manières de jouir du siècle des Lumières à l’avènement de la sexologie, Paris, Perrin, 2007.
 
Jean-Jacques Courtine, « Le désenchantement des monstres », préface à Ernest Martin, Histoire des monstres depuis l’Antiquité jusqu’à nos jours, Paris, Jérôme Million, 2002 [1880].
 
Gustave Flaubert, Madame Bovary, Paris, Gallimard, « Folio », 1972 [1857].
Michel Foucault, Les anormaux, Paris, Gallimard et Seuil, « Hautes études », 1999.
Isidore Geoffroy Saint-Hilaire, Histoire générale et particulière des anomalies de l’organisation chez l’homme et les animaux ou Traité de tératologie, Paris, J.-B. Baillière, 1832-1836 (3 tomes).
 
Annie Le Brun, « Comme c’est petit un éléphant », postface au Surmâle, Paris, Ramsay/Jean-Jacques Pauvert, 1990, p. 143-215.
 
Magali Le Mens, avec Jean-Luc Nancy, L’hermaphrodite de Nadar, Paris, Creaphis, 2009. Cité par Thierry Savatier http://savatier.blog.lemonde.fr/2009/11/20/l’ambiguite-sexuelle-au-xixe-siecle/
 
Jacques Léonard, La médecine entre les savoirs et les pouvoirs, Paris, Aubier, 1981.
Didier Manuel, « La figure du monstre » in La figure du monstre. Phénoménologie de la monstruosité dans l’imaginaire contemporain, Nancy, Presses Universitaires de Nancy, 2009.
 
Ernest Martin, Histoire des monstres depuis l’Antiquité jusqu’à nos jours, Paris, Jérôme Million, 2002 [1880].
 
Michel de Montaigne, « D’un enfant monstrueux », Les essais, Paris, Le livre de poche, « La pochothèque », 2001, tome II, XXX, 1104-1106.
 
Charles-Augustin Sainte-Beuve, « Madame Bovary, par Gustave Flaubert », le Moniteur, lundi 4 mai 1857, repris dans Causeries du lundi, 3e édition, Paris, Garnier, s. d., t.
XIII, p. 346-363.
 

 




Le fonctionnement des langues: paradigme du vivant ?


Parmi les disciplines « jeunes » – nées dans la foulée des découvertes intellectuelles de la fin du XVIIIe siècle – la linguistique occupe une place centrale et joue un rôle d’entraînement pour beaucoup de disciplines y compris parmi les sciences exactes.

Il y a à cela une raison essentielle : c’est un paradigme incontournable de science du vivant. Wilhelm von Humboldt, l’un des premiers, sinon le premier, à avoir pris conscience et à avoir tenté de conceptualiser cette nouvelle réalité – au sens scientifique de la notion de réalité – considérait d’emblée les langues comme étant des organismes vivants selon une approche en totale rupture avec l’héritage métaphysique et en complète harmonie avec des avancées majeures des sciences exactes de son époque dont la science moderne n’a toujours pas remis en cause ni les principes ni les résultats, comme les travaux de Newton sur la lumière ou ceux de Carl von Linné sur la classification des espèces végétales.

La linguistique naissante du XIXe siècle puis la linguistique moderne vont apporter des arguments décisifs pour appréhender le vivant, un peu à la manière de Bergson, comme l’antithèse absolue du mécanique et de la tentation récurrente de ce matérialisme primitif et naïf, hystériquement attaché aux manifestations matérielles des perceptions immédiates – (je ne bouge pas, donc la terre qui me porte ne tourne pas) – dont elle va démontrer de manière irréversible le caractère profondément non scientifique, voire littéralement « imbécile », ouvrant la voie à une critique radicale de la notion de «bon sens», immortalisée en littérature par le Bouvard et Pécuchet de Flaubert.

Il y a aujourd’hui un large consensus sur le fait qu’une des rares propriétés à distinguer l’humain de tout ce qui ne l’est pas, y compris des autres espèces vivantes, est la faculté de langage propre à l’Homme, cette possibilité de produire des langues naturelles qui sont le seul produit connu à être capable de se penser en ses propres termes, c’est-à-dire d’être à la fois langue et métalangue, existence et conscience de cette existence, produit et analyse de ce produit.

Nous tâcherons de montrer en quoi penser le fonctionnement de la langue est la manière la plus achevée qui nous soit donnée pour penser le vivant. Mais comment le vivant signe-t-il sa présence ? Comment signale-t-il son passage ? Nous faisons l'hypothèse que l'ensemble des propriétés du vivant et, à l’intérieur du vivant de l’humain, peut être appréhendé à travers sept types de traces et que chacun de ces types a une structure transposable à une propriété spécifique, définitoire et distinctive des langues naturelles :

/1/ Une irrégularité aléatoire au sein d'une régularité systémique qu’elle n’affecte pas.

L'individuation humaine présente couramment des variations extrêmes que ce soit sur le plan purement morphologique – il n'y a pratiquement pas deux êtres humains qui aient à une même époque les mêmes traits physiques -, perceptuel – nous n'avons pas des réactions nerveuses ou émotionnelles de même nature ou au même degré à des stimulations identiques de l'environnement ou d'autres êtres vivants -, affectif – nous n'éprouvons pas les différents types de sentiments ni de la même manière ni au même degré d'intensité -, ou intellectuel – il est très rare que la pensée de deux êtres humains suive exactement le même cheminement, soit animée par les mêmes motivations, parte des mêmes prémisses et aboutisse aux mêmes résultats. Il n'en reste pas moins que tous les êtres humains ont structurellement et fonctionnellement des dénominateurs communs qui justifient qu'ils puissent être traités sur un pied d'égalité non seulement sur le plan juridique des droits et des devoirs mais également dans des domaines qui connaissent des variations relatives beaucoup plus importantes comme la santé, l'éducation, la circulation, le logement, l'organisation sociale de la satisfaction de leurs besoins et, bien sûr, l'organisation politique de leur vie collective.

Cette contradiction est non seulement constitutive du vivant mais elle est également la source principale de sa dynamique. Les individus atypiques, c'est-à-dire ceux qui se situent dans un empan de variation qui dépasse largement la moyenne constatée à un moment donné dans l'espèce, jouent un rôle moteur de premier plan dans son évolution quelle que soit l'orientation de cette évolution. Dans les domaines artistique, littéraire, philosophique et scientifique, cette situation relève de l'évidence. Au mieux, il pourra y avoir débat pour savoir si l'être atypique est ou non pyramidal, c'est-à-dire si c’est la réalisation la plus achevée de la convergence des potentialités de son milieu ou si c’est un hapax. Il y aura toujours des sociologues, des psychosociologues ou des historiens pour expliquer a posteriori que Mozart, Hitler, Picasso, Goethe ou Spielberg sont le produit prévisible d'un concours de circonstances et d'un milieu mais personne, à circonstances et milieu analogues, ne se risquera à prédire aujourd'hui quel est l'être dont le génie ou la monstruosité est appelée à infléchir le cours des événements ou l'état d'une discipline.

La production de formes nouvelles, la découverte de nouvelles relations entre les éléments, l'invention de moyens nouveaux d'expression, de communication, de production, sont le plus souvent le fait d'un individu qui, par un ou plusieurs aspects de sa configuration physique et intellectuelle, est à la fois exceptionnel et représentatif d'un besoin partagé par l'ensemble ou une forte majorité de l'ensemble des individus de son espèce. L'émergence de ce moteur à la fois atypique et parfaitement inscrit dans la structure et la nature des êtres et des choses est aléatoire et imprévisible tout en étant récurrente. C'est là un trait majeur du vivant et une caractéristique très spécifique de son type de complexité.

Ce trait est transposable aux langues naturelles. Il est formulable aussi bien au regard d'une langue particulière que par rapport à l'ensemble des langues c'est-à-dire comme trait constitutif du langage humain.On en trouve une illustration claire dans ce que les grammaires normatives des langues appellent exceptions. Notamment de ces exceptions à une règle ou à un système qui ont une fonction centrale dans l’application de la règle ou dans le fonctionnement du système. C’est le cas également des irrégularités à haute fréquence qui n'affectent pas la cohérence de l'ensemble. Un cas d’école en la matière nous est fourni, en français, par des verbes irréguliers et dont le fonctionnement est à plusieurs égards atypique alors qu’ils présentent la plus haute fréquence dans l’usage et qu’ils sont indispensables au fonctionnement grammatical de la langue, comme être, faire et avoir. On peut même parler dans ce cas d’une double distorsion statistique. D’une part, ces verbes exceptionnels ne se constituent pas en paradigmes ou en prototypes, c’est-à-dire que leur fonctionnement ne sert pas de modèle à d’autres verbes – ainsi les nouveaux verbes du français, les néologismes, se construisent tous sur le modèle des verbes les plus nombreux et les plus réguliers du premier groupe -, mais d’autre part la fréquence d’usage très élevée des verbes atypiques et exceptionnels est sans commune mesure avec celle des verbes les plus réguliers et les plus nombreux. Ce phénomène, pour aberrant ou paradoxal qu’il soit, se retrouve dans pratiquement toutes les langues. Conceptuellement, c’est comme si, en langue, l’exception fondait la règle, en était le constituant principal, la colonne vertébrale puisqu’on pourrait à la limite imaginer un texte dont le cœur verbal, en l'occurrence le verbe être, appartiendrait à cette classe ultraminoritaire d’exceptions : c’est le cas, par exemple, de l’un des textes fondateurs de la philosophie occidentale : le poème de Parménide d’Elée. Il est par contre difficile, sinon impossible de construire un texte et a fortiori un discours achevé dont ce type de noyau atypique aurait été banni.


Inscrit dans la dynamique de la matière, faisant miroir à l’activité symbolisante de la langue, le cheminement du désir humain, semble suivre le même protocole paradoxal. Qu’on l’exprime dans le registre romantique immortalisé par Lamartine « Un seul être vous manque et tout est dépeuplé » (L’isolement), ou dans le registre psychosocial « Si l’être humain n’éprouve pas de désir sexuel pour tous les êtres humains susceptibles de satisfaire ses besoins biologiques c’est que l’être humain est foncièrement sélectif », le paradoxe a toujours la même structure : le caractère radicalement irrationnel ou obscur du désir que A ressent à un moment donné pour B, et uniquement B, non seulement active – on dirait en linguistique actualise – les propriétés et prédispositions communes à tous les êtres humains qui font que A est attiré par B mais elles désactivent en même temps – totalement ou partiellement – ces propriétés et prédispositions pour tout autre que B. Or ce sont les propriétés et manifestations de ce désir individualisé et exclusif qui permettent de comprendre le désir humain en général, c’est-à-dire tel qu’il se manifeste chez tous les êtres humains.

Une autre dimension de cette propriété paradoxale est le fait que la langue, comme le vivant, tire souvent son efficacité de son imperfection. Il arrive en effet que des mécanismes grammaticaux soient constitutivement imparfaits mais que, comme l’a souligné Michel Bréal à propos, entre autres, des dérivés en –ier[1], cette imperfection ou irrégularité soit « suppléée » par un effort de l’esprit qui « devine ou sait par tradition des rapports qui ne sont nullement exprimés par les mots ». En « achevant ce qui est seulement indiqué par le langage » notre « entendement » s’approprie alors encore plus efficacement le sens qu’il a construit malgré l’irrégularité du mécanisme.

Contrairement au non-humain où l’anomalie, le défaut, le caractère incomplet, l’absence de netteté, voire de propreté constatés sur une partie,remettent en cause l’acceptabilité du tout et affectent irrémédiablement le jugement que l’on porte sur l’ensemble, l’humain est souvent conforté dans son humanité par une anomalie, un défaut, un manque ou un excès. Disons pour faire court qu’une rayure sur la carrosserie d’une belle voiture, une tache sur une belle robe, réduisent immédiatement leur valeur et peuvent aller jusqu’à les déclasser alors qu’un bouton, une ride, une démarche maladroite, voire des formes beaucoup moins romantiques ou stéréotypées d’irrégularités, de négligences, d’anomalies ou d’insuffisances sont le plus souvent des preuves décisives de vie. Nous dirons même plus : alors que dans l’univers du non-humain, le désordre, les interférences, le mélange des genres, le dérapage, le déchet peuvent être un argument pour arrêter le système, leur multiplication dans l’univers du vivant est l’illustration la plus éclatante de sa vitalité et de son dynamisme.

/2/ Une combinatoire au résultat complexe et imprédictible malgré des constituants très simples et des règles de combinaison à la fois élémentaires et peu nombreuses

Il existe depuis un bon demi-siècle un quasi consensus parmi les chercheurs pour considérer que l’un des traits les plus radicalement spécifiques des langues naturelles, et qui les distingue donc de toute langue « artificielle », c’est-à-dire construite sciemment par des êtres humains adultes, est la double articulation (Martinet, 1954) ou le duality of patterning (Hockett, 1954). Le fonctionnement de cette configuration que les recherches et découvertes cumulées depuis, notamment dans le domaine de l’articulation de la prosodie, de la syntaxe et de la construction du sens tant à l’échelle de l’énoncé élémentaire que du continuum d’un texte, poussent à concevoir plutôt comme une triple adéquation (Ibrahim, 2010 : 55-58), se caractérise par deux propriétés majeures : le caractère arbitraire ou si l’on préfère non-motivé des constituants élémentaires de la configuration (Saussure, 1906-1911 : 100-102 ou [135]-[142]) ; et le fait que ces constituants, en nombre relativement faible, donc fini, puissent, via un tout petit nombre de relations combinatoires et sans sortir d’un ensemble fermé que tout locuteur est capable de circonscrire, produire un nombre virtuellement infini d’énoncés (Humboldt, 1827-1829 : chap. 24 ou [97]-[99]). Ce phénomène est à l’origine de cette créativité potentielle caractéristique de l’usage que les humains font des langues naturelles mais aussi, on l’a compris, du vivant dans un trait qui lui est radicalement spécifique : son aptitude à donner vie sous une forme a priori imprévisible à un produit qui tout à la fois lui ressemble – au point que nous considérons que tous les êtres humains sont nos semblables – et s’en distingue radicalement puisqu’il n’existe pas, à l’instar des empreintes digitales, deux êtres humains qui soient dans leur aspect extérieur comme dans leurs fonctions, leurs aptitudes ou leur sensibilité, absolument identiques. Ici, chaque dimension particulière de la langue est paradigmatique d’une dimension différente du vivant.

La combinatoire qui produit la grille phonologique et prosodique d’une langue – avec en moyenne une trentaine de phonèmes jamais identiques d’une langue à l’autre, une structure syllabique caractéristique et une dizaine ou une douzaine de schémas intonatifs de base – définit très précisément ce qui pour un être humain, signalera au sein de son univers sonore, non seulement la présence du vivant mais les modalités de cette présence et leur impact. Le paysage sonore de notre langue (Schafer, 1977) construit à notre corps défendant les mécanismes de sélection et de discrimination qui commandent nos réactions à l’univers sonore dans lequel on baigne. Il est d’ailleurs remarquable que la voix de la langue que l’on parle et dans laquelle les êtres et les choses prennent un nom, définisse en creux tout ce qui n’est pas vivant en assimilant la mort au silence « des voix chères qui se sont tues » (Verlaine, 1866).

Le type de contraintes qui gouverne la combinatoire d’une phrase simple illustre bien la manière avec laquelle le vivant produit de la diversité à l’infini avec un petit nombre d’outils et de constituants dont on peut dire qu’ils sont, dans tous les sens du terme, primitifs. Si, par exemple, on prend la phrase simple du français :

Ces │ emplois │ très │ rémunérateurs │ fascinent │ les │ jeunes │ peu │ avertis.

qui a pour indice structural:

Dét │ Nnr │ Adv │ Adj │ V │ Dét │ Nhum│ Adv │ Adj.

et qu’on cherche tous les mots susceptibles de figurer dans le paradigme constitué par chacune des catégories des neuf positions de notre phrase sans affecter son acceptabilité nous obtiendrons les chiffres suivants (Gross 1975 : 18) :

20 │104 │102│ 103 │ 4.103 │20 │103 │102│103

correspondant à 1022 phrases de 9 mots.

Si maintenant « nous autorisons dans le même type de phrase l’insertion d’un verbe modal ou auxiliaire (i.e. régissant l’infinitif ou le participe passé) et si nous le choisissons dans une liste de 10 verbes (donc restreinte), les phrases correspondantes comporteront 10 mots et seront au nombre de 16.1023. Si nous formons un nouveau type de phrase au moyen de ces deux types plus simples et d’une conjonction prise dans un ensemble de 10 conjonctions, les phrases résultantes seront composées de 20 mots, et leur nombre sera de 16 x 16.1046, soit approximativement 2.1048. Ce nombre n’étant qu’une borne très inférieure du nombre des phrases possibles de 20 mots, on peut donc admettre que l’ordre de grandeur du nombre de phrases de 20 mots est de 1050. De tels nombres sont considérés comme infinis dans le traitement mathématique de nombreux problèmes de physique. Une « créativité » limitée de 1050 cas peut donc être considérée comme intuitivement infinie, sans qu’il y ait besoin de faire appel à des mécanismes infinis pour rendre compte de sa richesse ».

Cette possibilité d’explosion combinatoire des énoncés simples malgré, au départ, la pauvreté des constituants et des relations qui les associent, rappelle bien entendu le développement de la complexité mathématique mais elle simule aussi parfaitement l’absence de frontières ou de limites aux déplacements que provoque l’une des caractéristiques les plus radicalement humaines : l’invention ou la découverte d’une relation nouvelle entre les éléments, c’est-à-dire en fait la construction d’un sens nouveau à partir de la mise en présence inédite de propriétés passées jusques là inaperçues d’éléments connus. Il n'existe pas, à notre connaissance, en dehors de la structure des langues, une configuration formelle qui simule aussi parfaitement les potentialités créatives propres au vivant.

Ce versant de la combinatoire se double d’un autre, dont le fondement est moins spectaculaire bien qu’il ait été plus largement popularisé du fait de l’intérêt que lui a porté la grammaire générative : la récursivité, c’est-à-dire la possibilité d’étendre indéfiniment la même phrase en y enchâssant de nouvelles propositions sans que le fil de la référence anaphorique ne soit jamais rompu, sans jamais affecter la dynamique diégétique voire en développant la construction de champs sémantiques nouveaux. D’un point de vue strictement stylistique c’est, comme on le sait, en France, la naissance de la période, avec Jean-Jacques Rousseau et Chateaubriand notamment, puis une complexification et une extension de la phrase qui atteindront un plateau de perfection avec Anatole France et Marcel Proust. Cette possibilité de faire tenir un roman en une phrase ne relève pas uniquement de la prouesse ou de ces records, en fin de compte assez ennuyeux, dont raffolent les surdoués de la complication. C’est aussi, peut-être surtout, l’image que la langue projette du fantastique, autrement dit de cette aptitude propre au vivant à changer de monde sans quitter son monde. La périodisation à l’infini de la phrase transporte le sujet de la principale dans des univers à la fois nouveaux et co-référents. La récursivité manifeste une dimension essentielle de ce pouvoir singulier de notre espèce d’échapper symboliquement à sa condition par des moyens qui confortent sa nature.

/3/ L’imbrication des systèmes : la vocation de la langue comme du vivant à intégrer l’hétérogénéité

Les langues se distinguent par leur aptitude à intégrer des sous-systèmes homogènes dotés chacun d’une logique spécifique, ce qu’on appelle en linguistique des grammaires locales ou encore des classes naturelles dans le système général. Ainsi dans pratiquement toutes les langues du monde il y a un fonctionnement spécifique des verbes de perception, des verbes de mouvement/déplacement, des termes désignant les couleurs, des verbes déclaratifs de parole, des verbes causatifs de sentiment, etc. Ces fonctionnements forment des îles à l’intérieur du système, qui s’en accommode parfaitement et assure le passage d’une île à l’autre sans que ces différences n’affectent la logique générale du système ni ses traits caractéristiques. On pourrait presque dire que le fonctionnement des langues figure mais aussi mesure, à travers ce phénomène, le pouvoir de tolérance et d’intégration, au sens le plus fort de ce terme, du vivant.

On dénonce souvent à juste titre l'intolérance, la tendance à la ségrégation, la propension à l'exclusion dont peuvent faire preuve des groupes humains mais on oublie les capacités quasi infinies d'adaptation et de relativisation dont notre espèce est capable lorsqu'elle assimile à son fonctionnement des êtres, des situations et des modes opératoires qui, par leur apparence, leur conduite, leur signification symbolique et leur mode d'inscription dans la durée vont à l'encontre de ses pulsions, de ses habitudes, de ses convictions et de ce qu'elle croit, à tort ou à raison, être ses intérêts. Le pouvoir d'intégration, d'apprivoisement, de domestication est un trait de l'espèce humaine qu'elle partage peu ou pas du tout avec les autres espèces vivantes. Le système général d'une langue dispose d'un pouvoir analogue vis-à-vis des systèmes locaux qui se démarquent des contraintes du système général.

/4/ Stratégies d’adaptation dans l’évolution des langues et du vivant : transformations, translations, restructurations, reformulations, reconfigurations, métamorphoses et exaptation.

De la fin du XVIIIe siècle à nos jours, on peut relever trois avancées majeures dans la compréhension de l'économie des espèces naturelles, des principes dynamiques qui justifient leur classement et des stratégies d'adaptation qui assurent leur survie et leur évolution :

/1/ La découverte par Carl von Linné (1707-1778)d'un principe qui fonde sa classification des plantes, la justifie et reste valable pour des espèces qu'il n'avait pas classées ;

/2/ La découverte par Antoine Laurent de Lavoisier (1743-1794)des transformations nécessaires au système respiratoire ainsi que sa validation des lois de conservation de la matière avec des expériences et une formulation qui donnera à la chimie ses fondements actuels ;

/3/ De Jean-Baptiste Lamarck (1744-1829) à Stephen Jay Gould (1941-2002) en passant par Charles Darwin (1809-1882), une connaissance plus précise, même si elle n'est pas encore définitive, des mécanismes d'adaptation et d'évolution des espèces.

Nous avons évoqué à diverses occasions (Ibrahim 2002a, 2002b, 2002c, 2002d & 2003) comment le lexique-grammaire de Maurice Gross (1934-2001) reconstruisait les paradigmes de la langue, suivant les méthodes et les principes de Linné, en faisant de la structure définitoire du verbe et de sa relation à ses compléments l'équivalent de la forme des organes de reproduction qui a servi de principe classificatoire à Linné. Indépendamment de son intérêt strictement linguistique, la démarche classificatoire de Maurice Gross suggère qu'une homologie est possible entre les paradigmes de la langue et les paradigmes du vivant.

Le principe de Lavoisier – « rien ne se crée, ni dans les opérations de l’art, ni dans celles de la nature, et l’on peut poser en principe que, dans toute opération, il y a une égale quantité de matière avant et après l’opération ; que la qualité et la quantité des principes est la même, et qu’il n’y a que des changements, des modifications. [] on est obligé de supposer dans toutes (les expériences en chimie) une véritable égalité ou équation entre les principes du corps qu’on examine et ceux qu’on en retire par l’analyse » (Lavoisier 1789 [1864 : 100-101]) – trouve une illustration éclatante dans la langue lorsque deux énoncés synonymes peuvent être formellement dérivés l'un de l'autre par une transformation ouune restructuration, c'est-à-dire, pour la transformation, par une modification mécanique, indépendante de leur contenu lexical, de leur index structural – par exemple Pierre a battu Paul et Paul a été battu par Pierre – et pour la restructuration, par une modification de cet index entraînant éventuellement une translation[2] ne se réalisant que sous contrainte lexicale et impliquant des mécanismes morphosyntaxiques plus étroitement appropriés au prédicat lexical – par exemple A cette époque, nous nous sommes beaucoup aimés et A cette époque, nous éprouvions un amour très fort l'un pour l'autre. Si on remplaçait le verbe s'aimer par le verbe se battre, la restructuration ne serait plus possible. D'autre part le verbe support de nominalisation éprouver est approprié aux prédicats de sentiment et ne peut pas apparaître avec d'autres types de prédicats sémantiques.

Un autre type de variation de forme sans perte de synonymie peut être constaté au sein d'une paire d'énoncés: la reformulation paraphrastique. Par exemple Il est passé en coup de vent à 4 h sans laisser d'instructions et Il est arrivé à 16 h mais est reparti très vite et n'a pas dit ce qu'il fallait faire.

Le fait que des formes différentes inscrites dans des configurations différentes puissent assurer la même fonction, avoir le même sens, mener au même résultat, voire appartenir aux mêmes paradigmes est un phénomène qui a toujours fait débat que ce soit dans le monde du non-vivant ou dans celui du vivant. Sans entrer dans les polémiques cycliques sur le sujet on peut essayer d'en débroussailler les sources.

Seul le vivant peut agir hic et nunc sur les formes et par rapport à elles, mais le vivant a lui-même une forme qui contraint son mode d'action sur les formes qui l'environnent. Ces contraintes constituent le problème premier de l'être vivant et plus particulièrement de l'être humain pour qui l'accès aux formes, que ce soit pour se les approprier telles quelles ou pour les transformer de telle sorte qu'il puisse se les approprier, est souvent la première question vitale ; d'autant plus vitale que le vivant lui-même a une forme transitoire et fragile et qu'il a, vis-à-vis de toutes les formes, une attitude réflexive, c'est-à-dire qu'il y a toujours dans sa perception des formes un effet de retour qui l'amène à confronter en permanence la forme qu'il perçoit à la conscience qu'il en a et qu'il a de ses propres formes. Toutes les variations, tous les écarts, tous les changements, ont dans ce contexte, quelque infimes qu'ils soient une importance cruciale. De même d'ailleurs que les équivalences lorsqu'elles s'imposent à lui.

Mais les équivalences, contrairement aux différences et aux variations dont la perception est naturelle, même si elle est plus aigue chez certains, sont construites ou à construire. Ce n'est pas un hasard si la conscience de leur existence et surtout de l'extension de leur domaine, que ce soit avec Lavoisier pour les sciences ou avec Zellig Sabbetai Harris (1909 – 1992)[3] pour l'étude des langues, ait été le produit d'une découverte scientifique c'est-à-dire de l'observation systématique, suivant un protocole précis d'un phénomène reproductible qu'on connaissait peut-être mais qui n'avait jamais été observé avec précision, décrit exhaustivement et conceptualisé de telle sorte qu'il devienne un outil de réflexion, de travail et de production.

Qui dit construction dit aussi possibilité d'une déconstruction, donc d'analyse à rebours de ce qui a été construit. Les équivalences linguistiques ont sur ce plan une longueur d'avance sur les équivalences non-linguistiques, même quand ces dernières sont construites expérimentalement. En effet, la construction et la déconstruction d'énoncés équivalents passe en langue par l'exploration et la levée des contraintes grammaticales et par la détermination de leur rôle dans la construction du sens. Elle permet également de suivre les itinéraires de l'ambiguïté. La contrainte de l'équivalence sémantique permet alors à l'un des énoncés de devenir la métalangue de l'autre. C'est ce que fait notamment de manière systématique l'analyse matricielle définitoire[4]. Ce ne serait évidemment pas possible si la langue n'avait pas, en plus de cette propriété, comme l'a souligné Harris, d'être le seul objet au monde à posséder sa métalangue, cette autre propriété observée pour la première fois par Charles Hockett (1954) d'être totalement réflexive[5], c'est-à-dire d'être une projection matérielle et matériellement observable et mesurable de la conscience, une propriété centrale de l'humain.

La linguistique historique et la linguistique comparée du XIXème siècle ne se sont reconnues ni dans le transformisme de Lamarck ni dans l'adaptation sélective de Darwin et il n'est pas inutile de rappeler que l'époque de la parution de l'Origine des espèces (1ère édition en 1859) est aussi celle où la Société de Linguistique de Paris interdit à ses membres de discuter de l'origine des langues (article 2 des statuts adoptés en 1866). Par la suite, jusqu'à une époque relativement récente – et pour certains jusqu'à ce jour – l'émergence de la parole, premier trait définitoire de l'espèce humaine – a souvent fait figure de chaînon manquant dans la théorie de l'évolution que ce soit sous sa forme canonique ou sous d'autres formes.

Dans sa reformulation majeure d'un darwinisme auquel il reste attaché, Stephen Jay Gould (2002) introduit deux concepts interprétatifs qui permettraient d'articuler le tempo de l'évolution linguistique à celui de l'évolution des espèces et plus particulièrement d'apporter un éclairage plausible aux conditions d'émergence, d'évolution et de différenciation des langues : il s'agit d'abord de l'idée d'une évolution ponctuée par des rééquilibrages relativement rapides et non graduels (punctuated equilibrium) (Gould 2002 : 9e chap. 745-1024), ensuite de l'idée qu'il existe une forme d'adaptation qui consiste à détourner l'usage d'un organe prévu à l'origine pour une fonction en le cooptant pour un nouvel usage : l’exaptation (Gould 2002 : 11e chap. 1179-1295).

Les deux concepts récusent la possibilité d'une évolution graduelle et accréditent l'existence dans le cours de l'évolution de stases relativement longues pendant lesquelles il ne se passe rien ou presque. Ils accréditent également la notion, non pas de rupture de la chaîne, mais d'événements de nature à introduire des modifications qualitatives susceptibles d'opérer des changements de direction ou des mutations de forme.

Bien que conçu et validé pour rendre compte de phénomènes qui s'étendent sur des millions d'années, le modèle de Gould rend compte de phénomènes communs à la langue et à la vie humaine à l'échelle de notre histoire documentée, voire à l'échelle de la succession des générations. Qu'il s'agisse des spécificités psycho-sociales d'une époque, voire d'une génération, ou de sa façon de parler, de la remotivation d’un terme tombé hors de l’usage ou de sa reconceptualisation – par exemple les métamorphoses du terme amant de l’ancien français à nos jours – il semble bien que l'évolution suive le chemin tracé par Gould. Mais l’homologie est encore plus nette à l’échelle de la macroévolution :

(α) Lorsque Humboldt écrit :

La langue ne peut se produire que d’un seul jet, ou, plus précisément, elle doit posséder, à chaque instant de son existence, les attributs qui font d’elle un ensemble consistant. Émanation immédiate d’un être organique dont elle traduit la double vocation sensible et spirituelle, elle partage la nature de tout ce qui est organique dans la mesure où chaque élément n’existe que par l’autre et où leur somme ne subsiste que grâce à l’énergie unique qui sature l’ensemble.(1974 : 72-3 paragraphe 4 de La recherche linguistique comparative dans son rapport aux différentes phases du développement du langage. Traduction française de 1820 Über das vergleichende Sprachstudium)

Il explique l’émergence des langues naturelles dans la perspective de Gould d’une évolution ponctuée par des rééquilibrages rapides.


(β) Lorsque Harris, soulignant que la langue est conçue pour transmettre et que ce n’est pas forcément l’outil le plus adapté à la communication ou à l’expression[6], il radicalise l’idée soutenue un siècle plus tôt par Michel Bréal (1868) d’une imperfection constitutive des langues ; lorsqu’il écrit que « les énoncés bien formés grammaticalement sont en fait des vecteurs plutôt mal conçus de l’expression et de la communication directe » (Harris 1968 : 6-7), il illustre cet autre processus d’adaptation du vivant découvert par Gould : l’exaptation. En effet, bien qu’elle n’ait pas été conçue pour cela, la langue, comme en témoigne le patrimoine littéraire de l’humanité, peut évoluer, se transformer et devenir l’outil le plus parfait qui soit pour s’exprimer ou communiquer.


/5/ Redondances généralisées dans le vivant et dans les langues

Fondement du vivant qui est le résultat de ses instructions, le code génétique est l'ensemble des règles permettant de traduire les informations contenues dans le matériel génétique des cellules vivantes pour produire des protéines. Rappelons que :
ce code établit une correspondance entre un triplet de nucléotides, appelé codon sur l'ARN messager (ARNm) et un acide aminé qui sera incorporé dans la protéine en cours de synthèse. Cette correspondance codon-acide aminé permet de résumer le code génétique sous forme d'une table associant chacun des 64 codons ou triplets possibles (43) avec l'un des 20 acides aminés présents dans les protéines. Lors de l'expression des protéines à partir du génome, des portions de l'ADN génomique sont transcrites en ARN messager. Cet ARN messager (ou ARNm) contient des régions non-codantes, qui ne sont pas traduites en protéines, et une ou plusieurs régions codantes, qui sont décodées par le ribosome pour produire une ou plusieurs protéines. L'ARNm est composé de l'enchaînement de quatre types de bases nucléotidiques, A, C, G et U, qui constitue une sorte d'alphabet. Le code génétique est un code de longueur fixe égale à trois sur cet alphabet. Dans les régions codantes de l'ARNm, ce code associe un triplet de nucléotides ou codon à un acide aminé dans la protéine associée. (…) Le nombre de séries de trois lettres prises dans un alphabet de quatre lettres étant de 43, le code génétique comporte 64 codons différents, codant directement les vingt acides aminés standard et les signaux de fin de la traduction, appelés codons-stop ou codons de terminaison. Deux acides aminés mineurs, la sélénocystéine et la pyrrolysine sont insérés de façon spécifique au niveau de certains codons-stop, dont le recodage est obtenu grâce à des structures spécifiques sur l'ARN messager. Cette correspondance de 64 triplets ou codons avec 20 acides aminés principaux implique que ce code est très redondant — on dit qu'il est dégénéré — car chaque élément exprimé (acides aminés, fin de traduction) y est codé en moyenne par trois codons distincts : une mutation génétique sur trois affectant une séquence d'ADN codante n'entraîne pas de modification de la protéine traduite. On dit alors que cette mutation est silencieuse.[7]

La redondance est donc constitutive du système d’instructions qui fabrique le vivant. Or c’est également un trait majeur des langues naturelles. C’est d’ailleurs la possibilité de la redondance qui permet à la langue de produire sa métalangue. Ainsi si je dis à quelqu’un Viens !, cet énoncé sans redondances est strictement équivalent à l’énoncé très redondant : Au moment de mon énonciation je m’adresse à une personne qui m’entend et demande sa venue, c’est-à-dire d’effectuer un déplacement en allant de l’endroit où elle se trouve à l’endroit où je me trouve.

La biologie (en grec science de la vie) comme la linguistique identifient donc, à la base de la construction de leur objet qui est aussi la source commune de la vie et du sens, un décalage important entre des formes qui codent ou qui sont grammaticalisées et des formes qui, bien que morphologiquement analogues, ne codent pas ou qui ne sont pas ou ne sont que faiblement grammaticalisées, entre des formes condensées ou cristallisées dont toute redondance a été évacuée et qui sont des raccourcis ou des abréviations et des formes analytiques autorisant une redondance maximale. Ce décalage assure à la vie comme à la langue une plasticité et une élasticité extraordinaires, en effet, tous les éléments des séquences non codantes ou des séquences analytiques de la langue peuvent se retrouver en position codante ou en une position grammaticalisée. Ces éléments sont redondants lorsque, du fait de leur position, une partie plus ou moins importante de leur potentialité codante ou signifiante est neutralisée. Les conditions de cette neutralisation sont probablement l’une des clés qui nous permettront de mieux comprendre aussi bien les conditions de la vie que celles du fonctionnement des langues.

/6/ L'émotion commandée par la forme

Une caractéristique importante du vivant et qu’il est souvent difficile de rationaliser ou même d’associer clairement à une fonction est le fait que l’être vivant puisse avoir une réaction émotionnelle d’intensité variable à la seule perception d’une forme, que cette perception soit visuelle, auditive ou tactile. L’être humain peut ressentir des émotions très vives face, par exemple, à l’arrondi d’une ligne, à la texture d’une surface, à la densité d’un contact, à l’effet harmonique d’un son ou à une structure rythmique. Cette émotion n’est pas nécessairement bijective au sens où une forme produirait toujours la même émotion chez tous les individus mais elle pourrait l’être pour des groupes, voire des masses d’êtres humains. Les réactions émotionnelles à une forme ou à une combinaison de formes sont souvent complexes au sens où elles intègrent différents paramètres, constitutifs de la forme – par exemple la taille ou la couleur – ou indépendants d’elle – par exemple la situation de la perception, la nature ou l’identité de ce qui est perçu -, mais cette complexité ne détruit jamais complètement la corrélation potentielle entre la forme et l’émotion.

Cette corrélation est patente dans la production linguistique au point que l’on peut reformuler en langue le célèbre proverbe français La façon de donner vaut mieux que ce que l’on donne en disant La manière de dire dit plus que ce qu’on dit.

La forme de l’expression – caractéristiques de la voix, de l’accent, de l’articulation, du débit et de la diction, effets harmoniques des assonances, de l’intonation et plus généralement de la prosodie, à l’oral ; construction des phrases, figures rhétoriques, découpage du texte, réglage des enchaînements cataphoriques et anaphoriques, à l’écrit – prime clairement sur le contenu du message.

Cette primauté absolue de la forme dans la production du sens est un trait commun au vivant et aux langues.


/7/ Le pouvoir de transposition et de simulation

La souveraineté du vivant ne lui vient pas seulement de ses qualités propres, elle lui vient aussi et on pourrait dire surtout du fait qu’il est capable d’entrer dans des logiques d’existence différentes de la sienne, de se les approprier au point de parvenir à faire croire qu’il est ce qu’il simule.

L’être humain a porté à son ultime perfection la logique du caméléon. Les Exercices de style de Raymond Queneau ont immortalisé cette logique dans la littérature mais à l’oral, on connaît depuis toujours le pouvoir de la voix et du geste – la voix surtout – pour simuler, reconstruire, représenter des constituants et des ensembles totalement étrangers à l’acteur ou au chanteur auteur de ces simulations.


Conclusion

D’une manière plus générale, on pourrait dire, si nos arguments sont reçus, que la langue est, par les possibilités qu’elle offre et dont témoigne en permanence et depuis toujours la production littéraire de l’humanité, la formulation la plus achevée de ce que le vivant a de plus spécifique. On peut aussi ajouter qu’une linguistique bien faite nous donne les clés de la genèse et des effets de cette formulation.


Bibliographie

Bréal, Michel, 1868, « Les idées latentes du langage », Conférence faite au Collège de France et reprise dans Mélanges de mythologie et de linguistique, Paris, Hachette (1877, 1ère éd. ; 1882, 2ème éd. ; réimprimé en 2005 avec une introduction de Gabriel Bergougnoux, Limoges : Lambert-Lucas).

Gould, Stephen Jay, The Structure of Evolutionary Theory, Boston : Belknap/Harvard, 1433 p., 2002.

Harris, Zellig Sabbetai, Mathematical Structures of Language, New York, Interscience publishers, 230 p., 1968.

Hockett, Charles, “The Origin of Speech”, Scientific American 203/3: 89-97, 1960.

Humboldt, Wilhelm von, Introduction à l’oeuvre sur le kavi et autres essais (traduction française de Pierre Caussat d’oeuvres de Humboldt produites de 1820 à 1835), Paris: Seuil, 440 p., 1974.

Ibrahim, Amr Helmy, “Introduction à la traduction” par Amr Helmy Ibrahim & Claire Martinot de Language and Information de Zellig Sabbetai Harris, Paris : CRL, 2007, p. 3-26.

“Les conditions de la prédication dans les langues”, Prédicats, prédication et structures prédicatives, Paris: CRL, 2009, p. 12-59.

“Supports d’actualisation et dualité constitutive de la predication”, Supports et prédicats non verbaux dans les langues du monde, Paris : CRL, 2010, p. 36-73.

Lavoisier, Antoine Laurent de, 1789-1864, Traité élémentaire de chimie.

Martinet, André, 1960-2003, Éléments de linguistique générale, Paris: Armand Colin.

Queneau, Raymond, Exercices de style, Paris: Gallimard, 1947.

Schafer, Raymond Murray, The Tuning of the World, New-York : A. Knopf, 1977 (trad. française par S. Gleize, 1979, Le paysage sonore, Paris : Lattès).

Verlaine, Paul, Mon rêve familier, Poèmes saturniens, 1866.

[1] 1868, p. 190-191.


[2] Changement de catégorie grammaticale d'une entrée lexicale. Par exemple dans l'exemple qui suit le passage du verbe aimer au nom amour.


[3] Cf. Ibrahim 2007.


[4] Cf. Ibrahim 2009 & 2010.


[5] En anglais de disposer d'un total feedback.


[6] Cf. notre introduction à la traduction de Language and Information (2007 : 18)

[7] Article de Wikipedia consulté à l’adresse suivante : http://fr.wikipedia.org/wiki/Code_génétique




Notes sur les auteurs

Maîtresse de conférences HDR à l’université Bordeaux Montaigne, Béatrice Bloch a publié deux ouvrages sur le roman contemporain (1998) et le récit poétique contemporain (2017). Elle est également l’auteur de nombreux articles sur la fiction contemporaine, la lecture, la théorie du cinéma, la poésie contemporaine et l’imaginaire littéraire. Elle est spécialiste de Claude Simon, Julien Gracq, Chloé Delaume, Robbe-Grillet, Nathalie Sarraute, Marie-Claire Ropars-Wuilleumier. Elle dirige depuis 2017 le département des lettres.
beatrice.bloch@orange.fr

 

Thomas M. Byron holds a J.D. from Emory University and more recently completed a Ph.D. at Boston University upon defending his dissertation : Of Evolution, Information, Vitalism and Entropy: Reflections on the History of Science and Epistemology in the Works of Balzac, Zola, Queneau, and Houellebecq. His most recent published work has taken an interdisciplinary approach to the legal sphere – his article in the Pace Law Review employed a Bergsonian lens to propose a deconstruction of the legal notion of creativity in copyright law, and his most recent article applies Pierre Duhem’s philosophy of science to copyright’s treatment of scientific theory.
tbyron@bu.edu

 

Qualifié comme maître de conférences, Jean-Michel Caralp est chargé de cours en littérature française à l’université de Montpellier. Sa thèse a été consacrée au « Vertige de la prémonition de Maeterlinck au surréalisme », sujet qu’il explore avec une approche à la fois littéraire ou esthétique et neurobiologique. À partir de 2010, il a été chargé de former et de piloter un réseau d’écoles doctorales arts et médias réunissant 13 universités. Il consacre à présent sa recherche aux questions de temporalité dans la littérature française aux xixeet xxesiècles et aux relations de la littérature avec les sciences ou technologies, plus particulièrement avec la psychiatrie et la neurobiologie. Il est membre associé du RIRRA21.
jmcaralp@gmail.com

 

Qualified as a lecturer, Jean-Michel Caralp teaches French Literature at the University of Montpellier. His thesis studied « The Vertigo of Premonition in Modern Literature from Maeterlinck to Surrealism » both with literary or aesthetic and neurobiological approaches. Since 2010, he was commissioned to organize and lead a network connecting thirteen French universities around the Arts and Medias research fields. His current research deals with temporality in the xixthand xxthcenturies French Literature and with the links between literature and the sciences, technologies and above all psychiatry and neurobiology. He is an associate member of RIRRA21.
jmcaralp@gmail.com

 

Christof Diem is a university assistant at the Department of English at the University of Innsbruck (Austria). He is currently working on his PhD project on mind wandering and grotesque thought structures in Shakespearean drama. He studied English Philology and Linguistics as well as French Literature and Linguistics at the University of Innsbruck and at Université René Descartes, Paris 5, Sorbonne. His research interests include British theatre, cognitive literary studies, postmodernism/poststructuralism and gender studies/queer studies.
christof.diem@uibk.ac.at

 

Dr. Isabel Jaén holds PhDs from Purdue University and the Universidad Complutense de Madrid (Spain). She is Professor of Spanish at Portland State University (United States). Her research fields include early modern literature and psychology, cognitive literary studies, contemporary literature and film, historical memory, women studies, migration, and transatlantic studies. Dr. Jaén is co-president of LALISA (Latin American, Latino, and Iberian Studies Association) and co-director of Cine-Lit(a partnership between several Oregon universities and the Portland International Film Festival aimed at promoting Hispanic film and fiction). She is also co-founder and former co-director (2005-2015) of the Literary Theory, Cognition, and the Brain Working Group at the Whitney Humanities Center in Yale University, former executive member of the MLA Division for Cognitive Approaches to Literature (2008-2012, chair in 2011), and former member of the Purdue Cognitive Literary Studies Steering Committee (2008-2010). Her publications include Cognitive Literary Studies (University of Texas Press, 2012), Cognitive Approaches to Early Modern Spanish Literature (Oxford University Press, 2016), and Self, Other, and Context in Early Modern Spain (Juan de la Cuesta, 2017). Dr. Jaén is currently co-editing Cervantes and the Early Modern Mind, which includes the work of humanists and scientists from the US, Spain, France, and the UK (forthcoming with Routledge).
isabel.jaen@gmail.com

 

Hélène Lœvenbruck (Laboratoire de Psychologie et NeuroCognition (LPNC), UMR CNRS 5105, Université Grenoble Alpes) est chargée de recherche au CNRS en Langage et Cognition et a reçu la médaille de bronze du CNRS en 2006 pour ses travaux sur les corrélats neuraux du pointage verbal. Ingénieure en traitement numérique de l’information, titulaire d’un DEA de sciences du langage et d’un doctorat en sciences cognitives, elle s’inscrit dans une démarche interdisciplinaire pour étudier trois fonctions essentielles du langage : la fonction communicative, la fonction cognitive d’élaboration et d’expression de la pensée, et la fonction métacognitive d’autonoèse. Elle mène dans ce but des expérimentations neurocognitives avec des adultes, des enfants et des nourrissons, chez des participants sains et pathologiques, sur trois axes principaux : (i) la prosodie et le pointage multimodal, (ii) le développement multimodal du langage chez les enfants typiques et les enfants présentant des troubles du langage ou de l’audition, (iii) le langage intérieur, les ruminations mentales et les hallucinations auditives verbales.
helene.loevenbruck@univ-grenoble-alpes.fr

 

Hélène Lœvenbruckis a CNRS researcher in the field of Language and Cognition. She was awarded a bronze medal from the CNRS in 2006 for her work on the neural correlates of prosodic pointing. She received the engineering degree in electronics, signal processing, and computer science from the Institut National Polytechnique de Grenoble, a master’s degree in phonetics and a PhD in cognitive sciences from Grenoble University. She develops a interdisciplinary approach to explore three essential functions of language: the communicative function, the cognitive function of thought construction and expression and the metacognitive function of autonoesis. To this aim, she conducts neurocognitive experiments on adults, children and infants, in healthy as well as pathological populations, along three main axes: (i) prosody and multimodal pointing, (ii) multimodal language development in typical children and children with language or hearing impairments, (iii) inner language, mental rumination and auditory verbal hallucination.
helene.loevenbruck@univ-grenoble-alpes.fr

 

Pierre-Louis Patoine est maître de conférence de littérature américaine à la Sorbonne Nouvelle, où il co-dirige avec Liliane Campos le groupe de recherche Science/Littérature [litorg.hypotheses.org]. Co-rédacteur-en-chef d’Épistémocritique, ses travaux se situent à l’intersection des sciences du vivant et des études littéraires. Ses recherches portent sur la littérature contemporaine, la biosémiotique, l’écocritique et la neuroesthétique. Son premier ouvrage, intitulé Corps/texte. Pour une théorie de la lecture empathique est paru en 2015 chez ENS Éditions.
pl_patoine@yahoo.fr

 

Catherine Paulin est professeur de linguistique à l’université de Strasbourg et membre de l’équipe de recherche LILPA (Linguistique, Langues, Parole). Elle étudie la lexicologie, l’interface entre le lexique et la syntaxe, les modes de représentation de variétés orales en littérature. Elle est coresponsable d’un axe du programme Monologuer : Monologue et société.
cpaulin@unistra.fr

 

Stéphanie Smadja est maître de conférences (linguistique, stylistique) à l’Université Paris Diderot et membre de l’équipe CERILAC (Centre d’Études et de Recherches Interdisciplinaires en Lettres Arts Cinéma). Elle étudie les formes et les fonctions de la parole intérieure au croisement de la linguistique, la neurolinguistique et la littérature ; les innovations stylistiques en prose littéraire et en prose scientifique (xixe-xxiesiècles). Responsable du programme Monologuer, elle dirige la collection du même nom aux éditions Hermann.
stephaniesmadja@yahoo.fr




Le « docteur des fous » dans le roman populaire français et anglais de 1840 à 1880

La folie et l’aliénation, la séquestration en asile sont en marge ou au cœur même de bien des romans au XIXe siècle. C’est particulièrement le cas à partir des années 1880, où ils se multiplient dans les œuvres naturalistes, chez Zola et les Goncourt notamment, et surtout dans le cadre du mouvement antialiéniste. Ce mouvement remet en cause la loi de 1838 qui provoque au cours des années 1860-1880 un engorgement dans les asiles : tandis que cette loi autorise désormais quiconque, pourvu qu’il jouisse d’un appui médical, à faire enfermer un proche, les aliénistes semblent incompétents à guérir la folie ; les asiles se trouvent dès lors bondés, tandis que des campagnes de presse dénoncent les séquestrations arbitraires. Sur ce thème apparaît aussi toute une littérature militante. En 1868 déjà, Hector Malot publie Un beau-frère, suivi de plusieurs autres romans d’asile, et il fait, avec une bonne dizaine d’années d’avance, figure de précurseur de ce mouvement ; le remous que provoque cette publication incite Gambetta à envisager une révision de la loi de 1838 qui n’aura finalement pas lieu. Dans la même veine et à la même époque, on peut placer les mémoires (fictifs ou non) de séquestrés ou d’aliénés. Ces livres, souvent ouvertement polémiques, prétendent s’inspirer de la réalité pour mieux l’influencer.
 
Je m’interrogerai dans cet exposé, moins sur les romans antialiénistes, qui ont déjà fait l’objet d’un certain nombre de publications[1], que sur les romans populaires qui abordent le sujet – et cela uniquement dans la période qui précède la vogue antialiéniste des années 1880. Ces romans populaires qui, à partir des années 1840 profitent des nouveaux modes de diffusion, paraissent le plus souvent d’abord en feuilletons dans la presse. Romans à esthétique très convenue (à recettes, à formules et à types), ils se destinent à un large public. Je me concentrerai en particulier sur une figure de savant bien particulière, celle du « médecin des fous ». Quelles sont ses positions scientifiques ? En quoi annonce-t-il l’aliéniste tel qu’il apparaîtra dans la littérature antialiéniste ? Il semble intéressant de mettre en rapport de ce point de vue la littérature populaire française et la littérature populaire anglophone : les sensation novels, de 1860 à 1880 environ, apparaissent souvent eux aussi d’abord en feuilletons et présentent les mêmes recettes narratives et les mêmes thèmes – notamment la folie. Si le mouvement antialiéniste ne connaît pas de véritable équivalent en Angleterre, des préoccupations semblables s’y manifestent. Le Madhouses Act de 1774 laisse les médecins libres de se constituer les arbitres de la santé mentale publique. On les accusera tout au long du XIXe siècle de confondre régulièrement folie et excentricité, folie et conduite « immorale ». En 1845 est fondée l’Alleged Lunatic Friends Society, qui produira campagnes de presse et pamphlets.
 
1.Préalable : la fonction narrative de l’asile de fous
Tout d’abord il convient de rappeler que, dans le roman populaire, l’asile de fous est, d’un point de vue narratif, un lieu clos et sinistre, un lieu d’enfermement, au même titre que la prison, le souterrain, la cave, le labyrinthe, la vieille demeure en ruine – que l’on retrouve volontiers dans le roman gothique d’abord et dans le roman populaire ensuite. Ainsi, dans l’un des derniers grands romans gothiques Melmoth (1820) de Maturin, l’asile de fou où se trouve enfermé Stanton, parfaitement sain d’esprit, fait écho au caveau où meurent de faim deux époux, aux geôles de l’Inquisition, etc. De la même façon, Pierre Zaccone écrit les Mystères de Bicêtre comme il a écrit Le Drame des catacombes, Une haine au bagne, La Cellule n°7, qui tous représentent des univers carcéraux ; il dépeint d’ailleurs longuement la Salpêtrière et Bicêtre, « le comble de l’horrible » ; « on tremblait au pied de cette sombre demeure se dressant menaçante », etc.[2]. Cette fonction purement narrative apparaît encore dans les romans d’asiles sans aliénistes : lieux clos et effrayants où un héros en parfaite santé mentale se retrouve entouré de fous hululant, glapissant – et parfois dangereux – dont l’apparence et les agissements font l’objet de longues descriptions. Absence de tout traitement, absence de corps médical, à peine si l’on y trouve des gardiens féroces, disposant de pleins pouvoirs sur les malades, et tenant moins de l’infirmier que du bourreau.
 
2.L’aliéniste et le « gothic villain »
De la même manière, l’aliéniste, et plus généralement la figure du médecin, apparaît dans certains cas comme une simple variante du traître de mélodrame, une prolongation du gothic villain. Si en effet, après la Révolution, le médecin joue bien souvent auprès des familles le rôle de prêtre laïque, dans la littérature populaire, il peut remplacer le moine damné. Ainsi, dans Le Juif errant (1844-1845) d’Eugène Sue, le Docteur Baleinier, jésuite en robe courte fait enfermer la belle et originale Adrienne de Cardoville dans son asile privé, en vue d’une captation d’héritage[3]. Dans Le Médecin des folles (1879) de Xavier de Montépin, le docteur Rittner, « habile médecin et chimiste de premier ordre », fait « de la science une arme pour le crime et de la maison d’Auteuil une tombe pleine de secrets sinistres »[4]. L’intrigue principale se noue autour d’une femme qu’au lieu de guérir, il faut à tout prix maintenir dans un état de folie, afin de pouvoir faire main basse sur la fortune du banquier qui veut l’épouser. Que penser enfin du maléfique – et français – Dr Le Doux dans Armadale (1866) de Wilkie Collins, ancien avorteur et aliéniste improvisé d’une maison de santé qui abrite ses divers méfaits ? Politiques ou, plus souvent, pécuniaires, les intérêts premiers de ce type d’aliénistes criminels se révèlent rien moins que scientifiques ; au mieux, l’aliéniste instille la folie dans ses patients sains et, au pire, il les tue. La science apparaît comme un outil au service du crime et jamais comme une fin en soi.
 
3.Aliénistes instrumentalisés et corrompus
D’autres aliénistes, moins démoniaques, sont présentés comme de simples instruments au service d’intérêts supérieurs, bien souvent politiques. C’est le cas dans Les Mystères de Londres (1845) de Paul Féval, où Brian de Leicester, excentrique mais sain d’esprit, est enfermé à Bedlam. Le docteur Bluntdull, médecin en chef de Bedlam, l’aurait bien volontiers déclaré fou à ses confrères du conseil d’administration réunis, s’il n’en avait été empêché in extremis par une lettre péremptoire provenant du conseil privé. Ce roman est à ma connaissance le premier à dénoncer les séquestrations arbitraires réelles en asile, en faisant du roman une utilisation politique : « Comment traduire ces mots : aliénés au secret autrement que gens sains d’esprit, séquestrés sous prétexte de folie ? »[5]. Dans La Corde du pendu (1871) de Ponson du Terrail, le Dr Blount est affilié à une société secrète évangélique qui contrôle chacun de ses faits et gestes. À son instar, de nombreux aliénistes font partie intégrante d’une organisation secrète, d’un système, criminel ou non, qui, bien plus que la science, détermine leur diagnostic. L’innocent Richard Marwood dans La Trace du serpent (1860) de Mary Elisabeth Braddon échappe aux galères parce que son avocat et, à sa suite, le jury, le reconnaissent « non coupable en raison de sa folie »[6] ; seul témoignage médical, « une fièvre cérébrale » chez le prévenu quelques années plus tôt ; mais huit années plus tard, il est toujours à croupir dans sa cellule, le docteur et les fonctionnaires de l’asile étant « tous des parties ou des matériaux de cette grande prison de pierre, de brique et de mortier, et comme eux, tout aussi incapables de le plaindre, de l’écouter ou de le comprendre »[7].
 
4.Aliénistes incompétents
L’absence, chez les aliénistes, de connaissances scientifiques réelles est suggérée dans un grand nombre d’œuvres populaires. Dans La Femme en blanc (1860) de Wilkie Collins, le propriétaire de l’asile où est détenue Lady Glyde, remarque à peine la substitution de sa patiente ; il se contente d’expliquer que l’évolution de la folie entraîne souvent des modifications d’apparence. Le Docteur Chapart, dans Le Dernier Vivant (1871) de Paul Féval, est un incapable caricatural qui se propose d’appliquer à tous les types de malades mentaux la « méthode Chapart », d’ailleurs parfaitement floue et consistant principalement dans l’administration du « sirop Chapart ». Ignare, le docteur baptise la maladie de son client « manie intermittente métapsychique » – une dénomination évidemment farfelue par laquelle l’auteur dénonce les excès nosographiques de l’époque en matière de folie et le fait qu’il y a quasiment autant de maladies mentales que de malades ou de maladies supposés. En règle générale, l’aliéniste voit des « fous » qui n’en sont pas, et invente des noms aux maladies qu’il imagine. Dans La Dompteuse de Jules Vallès, paru en feuilletons de 1880 à 1881, il est question de la « manie raisonnante » d’un « soi-disant fou »[8] dont la folie serait de déduire qu’il doit sortir puisqu’il n’est pas fou. La « manie raisonnante » a réellement fait l’objet d’un traité du Dr Campagne[9] ; elle est une variante de la folie « sans délire » de Pinel et équivaudrait selon certains à de la folie sans folie. Cette « manie » ouvrant la porte à de nombreux abus et séquestrations non justifiées, elle a été critiquée à la fois par les milieux scientifiques et littéraires. Ainsi dans Un fou d’Yves Guyot, roman antialiéniste paru en 1884, un médecin fait enfermer le mari de sa maîtresse :
 
-Parbleu ! Il est fou pour tous ceux qui admettent la manie sans délire de Pinel, pour tous ceux qui, étendant de plus en plus le domaine de la folie, font des maniaques raisonnants, pour les aliénistes, aliénés eux-mêmes, du type du docteur Campagne dont la Société Médico-Psychologique a couronné l’ouvrage, et avec les doctrines duquel elle a ainsi solidarisé la majorité des aliénistes. Parbleu ! de très bonne foi, ils le considéreront tous comme fou. Oh ! je serai bien tranquille si je partageais leurs doctrines; mais je crois, avec Griésinger que la manie sans délire est une invention de Pinel faite pour le malheur de la science et encore aggravée par les Campagne, les Berthier et autres ![10]
 
La plupart des aliénistes semblent cependant pêcher par simple ignorance. Le docteur Antomarchi (au nom significativement italien) dans The Rose and the Key de Le Fanu (1871) ne remet tout simplement pas en question l’enfermement de la jeune Maud Vernon par sa mère influente. Il se contente de la menacer, avec une exquise courtoisie, de traitements s’apparentant à la torture si elle ne se résigne pas à la douceur. Quant à l’aliéniste des Mémoires du diable (1837) de Frédéric Soulié, il n’est pas méchant homme, mais apparaît bien incapable de reconnaître que deux des femmes confiées à ses soins sont en bonne santé mentale ; il apparaît « consterné » lorsqu’il apprend presque par hasard que l’une n’est pas une adultère souffrant d’idée fixe et que l’autre a réellement passé des années enfermée dans un souterrain. Il s’exclame effaré : « Oh ! S’il ne faut pas croire à cette folie, il faut donc croire à bien des crimes »[11]. Enfin, le Dr Bell dans La Corde du pendu présente un autre type d’incompétent : il s’agit cette fois d’un aliéniste fou, sans cesse en proie à l’ « exaltation », et qui se refuse à reconnaître la folie d’un patient souffrant de la même manie que lui, à savoir l’obsession des cordes de pendus.
 
Quand il n’est pas âpre au gain ou carrément criminel, l’aliéniste dans la littérature qu’il s’agisse de romans populaires, ou plus tard, antialiénistes – apparaît fondamentalement incapable de distinguer un individu fou d’un individu qui ne l’est pas, du moment que celui-ci est confié à ses bons soins – ou, plutôt, qu’il tombe entre ses griffes. La différence entre le roman populaire et le roman antialiéniste est que, dans ce dernier, un discours scientifique est mis en place par l’aliéniste, justifiant la séquestration et l’isolation de l’individu.
 
5.L’aliéniste possédé par la science
On compte aussi, dans les romans populaires, quelques aliénistes dangereusement obsédés par la science, dont l’amour de la science excède de loin l’amour de l’humanité ; ceux-là s’adonnent à des expériences potentiellement mortelles sur leurs malades. Ainsi, dans Les Mystères de Londres (1844-45), le terrifiant Dr Moore cherche à rendre « hystérique » Clary Mac Farlane « par la diète et la séquestration absolue dans l’obscurité »[12] et dans Heart and Science (1883) de Collins, pamphlet antivivisectionniste, le docteur Benjulia étudie avec passion sur la jeune Carmina l’évolution d’une maladie du cerveau dont il encourage les progrès destructeurs. Si les pratiques liées à la vivisection sont longuement décrites, le roman expose fort peu de science médicale à proprement parler.
 
6.Aliénistes compétents : quelle est leur science ?
Certains aliénistes cependant apparaissent à la fois compétents et intègres : comment sont décrits leurs savoirs ? Dans Lady Audley’s secret (1862) de Braddon, un célèbre aliéniste refuse d’abord d’interner la bigame Lady Audley et ne finit par accepter qu’après un examen attentif, à l’issue duquel il conclut à une « folie cachée »[13] (dans le texte original, « latent insanity »). Pas de nom scientifique cependant pour préciser ce qu’est exactement cette folie cachée ou latente. Toujours est-il que la belle se retrouve dans un asile de fous – français – pour le restant de ses jours : « Vous m’avez conduite dans une tombe, Mr Audley ». L’asile de fous, punition de la femme fatale et criminelle, apparaît de nouveau en 1889, dans La Comtesse Paule de Richebourg.
 
Personnage d’aliéniste exceptionnel, le bienfaisant docteur Pâle est une figure centrale des Mystères de Bicêtre (1864). Dans ce roman, les vrais fous, hommes et femmes, se bousculent : le père du docteur est enfermé comme fou après une tentative de meurtre sur sa femme infidèle ; sa fiancée, abusée par le crapuleux Croizilles, se met à souffrir d’hallucinations ; sa belle-mère adultère devient folle de misère, avant de mourir opportunément à la Salpêtrière ; le complice de Croizilles devient, lui, fou de remords à Bicêtre. Le docteur Pâle parvient à guérir de la folie son propre père et celui, non moins fou, de la jeune Berthes de Morhange que Croizilles convoite pour sa fortune. Quant aux cures que le docteur Pâle préconise, Zaccone en décrit longuement les résultats, assurant qu’elles tiennent du « miracle », sans toutefois préciser en quoi exactement elles consistent[14]. Il détaille aussi les effets bénéfiques de la seule présence du docteur : à son passage, telles des bêtes domptées, les fous furieux s’accroupissent en pleurant dans un coin de leur cage. Là encore, l’action apparaît comme miraculeuse plutôt que scientifique : à tel autre fou, il n’« adress[e] que quelques paroles à voix basse ; il n’[a] échangé avec lui qu’un regard, et cela [a] suffi ! »[15]. Tout ce qui touche à la science du docteur est évoqué en termes allusifs : ayant fait une « profonde étude de l’aliénation mentale, il savait comment elle procède, par quels méandres singuliers la raison s’égare, et à travers quels détours inextricables il faut s’aventurer pour tenter de la ramener »[16]. Il « savait », mais le lecteur, lui, ne sait pas et ne le saura jamais.
 
D’autres romans feuilletons comportent cependant plus de science : un an plus tôt, en 1863, paraît le polémique Hard Cash de Charles Reade, d’abord publié en feuilletons sous le titre Very Hard Cash. Ce roman, bien que « populaire » par son mode de diffusion, dénonce avec virulence le traitement des fous et de ceux que l’on prétend tels. Bien plus que les autres romans abordés, il présente plusieurs types d’asiles, d’aliénistes, leurs diagnostics et leurs méthodes de manière détaillée. Ainsi, le Dr Wycherley est inspiré d’un homme de sciences contemporain, le Dr Conolly, réputé en début de carrière pour ses méthodes douces, mais ayant pris ensuite un tournant plus conservateur, pour finir par prôner l’isolement ; Wycherley détaille longuement les raisons pour lesquelles il lui semble indispensable d’interner le malheureux Alfred, qui dispose par ailleurs de toute sa tête.
 
Dans Le Médecin des folles est également évoquée la science du bon Dr Georges Vernier qui reprend la maison du crapuleux Dr Rittner, après que celui-ci a pris la fuite. Après avoir énuméré tous ses maîtres, allemands, italiens et français et ses nombreuses lectures, il s’en remet à la doctrine du contemporain Foville fils (1831-1887)[17] pour diagnostiquer chez la mère de sa fiancée un cas de « lypémanie ».
 
En général comme on le voit, les données scientifiques restent maigres dans les romans populaires. Quelques décennies plus tard, les romans d’asile, et notamment les romans antialiénistes, mettent volontiers en scène des figures de médecins calqués sur des aliénistes existants, leurs théories scientifiques et leurs méthodes (par exemple Leuret et Pinel chez les Goncourt dans Charles Demailly ; Jules Bernard Luys chez Léon Daudet ; Charcot et bien d’autres), et intègrent des documents légaux copiés sur des documents réels. En d’autres termes, ils injectent dans la fiction des données judiciaires et scientifiques, destinées à faire douter les lecteurs du caractère fictionnel du roman, de façon à mieux provoquer leur indignation.
 
7.Du roman populaire au roman antialiéniste : conclusions
La question qui se pose à l’issue de ce survol est de savoir en quoi le roman populaire de la période 1840 à 1860 prépare le « roman d’asile » souvent antialiéniste à partir des années 1880.
 
a) Un certain nombre de thèmes se retrouvent dans les romans antialiénistes. Ainsi, celui de la captation d’héritage à la faveur d’une séquestration dans un asile de fous apparaît avant la vague antialiéniste et même avant la loi française de 1838 – en 1820 déjà dans le roman gothique de Maturin. La description de l’asile de fous lui-même, toujours lieu de clôture, toujours sinistre, s’inspire de l’asile du roman populaire, qui lui-même s’inspire des lieux noirs du roman gothique.
 
b) Logiquement, le roman antialiéniste met en scène des figures d’aliénistes principalement négatives. Leurs différents défauts sont déjà présents dans le roman populaire qui propose volontiers des « types ». Parmi ces défauts, la corruptibilité de médecins appartenant à un système (sociétés secrètes dans les romans populaires, système politique, judiciaire ou administratif) ; la cupidité des aliénistes « marchands de soupe » comme les décrit Malot, qui tiennent à garder dans leur maison de santé leurs « clients », fous ou non, pourvu qu’ils soient riches ; l’ignorance de pseudo-savants qui ne remettent jamais en question la « folie » de leurs patients, sauf si des autorités supérieures les y invitent. Le roman populaire présente évidemment une tendance plus prononcée à la caricature et au « type » : aliénistes fous, grotesques, et autres traîtres de mélodrame dépourvus de psychologie.
 
c) Des figures positives se distinguent cependant : ainsi, dans le roman populaire, le Docteur Pâle est si bienfaisant que sa seule présence mate et guérit les fous qui lui sont confiés. Plus fréquemment, le bon aliéniste est le pendant d’un mauvais aliéniste, manichéisme calqué là aussi sur le modèle du roman populaire. C’est le cas dans Le Médecin des folles de Montépin où le Dr Vernier répare les dégâts causés par Rittner – immonde et allemand. Dans La Dompteuse de Vallès, l’un des aliénistes examinant le fou présumé s’oppose fermement à une séquestration par un collègue véreux qu’il juge injustifiée.
 
d) Les littératures populaires anglaises et françaises représentent des problématiques et des représentations d’aliénistes semblables. La publication de Hard Cash de Reade, roman populaire mais aussi très clairement polémique, précède de 5 ans celle d’Un beau-frère d’Hector Malot, premier roman antialiéniste et ouvertement polémique. Les deux se distinguent par des références transparentes à des figures et à des théories scientifiques existantes et contemporaines.
 
d) La présence des sciences peut se manifester sous forme de portraits d’aliénistes calqués sur des médecins réels, ou encore de références à des théories et à des traitements précis. On en trouve peu dans le roman populaire, à l’exception de Hard Cash de Reade ou alors dans des romans populaires plus tardifs, comme le Médecin des folles (1879) ou La Dompteuse de Vallès (1880-81). Ce dernier, attaquant frontalement la loi de 1838, peut aussi déjà être considéré comme antialiéniste. Dans ces romans populaires qui, dans beaucoup de cas, se donnent pourtant une fonction pédagogique et didactique, la science aliéniste est à peine évoquée. En revanche, dans le roman antialiéniste, qui se veut une attaque contre le fonctionnement – judiciaire et médical – de la société contemporaine, les références à la science contemporaine sont très présentes.
 
La littérature populaire dès lors offre un cadre fictionnel dans lequel seront ensuite injectées des données d’ordre scientifique et/ou documentaire. Elle propose notamment des « types » d’aliénistes généralement maléfiques auxquels on prêtera, après Malot, des discours, des opinions, des méthodes scientifiques. Cela montre clairement que les romanciers antialiénistes jouent sur les représentations et les peurs populaires pour écrire leurs romans et les rendre plus « efficaces ». Le fait qu’on trouve déjà dans des romans « rocambolesques » des situations que les auteurs représentent plus tard comme calquées sur la réalité, tend à les rejeter du côté de la pure fiction. Voilà qui prouve que l’amour de la science n’empêche pas l’amour des grands effets et du frisson.
 
ISSN 1913-536X ÉPISTÉMOCRITIQUE (SubStance Inc.) VOL. XIV
 


[1] Notamment la thèse de Julie Froudière, Littérature et aliénisme : poétique romanesque de l’asile (1870-1914), Université de Nancy 2, 2010.
[2] Pierre Zaccone, Les Mystères de Bicêtre, Paris, Typographie Walder, s.d., p. 60.
[3] M. Bordas compare l’entrée d’Adrienne dans la maison de fou avec un passage des Mystères d’Udolphe de Radcliffe (« L’hôpital, acte terrifiant dans le roman populaire du XIXe siècle. L’exemple du Juif errant d’E. Sue » Eidolon, Littérature et médecine, 1997, p. 142)
[4] Xavier de Montépin, Le Médecin des folles, t. 1 Paris, E. Dentu, 1879, p. 293.
[5] Paul Féval, Les Mystères de Londres, t. 2, Genève, Edition de Crémille, 1973, p. 349.
[6] Mary Elisabeth Braddon, La Trace du serpent, Paris, Archipoche, 2012, p. 105.
[7] Ibid., p. 281.
[8] Jules Vallès, La Dompteuse, éd. François Marotin, Paris, Editions Paléo, 2011, p. 177.
[9] Dr. Campagne, Traité de la manie raisonnante, 1869.
[10] Yves Guyot, Un fou, Paris, Flammarion, 1884, p. 73-74.
[11] Frédéric Soulié, Les Mémoires du diable, Paris, Laffont, 2003, p. 794.
[12] Les Mystères de Londres, op. cit., p. 130.
[13] Mary Elisabeth Braddon, Le Secret de lady Audley, Paris, Rivages poche, 2001, p. 412.
[14] Pierre Zaccone, Les Mystères de Bicêtre, 1864.
[15] Ibid., p. 13.
[16] Ibid., p. 15.
[17] Auteur notamment d’Étude clinique de la folie avec prédominance du délire des grandeurs (1869-1870) et Note sur la mégalomanie ou lypémanie partielle, avec prédominance du délire des grandeurs en 1882.